jueves, 18 de agosto de 2016

INSIDE, la nueva película de Miguel Ángel Vivas, inaugurará SITGES - 2016



El Festival de Sitges levantará el telón de su 49ª edición con la première europea de la terrorífica Inside, una cinta dirigida por Miguel Ángel Vivas (SecuestradosExtinction), con guión de Jaume Balagueró y su colaborador habitual Manu Díez, y protagonizada por Rachel Nichols y Laura Harring. Se trata de una producción de Adrián Guerra y Núria Valls (Nostromo Pictures).

Los peores temores de la audiencia cobrarán vida en Inside, película inaugural de la 49ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que tendrá lugar del 7 al 16 de octubre. El certamen apuesta, una vez más, por la producción autóctona en su gala de apertura, reafirmando su compromiso con el cine catalán.

La historia de Inside sigue los pasos del film en que se basa, À l'intérieur, dirigido por Alexandre Bustillo y Julien Maury, que impactó el público en Sitges 2007 y se ha convertido en una cinta de culto. Así, una joven viuda, embarazada y deprimida, intenta reconstruir su vida después del fatídico accidente de tráfico en el que perdió a su pareja y su oído de manera parcial. Ahora, a punto de dar a luz, vive en una casa aislada de un suburbio cuando, una noche de Navidad, recibe la visita inesperada de otra mujer con un objetivo demoledor: arrebatarle el bebé que lleva dentro. Pero la furia de una madre para proteger a su hijo nunca puede ser subestimada. Rachel Nichols (The LoopTokarevCuatro Fantásticos) y Laura Harring (Mulholland DriveInland EmpireEl amor e n los tiempos del cóleraThe Punisher) interpretan los dos papeles principales en esta lucha cuerpo a cuerpo, brutal y sangrienta.

Inside está producida por Nostromo Pictures, una compañía con base en Barcelona que ha estado detrás de los films de Rodrigo Cortés Buried y Red LightsGrand Piano, que inauguró el Festival de Sitges en 2013 o el éxito de taquilla Palmeras en la nieve. Tiene en marcha los thrillers El guardián invisible y Contratiempo.

viernes, 12 de agosto de 2016

LA VIDA PASADA DE JASON VOORHEES

 

Jason Voorhees. 
Fecha de nacimiento: 13/06/46. Géminis . Nodo norte en Cáncer (Nodo sur en Capricornio).
Jason Voorhees es un misterio. Es un ser que no habla, que no padece, que no siente. Nadie ha conseguido averiguar nada acerca de él aparte de lo que hemos visto en las películas1. Pero vayamos al grano: ¿aparte de la consabida venganza por la muerte de su madre, existe alguna razón más por la que Jason actúe así? Busquemos respuestas en las posibles vidas pasadas que haya podido tener para, de ese modo, arrojar algo de luz sobre el más que probable karma negativo que arrastra en sus emblemáticas películas. 
 
Si seguimos a pies juntillas el libro Reencarnación y edades astrológicas del Mago Félix2, podemos llegar a averiguar algo más acerca del carácter de Jason y despejar algunas dudas del por qué de su conducta homicida. Según las indicaciones que el mago anota en este libro y basándonos en la fecha de nacimiento3, conocemos que su anterior encarnación4 fue unos 150 o 200 años antes y que fue un Capricornio muy exagerado, individualista, ambicioso y egoísta. Es decir, que pese a que su signo zodiacal es Géminis tiene el Nodo sur en Capricornio. Por ese motivo, en su existencia terrenal actual (o al menos en la de cada película) debe aprender a asimilar los valores de Cáncer, que es el signo zodiacal opuesto a Capricornio y cuya manera de ser rechazó en la vida anterior. Por lo tanto, Jason Voorhees es un Géminis cuyo Nodo norte está en Cáncer. 


Siguiendo los apuntes que aparecen en el libro descubrimos que la única meta de Voorhees en su hipotética vida anterior era la de obtener premios, riquezas, fama y reconocimiento, y que despreció lo emocional-sentimental, además de lo hogareño-familiar. Debió ser una persona tremendamente ambiciosa y persiguió el éxito a toda costa sin tener en cuenta los sentimientos de los demás, hasta el punto de que su frialdad y ambición llegue a eclipsar cualquier probabilidad de formar una familia. Según se apunta, persiguió el éxito y el poder sin tener en cuenta los sentimientos de los demás ni los propios y su intensa búsqueda de riqueza perjudicó a sus padres. Por ese motivo, quién nos lo iba a decir, es muy probable que careciese (o huyese) del calor de un hogar a muy temprana edad.
 
Félix nos dice que en otra vida tuvo un carácter exageradamente independiente, individualista, orgulloso, terco, obstinado e intransigente, y que mantenía su punto de vista contra viento y marea. También dice que le resultaba difícil poder relacionarse sentimentalmente con otras personas y que fue excesivamente introvertido. (Vaya, en esto parece que no ha cambiado demasiado). También nos explica que con mucha probabilidad fue una persona descuidada y negligente con las personas mayores (¡vaya por Dios!) y que rehuyó de cualquier responsabilidad social o familiar con las mismas. Es por ese motivo que en esta nueva vida, para mejorar su suerte y purificar su karma tiene una tendencia instintiva (casi obsesiva en su caso) a querer ayudarlos… Y si esa posibilidad no se da, como es el caso que nos ocupa, pues su madre fue asesinada, la única posibilidad que le queda es, efectivamente, la venganza. Como hemos dicho, Jason debe desarrollar los sentimientos y, sobre todo, el sentido hogareño de Cáncer, incluso el sentido poético y soñador de éste, pero la muerte Pamela lo truncó todo. Esa circunstancia suponemos que es la que le fuerza desde entonces a asesinar a la muchachada, pues ellos fueron los que le privaron de tener el contacto sentimental y humano que el karma le dictaba. 


Hipotéticamente, y siempre según las indicaciones del libro, el Jason que hemos visto a lo largo de toda la saga de Viernes 13 tiene un carácter cuyos ideales, energías y sentimientos se dirigían hacia el objetivo de intentar formar un hogar y una familia sólida. Se dice además que posee un sentido maternal muy desarrollado (visto lo visto nos lo creemos), y que se desvivirá por sus hijos. Nunca se le ha conocido ningún romance ni intento por consumar una relación, pero de ser así, con toda probabilidad este famoso asesino de Crystal Lake sería un padre muy posesivo y con unos instintos de protección muy intensos. De hecho, su madre lo era, ¿no es así?

Sin embargo conseguir la felicidad o la meta marcada por el karma no resulta tan fácil de conseguir. Según Félix, Jason debe purgar en esta vida las actitudes egoístas y despreciativas que tuvo en su anterior encarnación, y esto puede traducirse en desengaños con familiares o amistades, y en este sentido la muerte de su madre y la poca responsabilidad de los cuidadores que lo dejaron ahogarse cuando era niño parece ser esa purga con la que debe lidiar en las películas.


¿Quién sabe? Quizás el motivo de su insistente y maquiavélica búsqueda de una virgen bondadosa a lo largo las diferentes secuelas de la saga sea precisamente eso: formar una familia. Ese “Nodo Norte en Cáncer” que decíamos hace que no soporte la soledad y aunque exteriormente parezca frío, distante y calculador, una persona nacida en el “Nodo Norte de Cáncer” es súper emocional e inestable emocionalmente. Además, ATENCIÓN, cito literalmente el libro de Félix: suele tener explosiones o estallidos emocionales extravagantes y exagerados. ¿De ahí a que haya asesinado a tanta gente? ¿Son esos asesinatos un pronto que tiene? 
 
En su otra vida Jason tuvo problemas psicológicos para relacionarse o expresar sus sentimientos, algo que el Mago asocia a un exceso patológico de introversión. Por consiguiente en la actualidad su espíritu tiene que aprender no sólo a relacionarse sentimentalmente sino además sexualmente (¡!), cosa que Jason no parece llevar muy bien. Tampoco es que lo hayamos podido comprobar porque nunca lo hemos visto en las películas, pero en el libro se dice que las meteduras de pata de su vida pasada provocan que en esta Jason llore con facilidad y que tienda a tener reacciones emocionales imprevistas, incomprensibles y un tanto lunáticas. No me negaréis al menos que un poco lunático sí que es. 
 
Como ven, el Mago Félix no parece ir muy desencaminado y siguiendo los apuntes de su libro incluso parece haber dado en el clavo respecto a la personalidad de Jason. 

Juan Pedro Rodríguez Lazo

1 Inlcuso el “cazafantasmas” Arsenio Hall (pues le puso la voz a uno de los personajes de la serie animada de Los cazafantasmas) intentó hacerle una entrevista sin ningún éxito en su show.

2 Felix Llaugé Daussà. Fapa Ediciones. Colecciones Ave Fénix “Esotérica” nº8.

3 La fecha de nacimiento de Voorhees es bastante incierta pero según apuntan varias páginas especializadas en Viernes 13, pudo haber nacido el 13 de junio de 1946.

4 Obviamente nos referimos a vidas pasadas previas a la saga Viernes 13, pues una vez aparece en ellas no para de resucitar una y otra vez.

La frusta e il corpo en DVD/BD

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Regia Films amplia su apuesta por la alta definición al cine clásico con la salida de su segunda edición en Blu-ray. Un lanzamiento que, por otra parte, entronca con otra de las líneas editoriales que viene desarrollando el sello barcelonés como es la recuperación y difusión de la filmografía del maestro del fantástico italiano Mario Bava. Una labor que en este caso se cumple por partida doble, ya que el título escogido en esta oportunidad ha sido La frusta e il corpo, film protagonizado en 1963 por Christopher Lee y Daliah Lavi que se encontraba hasta el momento inédito en nuestro país comercialmente hablando, debido en gran medida a la temática sadomasoquista que encierra bajo sus ropajes de exponente de cine gótico su argumento, a la que no es ajena la participación en su guion del gran Ernesto Gastaldi, todo un obsesionado en la materia como demuestran algunos de sus trabajos para Sergio Martino como La perversa señora Wardh o Vicios prohibidos, esta última también disponible en formato DVD por parte de Regia.
Como ha venido siendo moneda común en los anteriores lanzamientos dedicados por Regia Film a la obra del genio de San Remo, se trata de una edición a la altura de las circunstancias que puede catalogarse de única a nivel mundial. Compuesta por dos discos, el primero de ellos presenta la versión internacional de la película en formato Blu-ray a partir del máster HD de “Hollywood Classics”, corrigiendo el virado a azul y el oscurecimiento de la colorista fotografía original que se daba este, incluyendo tres pistas sonoras en italiano, inglés y español neutro, así como dos subtitulados en castellano para cada uno de los doblajes en italiano e inglés. Por su parte, el segundo disco se trata de un Dvd denominado “Extras”, entre el que se encuentra el montaje italiano de La frusta e il corpo con idéntico contenido sonoro al del Blu-ray y también doble subtitulado, además de los trailers italiano, francés y alemán del film, así como los créditos de la copia norteamericana titulada What? Para completar aún más la edición, esta se completa con un libreto totalmente ilustrado de veinte páginas escrito por Carlos Díaz Maroto y Roberto García Ochoa-Peces en las que nuestros dos buenos amigos ponen en antecedentes sobre el cine gótico italiano, informan sobre la producción del film, y lo analizan.
A continuación os dejamos con unas cuantas capturas del blu-ray en las que se puede apreciar la calidad de imagen de la edición (pinchad en las fotos para ampliarlas):
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Limitada a una tirada numerada de mil copias y presentada con funda exterior de cartón y caratula ilustrada interiormente, la edición de La frusta e il corpo comercializada por Regia Films se encuentra ya disponible en el mercado y puede adquirirse a un precio de 17,95 € a través de la propia tienda-web del sello, http://www.regiafilms.com/, la cual, por cierto, se encuentra ahora mismo en plena campaña veraniega que hace que gran parte de su catálogo se encuentre rebajado con un treinta y cinco por ciento de descuento, ofertando además gastos de envíos gratuitos para todos aquellos pedidos con un importe superior a 20 €.

miércoles, 10 de agosto de 2016

SITGES 2016 CELEBRA EL 50 ANIVERSARIO DE STAR TREK


La celebración del 50º aniversario de la serie original Star Trek será el leit motiv del próximo Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que tendrá lugar del 7 al 16 de octubre. La saga, creada por Gene Roddenberry en 1966, se ha convertido en un auténtico fenómeno de culto que cuenta con una infinita legión de fans, que tendrán la oportunidad de encontrar en Sitges la génesis y manifestaciones de la galaxia trekkie.
El universo Star Trek tendrá como figura visible en Sitges 2016 el personaje de Chekov de la serie original, interpretado por Walter Koenig, que visitará el Festival y recibirá un premio Màquina del Temps. El documental For the Love of Spock, dirigido por Adam Nimoy, una aproximación por parte del hijo de Leonard Nimoy al punto de vista de su padre, el mítico Mr. Spock, estará también en el Festival. El cartel de Sitges 2016 toma como referencia, precisamente, Star Trek. Ha sido realizado, un año más, por la agencia China, con Rafa Antón como director creativo ejecutivo.
Los trekkies están de enhorabuena, porque Sitges 2016 celebrará la Star Trek Walk, un desfile por las calles de Sitges en honor a la saga de culto, el miércoles 12 de octubre. El Festival cuenta con la colaboración de la Asociación Club Star Trek.
Star Trek también protagonizará dos exposiciones en Sitges, que se distribuirán entre el Edificio Miramar y el Palacio de Maricel. La primera estará compuesta por todo tipo de materiales provenientes de colecciones privadas: figuras, cómics, maquetas, fotografías autografiadas, libros y merchandising variado. La segunda será una recopilación de ilustraciones creadas por diferentes artistas españoles, que rinden homenaje al universo de la saga.
La franquicia Star Trek se compone de cinco series de televisión, una serie de animación en 2D y doce películas, además de una docena de videojuegos, diferentes juegos de rol, cientos de novelas y relatos de ficción.

jueves, 4 de agosto de 2016

Anunciadas dos películas del próximo Festival de cine de Terror de Molins de Rei

En los últimos días, la organización del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei ha desvelado dos nuevos títulos que formarán parte de la Selección Oficial de su trigésimo quinta edición, la cual tendrá lugar del 11 al 20 de noviembre próximos en la localidad barcelonesa.
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Por un lado se encuentra Downhill, survival chileno dirigido por Patricio Valladares y protagonizado por un reparto internacional encabezado por Natalie Burn y Bryce Draper. Ambos dan vida a una pareja de especialistas de descenso en bicicleta de montaña que es invitada a realizar una exhibición tiempo después de que él decidiera retirarse de este mundo tras la muerte de su mejor amigo en una competición. Pero lo que no sabía ni el ni su partenaire al aceptar el reto es que además de superar la traumática muerte de su amigo, deberían de pelear en los espesos bosques por sus propias vidas… Estrenada de forma intima en las Blood Window Midnight Galas que se celebran cada año durante el Festival de Cannes, la película cuenta ya con casi media docena de confirmaciones por distintos festivales de todo el mundo.
El segundo título en cuestión se trata de The Girl With All The Gifts, basada en la novela homónima escrita por Mike Carey en 2014. Colm McCarthy es el encargado de plasmar las páginas del libro a imagen real, contando para ello con la ayuda del propio autor de la novela que firma asimismo el guion de su adaptación a la gran pantalla. Protagonizada por un atractivo elenco compuesto en sus roles principales por la bellísima Gemma Arterton y Glenn Close, la trama de The Girl With All The Gifts se sitúa en un futuro distópico donde la humanidad se ha visto asolada casi en su totalidad por un tipo de hongo que contiene un virus zombi. En medio de este apocalipsis, un grupo de científicos investiga la segunda generación de nacidos bajo esta epidemia, los cuales son mitad “hambrientos” mitad humanos.
Más información: http://www.molinsfilmfestival.com/es/

sábado, 23 de julio de 2016

Entrevista a Jason Sheedy y Kyle Steinike (Patient)

Un año más, y van tres, el máximo galardón de la sección “Dark Visions” de Nocturna fue a parar a una propuesta de carácter metafísico. Tras Cruel & Unusual en 2014 y Afterdeath en 2015, esta vez le tocó el turno a la estadounidense Patient. Curiosamente, la que ha supuesto la ópera prima en el formato largo de su director y (co)guionista, Jason Sheedy, compartiría varias conexiones con su predecesora en el palmarés de Nocturna, aparte de la comentada. Al igual que sucediera hace doce meses con la producción británica co-dirigida por Gez Medinger y Robin Schmidt, el certamen madrileño acogería la premiere mundial de esta cinta de corte minimalista ambientada en un único escenario. Si en el caso de Afterdeath se trataba de una cabaña situada en una solitaria playa, Patient se desarrolla en la habitación de un hospital, en la que su protagonista se encuentra ingresada y donde es visitada por una emisaria de la Muerte, que le tienta con cambiar su alma por la de su sobrino. A la mañana siguiente de su proyección en Nocturna, mantuvimos la siguiente entrevista con Jason Sheedy, en la que también participó el productor de la película, Kyle Steinike.

¿Cómo nace la idea de lo que ha acabado siendo Patient?
Jason Sheedy: La película surge de la combinación de dos ideas diferentes. Por un lado, desde un principio mi intención era la de situar la historia en un hospital, ya que de pequeño estuve mucho tiempo ingresado en uno debido a mis problemas de asma. Aún recuerdo la sensación de miedo que experimentaba al tener que pasar las noches allí, yo solo. Por otro lado, también quería que Patient contara con una única localización: debido a esta decisión, tuve que revisar un montón de películas cuyo escenario principal era un hospital.

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En cuanto a la historia en sí misma, en principio no tenía claro que esta fuera a estar situada en el pasado, pero intercambiando ideas con mi co-guionista se nos ocurrió que estaría bien ambientarla en los años setenta, cuando el culto a los fenómenos paranormales estaba en su máximo apogeo; de esta manera tuvimos la oportunidad de enmarcar nuestra historia en un contexto real sin perder por ello el componente sobrenatural.

Al tratarse del trabajo de un director novel, ¿os resultó complicado encontrar financiación para poner en marcha el rodaje? ¿En algún momento llegasteis a plantearos la posibilidad de recurrir al crowfunding, como suele ser últimamente tan habitual?
Kyle Steinike: Ante todo he de aclarar que no es nuestra primera película, aunque sí nuestro primer largometraje. Patient ha estado financiada por inversores privados y, de hecho, Jason también puso bastante de su parte en ese sentido. Básicamente tuvimos la suerte de encontrarnos con un grupo de gente a la que le gustaba el género, y el cine en general, así que en realidad no nos costó demasiado convencerles para que nos echaran una mano cuando les contamos lo que queríamos hacer. Antes tuvimos en cuenta la alternativa del crowfunding, y tengo que decir que me encanta lo que representa para la industria del cine independiente… Pero en esta ocasión fuimos lo suficientemente afortunados como para no tener que recurrir a ese método de financiación.

Jason y el productor Kyle Steinike en un momento de la entrevista.
Jason y el productor Kyle Steinike en un momento de la entrevista.

En el aspecto formal, Patient se inscribe dentro la tendencia actual de películas de corte minimalista que transcurren, básicamente, en un solo enclave. ¿Fue algo pensado para ahorrar costes o se trató de una decisión estilística?
J. S.: Un poco de ambas. Aunque fuera nuestra primera película, sabíamos que teníamos que ser conscientes del presupuesto del que disponíamos -el cual no era muy alto, por cierto- e intentar atenernos a él lo máximo posible, pero al mismo tiempo también nos apetecía rodar en una única localización… o tal vez en dos localizaciones, como máximo. Esta forma de trabajar representó un auténtico desafío para todos, ya que nos forzó a ser más creativos: en primer lugar a los actores, porque al tener un escenario tan minimalista se les daba la oportunidad de destacar, de brillar por ellos mismos, al no existir elementos que distrajeran la atención de sus interpretaciones. Lo mismo se podría decir del director de fotografía: también se esforzó mucho para dar lo mejor de sí.
Esta película ha sido un verdadero desafío, y por suerte al equipo le encantó enfrentarse a este tipo de reto. En resumidas cuentas, empezamos tomando esta decisión de rodar en una sola localización por simples razones de presupuesto, pero al final prevaleció más el aspecto creativo: debido a esta peculiaridad resultó ser un rodaje bastante divertido para todos.
K. S.: Sí, básicamente, y debido a la modestia de nuestro presupuesto, quisimos contar desde el comienzo con una serie de elementos que, como cineastas, supiéramos que íbamos a ser capaces de manejar. Más tarde en el rodaje estas limitaciones fueron una inmejorable forma de ponernos a nosotros mismos a prueba, aunque también tuvimos que cruzar los dedos, ya que no sabíamos si el público iba a mostrar interés por la historia que queríamos contar.
No estoy diciendo que fuera fácil, pero fue interesante esforzarnos todo lo posible trabajando con estos elementos tan mínimos, y siempre con el fin último de mantener en todo momento el interés del espectador.

Según he leído, desde su primera versión hasta la definitiva el guion ha sufrido varias reescrituras. ¿Cuáles han sido los cambios más significativos realizados en todo este proceso?
J. S.: En efecto, hubo varias versiones del guion. De hecho, en el primer borrador Rachel, la protagonista, era la villana de la historia. En el primer libreto que escribimos no existía aún el personaje de la terrorífica señora mayor, que en la película no tiene nombre, pero a la que en los títulos de crédito llamamos Sharon, ya que está basada en Caronte, el barquero del Hades. Este personaje fue creado porque cuando empezamos a enseñar el guion a nuestros colegas a nadie le gustaba el personaje principal, y eso nos forzó a realizar un montón de cambios. Por lo visto, convertir al protagonista en el villano de la historia no acababa de funcionar, así que básicamente quitamos todos los matices malignos del personaje de Rachel y lo trasladamos a otro totalmente nuevo. Ése fue el cambio más importante con respecto a la primera versión del guion que escribimos.

El desarrollo de la película es muy críptico, dando muy poca información al espectador sobre el origen de lo que sucede en pantalla. ¿No temiste que el público no acabara de entender la propuesta por este motivo?
J. S.: Sí, obviamente en una película de misterio de este tipo, en la que tienes que ir dosificando la información, siempre existe el riesgo de que la gente se aburra o de que no se enganche con la historia. Además, creo que hay varios aspectos de la película que están abiertos a diferentes interpretaciones, y puede que por eso el público no la acabe de entender al cien por cien. Pero creo que al final lo más importante es que se entienda lo básico, y es el hecho de que esta mujer trata de escapar, que al hacerlo resulta herida y que intenta sobreponerse con la ayuda de su hermano a estas circunstancias.
Creo que a todos los cineastas que trabajamos en este género siempre nos queda esa inquietud de no haberle proporcionado al público las suficientes pistas para que comprendan nuestra obra. Existe una línea demasiado estrecha entre darle al público demasiada información o demasiado poca, aunque también creo que se puede disfrutar igualmente  si no se conoce de antemano hasta el más mínimo detalle de la trama; de esta manera, uno puede descubrir por sí mismo los secretos que se tratan de ocultar.
K. S.: Queríamos que el público sacara sus propias conclusiones, este es el principal motivo de que no le demos toda la información de qué es lo que realmente sucede en cada momento. Lo interesante de esta forma de proceder es que cada miembro de la audiencia puede llegar a sacar sus propias conclusiones, y esto fue ya algo premeditado por nuestra parte en el proceso de escritura del guion.
Por otro lado, que no diéramos todas las respuestas al público no quiere decir necesariamente que no las tuviéramos, jeje. Siempre tuvimos en mente cómo terminaría la película, aunque supongo que incluso el final de la misma puede estar abierto a diferentes interpretaciones.
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Patient juega mucho con la dualidad, empezando por el doble significado que puede darse al título, o el que la protagonista sufra un problema de incomunicación con su familia y una vez esté ingresada en el hospital tampoco pueda hablar con ellos para contarles lo que sucede, ya que de hacerlo morirían por culpa de la maldición que padece. ¿Hasta qué punto esta idea de la ambivalencia es el leit motiv que teníais en mente a la hora de dar forma al proyecto?
J. S.: Supongo que es verdad que el título tiene varios significados, tanto por la propia condición de paciente de la protagonista como por el hecho de que tenga que tener paciencia a la hora de enfrentarse a su enemigo, además de porque sólo puede comunicarse con gente que ya está muerta. En ese sentido, es cierto que su vida está dividida en dos, entre esos espíritus y esa mujer que ya ha fallecido, y con los que se puede comunicar, y el mundo al que ella en teoría pertenece, el de los vivos, con el que no puede comunicarse.

Patient funciona a varios niveles, bien sea como film de terror o como drama familiar. ¿Fue muy difícil conjuntar estas dos naturalezas para que el conjunto funcionara de una forma homogénea?
J. S.: Sí, definitivamente fue difícil. Creo que es complicado definir esa fina línea entre ser muy dramático pero no lo suficientemente aterrador o, por el contrario, dar mucho miedo y tener que dejar de lado por ese motivo el drama. Normalmente, cuando se intentan este tipo de mezclas siempre resulta algo intermedio… Ni una cosa, ni la otra.
En nuestro caso, tratamos de encontrar el equilibrio adecuado entre dejar satisfecho al fan del terror sin por ello sacrificar en momento alguno el desarrollo de los personajes, ya que nuestra intención era por encima de todo que el público se identificara con ellos, que se sintieran intrigados por lo que les iba a ocurrir a continuación. Creo además que el hecho de que la audiencia sienta empatía por los personajes beneficia también el aspecto terrorífico.

Me gustaría que me hablarais de la mitología creada alrededor del personaje de la Muerte, tanto a nivel conceptual como visual…
J. S.: La manera en la que trabajamos a la hora de plasmarla en pantalla fue con la idea de que en realidad nunca veríamos a la Muerte como tal: ésta en realidad está representada por el personaje de esta mujer vieja, que es una especie de mensajera de la muerte. Nos referimos a la Muerte como una entidad real al comienzo de la película, pero también en escenas posteriores. Por eso, y cada vez que hacemos referencia a la muerte, tratamos de asociarla a los espíritus o a la figura de esta mujer, sobre todo por lo que representan visualmente.
También tratamos de hallar claves visuales, con el fin de transmitirle al público la idea de que la muerte acompañaba a la protagonista en su habitación. Por eso también intentamos remarcar los conceptos del día y de la noche en la película, ya que eso nos daba la oportunidad de asociar la maldad a los ambientes nocturnos.
K. S.: Nuestra intención con lo que ha comentado mi compañero era que el público no se tomara a la Muerte como si fuera otro personaje más. Por ese motivo decidimos enfocarla más como una entidad que como una presencia física.

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Kyle y Jason posando para los medios junto a Luis Rosales tras la rueda de prensa de “Patient” en NOCTURNA.

Jason, has comentado antes que Patient nace de una experiencia que tuviste de pequeño. Aparte, a lo largo del film hay otros detalles en este sentido, como unos dibujos que aparecen y que según creo son tuyos o el hecho de que el nombre de pila de la protagonista sea el de tu propia madre. En vista de ello, ¿hasta qué punto puede considerarse a Patient como una película personal?
J. S.: Es definitivamente personal, sencillamente por el hecho de que cuando eres director de películas de terror tienes que pensar en primer lugar en qué es lo que te produce miedo a ti. Como decía antes, el escenario del hospital tiene mucho que ver con eso y con mis experiencias infantiles, cuando me quedaba solo por la noche y me preguntaba qué podría ser aquella sombra que había cerca de mi cama; aunque, obviamente, la historia que se cuenta en la película está muy vagamente inspirada en aquellas experiencias.
Creo que desde una perspectiva personal, e incluso desde el punto de vista del profesional del cine, Patient representa de algún modo la lucha por seguir adelante, la idea de sobreponerte a tus problemas y a las malas experiencias. El hecho, en definitiva, de encontrar siempre la esperanza en una situación que parece desesperada.

En Nocturna Patient ha tenido su première mundial. ¿Qué planes tenéis para ella a partir de ahora  y con qué tipo de distribución comercial va a contar?
K. S.: Todo depende de nuestro distribuidor, pero esperamos que, además de en Nocturna, tengamos también la ocasión de presentarla en otros festivales y eventos europeos. Supongo que la meta es regresar a los Estados Unidos y que la película se termine estrenando en el formato de video on demand y en ese tipo de plataformas; para ello, y como ya digo, confiamos en el buen hacer de nuestro distribuidor. En cuanto al estreno en Nocturna, estamos muy emocionados: creemos que es un gran festival, y que la nuestra es el tipo de película que encajará perfectamente en su programación.
J. S.: Sí, creo que a todo el mundo le encanta la forma en la que en Nocturna se trata al género de terror. De hecho, casi me siento mal de que nuestra película no tenga suficiente terror para lo que se acostumbra en el festival, aunque está claro que están abiertos a cualquier tipo de film encuadrado dentro de la fantasía, el suspense o el misterio. Creo que es fantástico el hecho de que festivales como Nocturna nos dé a cineastas independientes como nosotros la oportunidad de mostrar nuestro trabajo en otros países.
José Luis Salvador Estébenez
Traducción: José Manuel Romero Moreno
Fotografías: Juan Mari Ripalda

viernes, 15 de julio de 2016

Madame Arthur, novedad de Vial of Delicatessens

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El pasado viernes 24 de junio Vial of Delicatessens lanzó al mercado una nueva referencia de su línea underground, dentro de la colección “Motion Pitchers”. Se trata de Madame Arthur, un documental dirigido por Eduardo Gión, de quien el sello ya editara con anterioridad su también documental Lentejuelas de Sangre dedicado a Pierrot.
Precisamente, el fallecido artista multidisciplinar ejerce de presentador en este recorrido por la vida de uno de los primeros transformistas que hubo en la Barcelona franquista. Una historia llena de recuerdos, de duras acusaciones y de libertad. Un escándalo, una incógnita, una Madame. El Maricón con más huevos de España: Madame Arthur.
Además del documental, la edición en DVD comercializada por Vial of Delicatessens incluye diversas actuaciones inéditas de Madame Arthur a modo de extra, pudiendo ya adquirirse a un P.V.P de 5,99 € más 2, 40 € de manipulación y envío a través del blog del sello-fanzine: http://vialofdelicatessens.blogspot.com. Más adelante está previsto que también pueda adquirirse a través de Amazon y tiendas especializadas.

viernes, 8 de julio de 2016

Nos llegan los primeros (y sabrosos) adelantos de SITGES 2016

El escaparate de cine de género más importante del mundo prepara su 49ª edición con una colección de títulos e invitados que representan lo mejor y más variado del fantástico. Terror puro; thrillers explosivos; ciencia ficción futurista; zombis y vampiros reinterpretados, y los filmes más inclasificables llenarán la programación del Sitges – Festival de Cinema Fantàstic de Catalunya, que se celebrará del 7 al 16 de octubre. Este año, el Festival llega, además, con un espíritu trekkie como telón de fondo, con un puñado de actos con los que se celebrará el cincuenta aniversario de la saga.
El actor sueco Max von Sydow, con una extensa filmografía repleta de títulos memorables, visitará Sitges 2016 para recibir el Gran Premio Honorífico. Von Sydow fue actor fetiche de Ingmar Bergman ­­–su mentor– en films como El séptimo selloFresas salvajes o El rostro; interpretó a Jesucristo en La historia más grande jamás contada y es conocido mundialmente por su papel de Padre Merrin en El exorcista. Con más de sesenta años de profesión a sus espaldas, se ha puesto a las órdenes de grandes directores como David Lynch (Dune), Woody Allen (Hannah y sus hermanas), Lars von Trier (Europa), Dario Argento (Insomnio), Steven Spielberg (Minority Report), Martin Scorsese (Shutter Island) o Ridley Scott (Robin Hood), entre una lista interminable. Actualmente, ha participado en la sexta temporada de Juego de tronos.
Rob Zombie, director y artista polifacético de culto entre los fans del cine de terror, será un invitado muy esperado en Sitges 2016, junto con su pareja y musa, la actriz Sheri Moon Zombie. El director y músico, que recibió el Gran Premio Honorífico en Sitges 2014, presentará 31, un slasher ambientado en los años 70 programado en Sundance. Otro invitado ilustre de la edición de este año será el actor y director Bruce Campbell, un icono del fantástico cinematográfico y televisivo, conocido mundialmente por su papel de Ash Williams en la trilogía Evil Dead. Campbell recibirá el premio Màquina del Temps en Sitges 2016.
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Uno de los films más esperados y controvertidos a raíz de su paso por Cannes que se podrá disfrutar en Sitges es The Neon Demon, la última creación de Nicolas Winding Refn (premio Màquina del Temps en Sitges 2015). Un thriller de terror, radical y reflexivo, sobre el mundo de la moda, protagonizado por Elle Fanning, Keanu Reeves y Christina Hendricks. Otro thriller de alto voltaje que incorpora la programación de este año es Dog Eat Dog, un film neo-noir dirigido por el veterano Paul Schrader, con Nicolas Cage y Willem Dafoe en el papel de ex-convictos contratados para llevar a cabo un secuestro en la ciudad de Los Ángeles. Schrader también recibirá en Sitges el premio Màquina del Temps.
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La programación también incluirá la distópica The Girl With All the Gifts, de Colm McCarthy ­–vista también en Cannes–, que trata la temática zombi desde una perspectiva diferente, con su recreación de un Londres apocalíptico. The Void, uno de los mejores films de horror independiente del año, dirigido por Jeremy Gillespie y Steven Kostanski, también estará en Sitges. El director de Oculus, Mike Flanagan, presentará Before I Wake, siguiendo con la temática del terror sobrenatural, y David Mackenzie, que en 2014 presentó en el Festival Starred Up, llevará este año el thriller oscuro Hell or High Water, con Jeff Bridges y Chris Pine.
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Como es habitual, el fantástico español y, más concretamente, el catalán, disfrutará de una destacada presencia en Sitges 2016. Se presentará Proyecto Lázaro, de Mateo Gil, una película futurista con reparto internacional sobre un grupo de médicos que consigue resucitar a un hombre criogenizado sesenta años atrás. Uno de los directores catalanes actualmente más activos en Estados Unidos, Carles Torrens, estará con Pet, un thriller asfixiante y obsesivo protagonizado por Dominic Monaghan. También se proyectará La propera pell, de Isaki Lacuesta e Isa Campo, film que se llevó cuatro premios en Málaga, incluido el Premio Especial del Jurado. Completan este avance los debuts en la dirección de Iván Morillo y Denise Castro, titulados Vestigios Salvación, respectivamente.
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El cine asiático también pisará con fuerza en Sitges 2016 constituyendo, como ya es habitual, uno de los pilares del Festival. Desde Corea del Sur, Park Chan-Wook presentará The Handmaiden, un thriller erótico de sublime morbidez que el director de Oldboy estrenó en Cannes con una gran acogida por parte de la crítica. También en Cannes y provenientes de Corea se vieron The Wailing y Train to Busan, de Na Hong-jin y Yeon Sang-lo, respectivamente; thriller de asesinatos con la firma del director de The Yellow Sea, en el primer caso, y frenético film de terror con zombies, en el segundo. Desde Hong Kong llega Three, de Johnnie To, acción e intriga psicológica de un director experto en el género. Por su parte, Japón estará presente con Terra Formars, del ya habitual en Sitges Takashi Miike, en esta ocasión con una adaptación del manga cyberpunk homónimo. Otra adaptación de manga japonés con imagen real será Asassination ClassroomThe Graduation, segunda parte de Assassination Classroom, dirigida por Eichiiro Hasumi. El director de Blue in the Face o Smoke, Wayne Wang, presentará While the Women Are Sleeping, la adaptación del relato corto de Javier Marías Mientras ellas duermen, protagonizada por Takeshi Kitano.
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El cine mexicano más joven, incluido en el sello Blood Window, estará representado por Tenemos la carne, de Emiliano Rocha, una ópera prima sin tabúes ni prejuicios que se desarrolla en un México post-apocalíptico oscuro y desolador, y por Desierto, de Jonás Cuarón –hijo de Alfonso–, que retrata los obstáculos que deben superar las personas que intentan cruzar la frontera con Estados Unidos en busca de un futuro mejor, en un filme protagonizado por Gael García Bernal.
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Fiel a su filosofía, la sección “Midnight X-Treme” ofrecerá las sesiones más salvajes y festivas, con títulos como Sadako vs. Kayako, film japonés de terror sobrenatural dirigido por Kôji Shiraishi; Karate Kill!, de Kuranda Mitsutake, película de acción también japonesa; Don’t Kill It, cinta de Mike Mendez donde Dolph Lundgren batalla contra demonios, o la opera prima de Jackson Stewart, Beyond the Gates, un film de terror que homenajea a la década de los 80 y que protagoniza todo un mito del estilo como Barbara Crampton, que recibirá un premio Màquina del Temps. Lundgren, actor y director, y uno de los máximos exponentes del cine de acción y artes marciales, también recibirá un reconocimiento en Sitges, a través del premio María Honorífica.
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Un buen puñado de títulos que ofrecen diferentes visiones del fantástico desembarcarán en el Festival para demostrar que el género se encuentra en uno de sus mejores momentos. The Eyes of My Mother supone el debut de Nicolas Pesce, una pequeña joya de terror realista, arriesgada, en blanco y negro con toques lynchianos presentada en Sundance y Cannes. Unos vampiros vistos desde un nuevo prisma protagonizan The Transfiguration, el debut de Michael O’Shea, otro descubrimiento de Cannes. Una nueva sociedad futura donde las emociones humanas han sido erradicadas es lo que plantea Equals, de Drake Doremus con Kristen Stewart y Guy Pierce. The Greasy Strangler, de Jim Hosking, que fue considerada en Sundance como una de las comedias más asquerosas del año, y el sorprendente documental Tickled, de David Farriar y Dylan Reeve, son dos ejemplos claros de las nuevas perspectivas del género. Cierra este primer adelanto de programación el irlandés Billy O’Brien, con la adaptación a I am Not a Serial Killer de la novela del mismo título de Dan Wells, con un protagonista de lujo, Christopher Lloyd.
Retrospectivas y homenajes
El universo Star Trek tendrá como figura visible el personaje de Chekov de la serie original, interpretado por Walter Koenig, que visitará Sitges 2016 con motivo de la celebración del cincuenta aniversario de la saga y recibirá un premio Màquina del Temps. El documental For the Love of Spock, dirigido por Adam Nimoy, una aproximación por parte del hijo de Leonard Nimoy al punto de vista de su padre, el mítico Mr. Spock, estará también en el Festival. Los trekkies están de enhorabuena, porque Sitges 2016 celebrará la Star Trek Walk, un desfile por las calles de Sitges en honor a la saga de culto, el miércoles 12 de octubre.
Star Trek también contará con dos exposiciones en Sitges, que se distribuirán entre el Edificio Miramar y el Palacio de Maricel. La primera estará compuesta por todo tipo de materiales provenientes de colecciones privadas: figuras, cómics, maquetas, props, fotografías autografiadas, libros y merchandising variado. La segunda será una recopilación de ilustraciones creadas por diferentes artistas españoles, que rinden homenaje al universo de la saga.
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Como ya se anunció en fechas pasadas, Sitges 2016 también ofrecerá una retrospectiva de la producción del bloque comunista, bajo el título “Red Planet Marx: la conquista (soviética) del espacio”, que incluirá una selección de títulos de género fantástico datados entre 1957 y 1978 en estados actualmente inexistentes, como la URSS y ChecoslovaquiaIkarie XB-1, del checo Jindrich Polak, es uno de los films seleccionados. Cada proyección estará presentada por un especialista en la materia y tendrá un post-screening.
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El Festival también celebrará el treinta aniversario de Aliens: El regreso (James Cameron, 1986), con un pase muy especial de esta secuela terrorífica que entusiasmó a los fans de la cinta original.
Brigadoon
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La sección Brigadoon, con proyecciones independientes y arriesgadas –siempre gratuitas­– también ha avanzado una buena selección de sus propuestas. Entre los largometrajes se proyectará Peelers, de Sevé Schelenz, la historia del dueño de un club de striptease en un pueblo de los Estados Unidos que deberá enfrentarse a una extraña enfermedad infecciosa. También se podrá ver Therapy, un found footage dirigido por el precoz Nathan Ambrosioni, de sólo dieciséis años.
Un año más, los documentales ocuparán un espacio destacado en la sección, con los protagonistas más variados del universo fantástico. En Sitges 2016 se recordará la figura del desaparecido cineasta italiano Joe D’Amato con el documental Joe D’Amato Totally Uncut: the Horror Experience, dirigido por Manlio Gomarasca y Davide Pulici, y que se completará con la proyección de algún film del director italiano. La actriz Me Me Lai, que fue jurado en Sitges 2015 de la sección Focus Asia, es la protagonista del documental Me Me Lai Bites Back: Resurrection of the Cannibal Queen, dirigido por Naomi Holwill. Por último, también se presentará la pieza Satan’s Blood. Memorias de Escalofrío, de Luis Esquinas, centrada en la película Escalofrío (Carlos Puerto, 1978).
Por otra parte, Brigadoon rendirá homenaje al realizador Joan Bosch, que murió el pasado mes de noviembre, con la proyección de algunos de sus films, como A sangre fría o La muerte llama a las diez. Tampoco faltará a la cita la tradicional Sitges Zombie Walk que tendrá lugar el primer sábado del Festival, el 8 de octubre, y que volverá a llenar la ciudad de zombis llegados de todas partes.
El Festival con la industria: Sitges FilmHub
Por segundo año consecutivo, el Festival celebrará el Sitges Pitchbox, una sesión coordinada junto con la plataforma Filmarket Hub que da la oportunidad a proyectos de largometraje de género de realizar un pitch a productoras. Será el viernes, 14 de octubre. La gran novedad de esta edición es la colaboración de la Diputación de Barcelona a través de su área de Cultura, con la dotación de tres premios que otorgará un jurado de expertos surgido de los invitados de Sitges 2016 (Ganador del Sitges Pitchbox 2016: 6.000 euros; Finalista del Sitges Pitchbox 2016: 4.000 euros), y una colaboración internacional con el NAFF (Network of Asian Fantastic Films). El ganador recibirá 5.000 euros y visitará la edición de 2017 del BIFAN (Bucheon International Fantastic Film Festival, de Corea del Sur), donde su proyecto será invitado a ser presentado ante posibles coproductores coreanos. Por parte del NAFF del BIFAN habrá un premio recíproco, el Sitges Pitchbox Award, que permitirá al ganador visitar  Sitges 2016 como invitado del Sitges Pitchbox.
Sitges Cocoon
El Festival se adapta a los tiempos actuales y apuesta por las nuevas narrativas audiovisuales de carácter experiencial, que viven en este momento un rápido avance gracias a la realidad virtual. Sitges refuerza su apuesta por las tecnologías y formatos innovadores en la producción y consumo de cine con la nueva sección Sitges Cocoon.
SGAE Nova Autoria
Por decimosexto año consecutivo, el programa SGAE Nova Autoria recogerá los cortometrajes de alumnos de escuelas de cine catalanas en el marco del Festival. Los cortos de ficción, animación y documentales seleccionados competirán por los Premios SGAE Nova Autoria al mejor guion, mejor dirección y mejor música original. A través de estos galardones, la SGAE y la Fundación SGAE ofrecen la posibilidad a los autores emergentes de exhibir sus trabajos y darlos a conocer al gran público en el marco de un evento audiovisual de proyección internacional.
Abonos, entradas y acreditaciones
La venta de abonos para Sitges 2016 se iniciará el próximo jueves 21 de julio a través de la web del Festival. Este año, como novedad, se podrán adquirir también las entradas para las galas de inauguración y clausura.
Más información: http://sitgesfilmfestival.com/cas

jueves, 30 de junio de 2016

A la venta el nº25 de El Buque Maldito...

El Buque Maldito #25
El próximo 9 de julio se presentará a las 11 de la mañana el nuevo número del fanzine “El buque maldito” en el Espai Betúlia, situado en la calle Enric Borràs, número 43-47, de Badalona, dentro del marco del Cryptshow Festival 2016.
Con él, la publicación dirigida por Diego López cumple su número 25 que, como siempre, llega plagado de contenidos de lo más jugosos. Así, ofrece entrevistas de lo más variadas a gente de la talla de Miguel Bosé, en la que el cantante repasa su trayectoria como actor dentro del género asiático, Manuel de Blas, uno de los secundarios más recurrentes del cine de género español con casi sesenta años de profesión a la espalda, el cartelista Macario Gómez “Mac, el director de la cult movie latinoamericana El inquisidor de Lima, Bernardo Arias, la asiática Me Me Lai, una de las presencias habituales del cine italiano de caníbales o, siguiendo con la cinematografía trasalpina, Luigi Montefiori, actor, director y guionista más conocido como George Eastman, al que también se dedica un artículo sobre su carrera.
En esta ocasión, la aportación de quien esto escribe, José Luis Salvador Estébenez, a esta nueva entrega de “El buque maldito” se divide entre un texto sobre el film El extraño amor de los vampiros, tercera y última entrega de la trilogía vampírica de León Klimovsky cuyo estudio se iniciara en el pasado número 23, así como una entrevista a Pepe Flores y Paco Millán a propósito de su documental Soledad Miranda: Una flor en el desierto (2015), centrado en la vida y obra de la desaparecida actriz sevillana que también centra el artículo biográfico “Soledad Miranda, mirada felina”.
Todo ello ya disponible a un precio de 3,5 € más gastos de envío en tiendas especializadas o bien a través del propio correo del fanzine elbuquemaldito_zine@hotmail.com
Más información: http://www.elbuquemaldito.com/

domingo, 26 de junio de 2016

Entrevista a Griff Furst (Cold Moon)

Cold Moon 14 - Griff Furst
De entre las diferentes premieres mundiales que acogió la pasada edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid – NOCTURNA, una de las que más expectación despertó entre los asistentes fue la del film norteamericano Cold Moon. Un hype que fue alimentado desde la propia organización y al que tampoco fue ajeno el que se tratara de la adaptación de una novela de Michael McDowell, el mismo hombre que se encuentra detrás de las historias de las burtonianas Beetlejuice o Pesadilla antes de Navidad, entre otras. En su puesta de largo, Cold Moon estaría arropada por varios miembros del equipo que la han hecho posible. En concreto, junto con ella visitarían Madrid su productor ejecutivo Lee C. Rogers, la bellísima Rachele Brooke Smith, encargada de dar vida a uno de los personajes protagonistas, y su director y guionista, el también actor Griff Furst, quien tras foguearse en pequeñas producciones con destino al mercado doméstico, preferentemente el televisivo, ha realizado con Cold Moon el que tanto por pretensiones como por planteamiento supone su trabajo más ambicioso hasta la fecha dentro de su faceta como cineasta.
Originalmente, tu carrera artística se inicia como actor, faceta que sigues desarrollando en la actualidad. ¿Qué te lleva a ponerte detrás de las cámaras y convertirte en director?
Yo no decidí ser director, lo hicieron por mí. Mientras estudiaba teatro mi profesor pensó que yo sería un buen director, por lo que me propuso dirigir una obra corta. Lo hice, dando la casualidad de que una de las personas que asistió como público a la representación me pidió que la convirtiera en un cortometraje. Más tarde, alguien vio aquel corto y me ofreció hacer una película. Así que, aunque nunca pensé en dirigir, todo me fue llevando en esa dirección y he seguido haciéndolo.
Desde que empezaste como director tu trayectoria ha estado siempre vinculada al género fantástico. ¿Es algo circunstancial o eres fan del mismo?
Muy fan. Yo era el típico niño que llegaba al videoclub a las diez de la mañana esperando a que abrieran para poder alquilar las novedades. Luego me hacía una copia para mi colección. Era estupendo. Tenía un armario lleno de películas de terror en VHS, y eso que entonces podías meter tres o cuatro en cada cinta. Pero siempre me han encantado todos los géneros. Las buenas historias que están bien contadas siempre me interesan. Ahora estoy trabajando en algunas cosas que no están relacionadas directamente con el género fantástico, pero no importa lo que haga, siempre lo tendré en cuenta a lo largo de mi carrera.
Cold Moon 13 - Griff Furst
Tus primeros trabajos como realizador se producen en telefilms y  películas destinadas al mercado doméstico, muchas de ellas producidas por la hoy popular The Asylum, como, por ejemplo, la que fuera tu ópera prima, I am Omega, la cual, siguiendo el modus operandi por el que es conocida la productora, estaba planteada para aprovechar el ruido mediático originado por el estreno de la adaptación del Soy leyenda de Richard Matheson protagonizada por Will Smith. ¿Cómo recuerdas aquella etapa?
Fue muy buena. Nunca fui a una escuela de cine, así que mi trayectoria dentro de The Asylum fue mi escuela de cine particular. Comencé a trabajar con ellos cuando acababa de cumplir veinte años e intervine como en una docena de películas en un par de años en las que fui aprendiendo el oficio. Y encima me pagaban. Así que cada vez que un aspirante a director me pregunta si debería ir a una escuela de cine y a cuál, siempre le aconsejo que adquiera experiencia trabajando en The Asylum. Hacen tantas películas que siempre tienen alguna vacante, ya sea de asistente de personal o como interno. Las escuelas de cine son caras y no te garantiza que te enseñen los mejores. Para eso, en lugar de tener que pedir un préstamo con el que pagar los estudios, pueden cobrar por hacer películas sin presupuesto para The Asylum.
Yo hice mi última película con ellos hace diez años pero, como te digo, me lo pasé genial, y aún guardo muchos amigos allí. Tengo un gran respeto por ellos y por lo que hacen, aunque no estén muy bien vistos por la industria. Pero en mi caso creo que son inteligentes y buenas personas, y además han servido de plataforma para muchos directores. Me alegro de que tengan éxito.
¿Y cómo era trabajar para The Asylum en casos como la mencionada I am Omega? ¿Te marcaban algunas pautas o indicaciones sobre cómo debía de ser la película?
En mi experiencia personal nunca intervinieron en mi trabajo. Te facilitaban mucho las cosas dándote el guion que ellos querían, el casting que ellos querían y te rodeaban de un equipo en el que ellos confiaban. Y eso de alguna manera determina el look de la película. Pero si tú hacías tu trabajo y lo que rodabas tenía buena pinta te dejaban tranquilo.
En este sentido, Cold Moon, la película que presentas, se antoja un proyecto mucho más ambicioso en todos los sentidos a lo que habías realizado hasta ahora como director. ¿Tienes la sensación de estar dando con ella un paso adelante en tu trayectoria?
¿Que si pienso que lo es? Sí. Siempre esperas que tu trayectoria sea ascendente. Cold Moon es diferente para mí porque es la primera de mis películas en la que he podido escoger el material de partida. Hasta ahora me contrataban para dirigir proyectos en los que la historia ya estaba escogida, y en Cold Moon lo he podido decidir yo. Así que, sí, pienso que es un paso en la dirección adecuada.
Griff junto a la bellísima Rachele Brooke Smith que interpreta a uno de los personajes principales de "Cold Moon".
Griff junto a la bellísima Rachele Brooke Smith que interpreta a uno de los personajes principales de “Cold Moon”.
Cold Moon adapta un original de Michael McDowell, el autor, entre otras, de las historias de Beetlejuice o Pesadilla antes de Navidad, como resalta la propia publicidad de la película. ¿Qué fue lo que te llamó la atención de la novela de McDowell para que quisieras llevarla al cine?
Porque creo que Michael es un escritor fantástico. Y no solo yo; es uno de los favoritos de Stephen King. Si lees todas sus novelas, y tiene bastantes, comprobarás que todas son muy buenas. Yo le descubrí por su trabajo en Beetlejuice y Pesadilla antes de Navidad, y ahora soy fan de sus novelas. Me parecen brillantes y él un escritor muy sólido. Tanto es así que hay un par más de sus novelas que me gustaría adaptar al cine en un futuro.
¿Cómo fue el proceso de adaptación del texto original hasta convertirlo en un libreto cinematográfico?
Fue un proceso muy sencillo y más fácil que empezar de cero, ya que sus novelas se leen como si fueran guiones. Así que el proceso de adaptación de la novela fue solo cuestión de editarla a la extensión adecuada: una novela suele tener unas cuatrocientas páginas y un guion debe tener unas cien. Así que fue muy fácil. Los diálogos de la película están tomados en un noventa por ciento directamente del libro. Casi podría haber cogido el libro y haberlo usado como guion.
No obstante, al basarte en una novela hay aspectos que pueden quedar un poco redundantes si se trasladan de una forma literal, ya que siempre suelen incluir resúmenes de lo que ha pasado en los capítulos anteriores para que el lector no se pierda. En nuestro caso, el guion original tenía una extensión de solo ciento veinte páginas, pero eran bastante densas. Así que, una vez montamos lo rodado, el primer corte de la película tenía una duración de dos horas y veinticinco minutos.
¿Por qué optaste por quedarte en los ochenta y cinco minutos de los que consta finalmente y qué criterios se siguieron a la hora de aplicar los cortes?
Si fuese Quentin Tarantino o los hermanos Coen podría hacer películas de terror de dos horas y media, pero de momento me tengo que quedar en ochenta y cinco minutos. Aparte, creo que la “generación youtube” no tiene la capacidad de prestar atención durante tanto tiempo. La versión de dos horas y veinticinco minutos me gustaba mucho, pero se la enseñé a alguna gente, como al productor ejecutivo Lee C. Rogers y otras personas, y no opinaban lo mismo. Hicimos varios de estos screenings a gente con un cuestionario sobre la película, y con las impresiones que nos iban dejando las utilicé de referente para quitar cosas y seguir reduciendo y reduciendo el montaje con el fin de que fuese más ligero.
Como te digo, no creo que el público que vaya a ver Cold Moon tenga la paciencia para sentarse a ver una película tan larga, pero por otra parte creo que estos cambios han sido para mejor. Prefiero la versión corta porque personalmente considero que la esencia de la historia es el viaje de Nathan Redfield y su “espiral descendente”, y centrarse  más en esa parte hace que funcione mejor la película. Aun así espero que esas escenas cortadas puedan estar en el DVD como extra. Hay buenas actuaciones y buen material que fue cortado.
Griff, Rachele Brooke Smith y el productor _ posando ante los medios después de la rueda de prensa de "Cold Moon" en Nocturna.
Griff, Rachele Brooke Smith y el productor Lee C. Rogers posando ante los medios después de la rueda de prensa de “Cold Moon” en Nocturna.
Hablemos del reparto, de gran importancia en una película coral como esta, y para el que has contado con un actor del calibre del veterano Christopher Lloyd, el recordado Doc de la saga Regreso al futuro. ¿Como fue el proceso de casting?
No hicimos muchos castings para la película. Tenía siempre a alguien en la cabeza para cada rol y, lo mejor de todo, es que la mayoría de las personas en las que pensamos acabaron involucradas. Soy fan de Regreso al futuro desde pequeño, y pensé que Christopher Lloyd era perfecto para el papel, así que fuimos directos a ofrecérselo y él aceptó. Josh Stewart fue perfecto para el rol del villano, y eso que era un papel muy complicado. Sin ir más lejos, si yo hubiese sido el actor elegido no habría sabido cómo interpretarlo. En cambio, Josh leyó el guion y me llamó enseguida. Lo pilló muy rápido, y eso que lo había leído solo una vez, lo cual me impresionó. Así que su casting fue muy sencillo. En cambio, el que sí me costó fue el rol de Belinda, que finalmente ha hecho Rachele Brooke Smith. La conocí a través de un amigo común en Skype y desde el momento en que empezó a leer el guion, lo clavó.
Y tú, como director, ¿prefieres una película coral como esta a una que cuente con pocos actores?
No. I am Omega fue mucho más fácil de rodar, ya que éramos yo y Mark Dacascos todo el rato, lo que hizo que trabajáramos más rápido, aparte de ser muy divertido. Pero también me gusta contar con un reparto coral porque mi parte preferida de ser director es el trabajar con los actores y diseñar las escenas. Eso es lo mejor de este tipo de repartos con buenos actores, pero desafortunadamente nunca hay suficiente tiempo. En teatro puedes dedicar cien horas para ensayar un minuto de representación y hacer algo muy molón, pero en el cine no puedes porque es mucho más caro y dispones de mucho menos tiempo. En cualquier caso, creo que hemos hecho un buen trabajo diseñando las escenas y haciéndolas funcionar. Trabajar solo con un actor tiene sus aspectos positivos, pero es más disfrutable hacerlo con un reparto coral si tienes garantizado el tiempo que necesites para trabajar con ellos, porque, normalmente, si no es: “¡Sal y rueda que el sol se va a poner!”
Curiosamente, aunque, como hemos dicho, también eres actor, no has aparecido en ninguna de las películas en las que has intervenido como director, no siendo Cold Moon una excepción en este sentido. ¿A qué se debe?
Solo hay un pequeño puñado de gente que pueden actuar y dirigir bien a la vez. Woody Allen, Mel Gibson o Clint Eastwood. Cuando tenga más tiempo y dinero, y si tiene sentido desde el punto de vista de marketing, puede que pruebe a salir en una película en la que yo sea el director. Pero ahora los films que estoy haciendo son independientes, lo que significa presupuestos modestos y horarios muy justos. Añadirme a mí mismo la responsabilidad de estar también frente a las cámaras sería demasiado ahora mismo, pero no lo descarto de cara a futuros proyectos.
El equipo de "Cold Moon" en un momento de la rueda de prensa.
El equipo de “Cold Moon” en un momento de la rueda de prensa.
En determinados momentos de la película algunos personajes hacen comentarios sobre la falta de conmiseración con la que el personaje de Nathan lleva sus negocios bancarios en comparación con su padre. ¿Existía alguna intención por tu parte de formular una crítica social sobre la forma de funcionar de las grandes corporaciones bancarias hoy en día?
Efectivamente, es algo intencionado que este componente funcione como una sutil crónica social. Pero no solo sobre cómo funcionan los bancos, sino sobre cómo lo hace cualquier organismo que empiece con buena intención, o simplemente por conveniencia propia, y que acabe dejándose arrastrar por la codicia. Farmacias, bancos, seguros… Lo que se te ocurra.
Dentro de tu puesta en escena, el agua goza de un especial protagonismo a lo largo del metraje. ¿Buscabas con su uso establecer algún tipo de simbolismo?
El agua es el origen de todo lo que es sobrenatural en Babylon, el pueblo en el que transcurre la historia. Todo lo que se mete en ella generalmente no vuelve a ser visto, al menos en su forma humana. En la versión extendida que se editará en DVD se profundiza más en el folclore y el agua. Y hay aún más en la novela en la que la que se basa la película, Cold Moon Over Babylon, que está disponible en su versión de audio en  audible.com. Pero, resumiendo, en las zonas pantanosas del sur todo está mojado, húmedo y oscuro. Y eso te va calando/afectando en todo momento, como lo hace a nuestros personajes en la película.
Creo que en la proyección de Cold Moon en Nocturna grabasteis las reacciones del público mientras la visionaba. ¿Qué conclusiones habéis sacado de lo grabado? ¿Vais a hacer algún cambio en la versión mostrada a raíz de lo registrado?
Es cierto que grabé algunas de las reacciones de los asistentes al pase. Era la primera vez que un público veía la película y algunas de las reacciones fueron increíbles e inesperadas. La experiencia fue muy buena, pero nada de lo que he visto me hace querer reeditar nada. Sin embargo, estoy en contacto con algunos distribuidores que tienen sus propias ideas sobre la película, ya veremos en qué queda.
Y de cara al futuro, ¿en qué proyectos andas involucrado a corto plazo, ya sea como actor o como director?
Como actor estoy en el remake de Los siete magníficos, que se estrena en verano, en septiembre. Y también participo en una película llamada The Founder con Michael Keaton. Estas son las dos próximas películas que saldrán en lo que queda de año. Y como director tengo un par de proyectos. He hecho una película para Syfy Channel llamada The Atomic Shark, que se emitirá el 24 de julio. Es una comedia, una comedia con un tiburón. También estamos preparando un drama ambientado en un hospital. Aun estamos decidiendo qué vamos a hacer, ya que tenemos como ocho proyectos.
José Luis Salvador Estébenez
Traducción: Tarik Amarouch García
Fotografías: Juan Mari Ripalda

martes, 7 de junio de 2016

A la venta el nº 13 de Horrorvision...


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Ya está disponible el nuevo número de “Horrorvision Magazine”. Se trata del número 13, motivo que sus responsables han aprovechado para realizar un especial sobre la famosísima Viernes 13, compuesto por el análisis de la película y una extensa entrevista realizada por Xavi Sanchez Pons al director de la película, Sean S. Cunningham.
Dejando a un lado Viernes 13 y entrando a repasar el resto de contenido, en este número 13 también se encuentra un dossier sobre “Metalxploitaion”, compuesto por el clásico Video Nasty descuartizado por el señor Kiko Libertino, una entrevista a Jota Nájera sobre los intríngulis de Megamuerte a cargo de Alex Caballero y otra más en paralelo al director de Deathgasm, Jason Lei Howden. Por otra parte, en la sección “Más Allá Del Género” es analizada Nightmare de la mano de Pablo DB, se retoma el dossier de sellos cinemáticos con una entrevista al capo de One Way Static en la que también participa Nightcrawler aka George Gold, un sentimental homenaje al maestro Craven, un análisis-entrevista de una de las sagas más gore y grotescas de los últimos años (Feast), perpetrados ambos de nuevo por Kiko Libertino y, como broche final, pero no por ello menos importante, el arte de Pol Abran, con póster central incluido, y la magia sobre la piel de Gádor Isern en el “Monstruos en la Piel”.
Como es habitual, aparte de temas cinematográficos, tampoco falta el espacio para varias entrevistas musicales, en este caso a la monster-band catalana Los Tiki Phantoms, además de los clásicos “Comic Autopsy” de Eduard Tuset, “El Coleccionista de Engendros” de Sol Charlotte, las reviews de pelis este número dedicado a nuestras 12+1 favoritas del pasado Sitges y, como extra imprescindible, la entrevista que Ed Doble De hizo a uno de los realizadores noveles más interesantes de la actualidad, Manuel Ortega Lasaga.
El número 13 de “Horrorvision Magazine” ya puede adquirirse a un precio de 3,5 € más gastos de envío a través de los mails: laoscuraceremonia@gmail.com y horrorvisionmagazine@gmail.com.

miércoles, 25 de mayo de 2016

Novedades de Cameo para mayo...

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Las novedades para este mes de mayo que recién comenzamos por parte de Cameo vienen singularizadas para los amantes del cine fantástico por el lanzamiento multiplataforma de Absolutamente todo. El próximo día 13 la última película del “Monty Phyton” Terry Jones será estrenada de forma simultánea en cines, VOD y alquiler, tanto en formato DVD como Bluray. Ese mismo día también llegará a las estanterías de los videoclubs la extraordinaria cinta húngara El hijo de Saúl, entre otras cosas ganadora del premio a la mejor película de habla no inglesa en la última edición de los Oscars.
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En cuanto a sus lanzamientos en tiendas, sin duda uno de los más sonados es el de Perros rabiosos, el reciente remake francés de la película del genial Mario Bava Sémaforo rojo que saldrá a la venta el día 25 en Dvd y Bluray. Ambas ediciones incluyen la película en su aspect ratio de 2.35:1 con mejora anamórfica, audios en versión original y castellano y subtítulos en este último idioma.
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Entre el resto de lanzamientos, cabe destacar la publicación de The Assassin, lo último del cineasta asiático Hou Hsiao-Hsien que estará disponible a partir del día 11 en Dvd así como en una edición especial en Bluray en la que destaca un libreto con textos de la revista Caimán, cuadernos de cine; el pack en Dvd “Alejandro Jodorowsky”, en el que se reúne sus películas Fando y Lis, El topo, La Montaña Sagrada y La cravante, ofreciendo entre sus extras audiocomentarios del propio director y el documental La constelación de Alejandro Jodorowski; la curiosa producción alemana de aventuras ambientada a finales del siglo XVIII Midiendo el mundo; y, por último, Langosta, la más reciente película del responsable de Canino, Yogos Lanthimos, una cinta de ciencia ficción romántica y autoral con reparto internacional que verá la luz en nuestro país el día 25 en sendas ediciones en Dvd y Bluray.
Más información: http://www.cameo.es/

domingo, 22 de mayo de 2016

Presentación del fanzine Obsesión continua en Nocturna...


Ya es oficial. El próximo martes a partir de las 11 de la mañana en la sala “Ambito Cultural” de El Corte Inglés de Callao de Madrid tendrá lugar la presentación del primer número de “Obsesión continua”, del cual también habrá copias para aquellos que quieran adquirirlo. Rubén Iñiguez, Enrique Partal y un servidor, José Luis Salvador Estébenez, seremos los encargados de representar a la recién nacida publicación dentro de la mesa redonda “Fanzines 3.0” moderara por Antonio Busquets y en la que también se presentarán los nuevos números de los fanzines “Neutrón” y “El Kronomonstruo”.
El acto tendrá lugar dentro del programa de actividades paraleles organizadas en el marco de la celebración de la inminente cuarta edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid – NOCTURNA 2016 que comienza este lunes 23.

El calendario completo de las actividades se divide de la siguiente forma:

Lunes 23 de mayo en Gran Hotel Conde Duque (Plaza Conde Valle de Suchil 5, Madrid)
18.00h: Bienvenidos a NOCTURNA 2016. Rueda de prensa con Luis Rosales y José Luis Alemán.

Martes 24 de mayo SALA AMBITO CULTURAL/EL CORTE INGLÉS CALLAO (Plaza de Callao 2 , 7ª planta)
11.00h: NOCTURNA presenta Fanzines 3.0. Con los fanzines “Neutrón”, “El Kronomonstruo” y “Obsesión Continua”. Con la asistencia de José Mª Gil Gil, Carlos Díaz Maroto, José Luis Estébenez y Enrique Partal.
13.00h: NOCTURNA presenta “Jack Mircala and The Art of Extraordinary Tales”. Con la asistencia de su autor Jack Mircala.

Miércoles 25 de mayo SALA AMBITO CULTURAL/EL CORTE INGLÉS CALLAO
11.00h: NOCTURNA presenta Nocturna Next: Nuevas películas. Nocturna presentará alguna de las producciones de género que veremos en los próximos meses Maniac TalesRemember Us yBehind. Con presencia de los equipos técnicos de las mismas.
12.00h: Rueda de prensa de Patient de Jason Sheedy. Con la presencia de su director, el productor Kyle Steinike y Luis Rosales.
13.00h: Mesa redonda “El estado del fantástico”. Con la asistencia de los directores Koldo Serra, Nacho Vigalondo, el escritor y periodista Rubén Higueras y el distribuidor David Fernández.

Jueves 26 de mayo SALA AMBITO CULTURAL/EL CORTE INGLÉS CALLAO
10.45h: Inauguración figura Paul Naschy en el Museo de Cera de Madrid (Paseo de Recoletos 41). Con la asistencia de Sergio Molina, Víctor Matellano y Luis Alberto de Cuenca.
12.00h NOCTURNA presenta “Los semblantes del Fantaterror”. Con la asistencia de su autor Carlos Benítez y Sergio Molina.
13.00h: NOCTURNA presenta Recordando a Vincent Price. Con la asistencia de su hija Victoria Price.

Viernes 27 de mayo SALA AMBITO CULTURAL/EL CORTE INGLÉS CALLAO
10.30h: Rueda de prensa The Open de Marc Lahore. Con la asistencia de su director y Luis Rosales.
11.30h: Rueda de prensa Summer Camp de Alberto Marini. Con la asistencia de su director y Luis Rosales.
12.30h: Presentación libro “John Landis. Un Hombre Lobo en Hollywood” y rueda de prensa de John Landis. Con la asistencia de John Landis, Gerardo Santos Bocero y Luis Rosales.

Sábado 28 de mayo SALA AMBITO CULTURAL/EL CORTE INGLÉS CALLAO
11.00h: Rueda de prensa House Harker de Clayton Cogswell y Cold Moon de Griff Furst. Con la asistencia de sus directores, los actores Derek Haugen y Jacob Givens, el productor Adam Lee y Luis Rosales.
12.00h: NOCTURNA presenta En Serie: El Ministerio del Tiempo. Charla con los creadores de la serie e invitados especiales.
13.00h: NOCTURNA presenta En Serie: El Caso. Charla con los creadores de la serie e invitados especiales.
14.00h: Lectura palmarés NOCTURNA 2016. Con la asistencia José Luis Alemán y Luis Rosales.
Por otra parte, dentro de NOCTURNA también podrá verse en primicia el miércoles 25 de mayo a las 22.00h en el Palafox el tráiler de Noctem, la nueva película de Marcos Cabotá. Basada en hechos reales, Noctem narra la historia de Adrián y Esteban, quienes llevan un año desaparecidos. La policía se encuentra en punto muerto a pesar de haber encontrado sus pertenencias en Cozumel, una isla a 20 kilómetros de la Rivera Maya. Álex, un amigo en común de ambos, consigue hacerse con sus teléfonos móviles, los cuales utiliza para iniciar una investigación paralela. Los archivos audiovisuales que guardan los teléfonos mostrarán la cara más amable y divertida de ambos amigos. Una vida sociable que se verá truncada en el mismo instante que Adrián empieza a percibir la presencia de alguien en su casa. La película está protagonizada por Adrián Lastra, Esteban Piñero y Álex González.

Más información sobre NOCTURNA 2016 en la página web del festival, http://www.nocturnafilmfestival.com, o a través de sus redes sociales: