Sabine recomienda... Black Devil Doll (2007)

Recientemente descubrí, gracias al excepcional blog The Jamaa Fanaka Experience, una de las últimas bizarradas provenientes de la serie Z estadounidense dirigida por el debutante Jonathan Lewis, director que no intenta otra cosa, salvo que se hable de su opera prima. Ya sea para bien o para mal. Pero que se hable.

Vayamos por partes, el abrupto guión de la película, por ejemplo, es tan estúpido y fuera de si, que parece poco improbable alabar esta insulsa historia: un activista de color es freído en la silla eléctrica y, por culpa de una jamona pechugona que tontea con su ouija, su espíritu va a parar al interior de un inofensivo muñeco (que obviamente, al entrar en el inanimado cuerpo de papel cartón, cambia radicalmente de aspecto y se convierte en un… ¡MUTHAFUCKIN NIGGA PUPPET!). Pues bien, lejos de suponer un impedimento, este muñeco diabólico continuará con sus fechorías y no dudará un solo segundo en violar, tributar y asesinar a un grupo de voluptuosas vixens de senos estratosféricos.

Esta escueta historia que, no nos engañemos, no da para mucho, se ve envuelta en un humor cafre de cojones, sexo "soft" de lo más gratuito, gore de baratillo y escenas que rozan (y sobrepasan) el mal gusto… Por otro lado, no me puedo olvidar de las actrices, ya que llaman más la atención por sus siliconeados atributos que por su capacidad dramática. Es por ese motivo que puede que el verdadero motivo de Lewis esté más que asegurado: Black Devil Doll es una gamberrada tan despreciable que resulta poco improbable que pase desapercibida.

Debo reconocer que me quedé gratamente impresionado por esos bellos créditos iniciales y del fabuloso score compuesto por la banda británica The Giallos Flame. Pero Black Devil Doll jamás será recordada por ser original (1) y, ni mucho menos, por ser buena. Eso si, viendo un film como este y siempre sirviéndose de una buena compañía, Black Devil Doll puede suponer todo un festín de jolgorio y risas (sobretodo si hay cerveza de por medio y corre como la pólvora).
En definitiva, seguramente muchos serán (entre ellos como no, algunos gafapasta) los que alabarán esta obra por el simple hecho de tener un marcado carácter macarra claramente inspirado en la tendencia trash que tan de moda se ha puesto gracias a Tarantino y compañía y sus grindhouse. Pero lejos de entrar en el debate sobre determinado oportunismo que siempre ha habido, Black Devil Doll es desde ya una de las películasparanopensar más divertidas que se han visto últimamente (aunque bueno, también hay que reconocer que la gracia cada vez va a menos).

(1) Tal y como apunta Fananaka en su blog, Black Devil Doll está claramente inspirada en Black Devill Doll From Hell de Chester Novell Turner, una rareza de las de verdad, que se me antoja mucho más llamativa que la presente.

Peeping Toms… El "tributo" de Black Devil Doll.

Moon (2009)

Ganadora de la presente edición del Festival de Sitges, Moon del debutante Duncan Jones, - hijo del celebérrimo cantante/actor David Bowie -, supone uno de las mejores propuestas que ha dado el cine independiente (y el cine en general) en los últimos años, en cuanto a films de ci-fi representa.

Moon nos narra el día a día de un trabajador de una estación minera instalada en la Luna llamado Sam (Sam Rockwell), que provee a la Tierra de energía limpia. Su contrato de tres años, rescindirá en apenas unos días, pero lejos de lo que él imaginaba, Sam ira descubriendo algunos secretos que le indicarán que su tarea en la Luna todavía no ha terminado…

Esta exquisita cinta rodada con un pulso narrativo envidiable, está envuelta en una música de lo más fascinante por obra de Clint Mansell (compositor habitual de Arren Aronofsky), y está dotada de unos eficientes efectos especiales que combinan a la perfección los métodos infográficos con pequeñas maquetas que servirán para adentrarnos en el universo solitario de nuestro protagonista, -un Sam Rockwell inconmensurable que fue recompensado con todas las de la ley con el premio al mejor actor en el pasado Festival de Sitges-, y su única compañía, -la afable computadora de la nave que en su versión original está dotada de la voz de Kevin Spacey.

Esta pequeña película que es, - a parte de una especie de alegoría sobre los contratos basura tal y como me explicó muy acertadamente ElChicoDelChandalDeLos90 -, un conmovedor cuento de ciencia ficción que nos cambia al ejecutivo carcomido por su trabajo, por un triste minero que cuenta los días que le quedan para volver con su familia. Este obrero no antepone su trabajo a su valiosa vida familiar, de hecho sabe perfectamente que su labor en esa base minera le puede costar su estabilidad doméstica. Así que deberá hacer frente a algunos titanes con las únicas herramientas que dispone (y que no revelaré) para volver a conseguir el linaje que lo unía en la Tierra.

Moon es una hermosa película que no necesita extraterrestres ni acción a raudales para contarnos lo que necesita. Moon es desde ya un clásico que no debe perderse nadie. NADIE. Así que apúntensela bien.

Título original: Moon (Reino Unido, 2009)
Director: Duncan Jones.
Guión: Nathan Parker basado en una historia de Duncan Jones.
Actores: Sam Rockwell, Kevin Spacey, Dominique McElligott…

Kill Bill Vol. 1 (2003) + Kill Bill Vol. 2 (2004)

Una asesina a sueldo con el nombre en clave ”Black Mamba”, decide dejar el grupo para el que trabaja llamado “Deadly Viper Assassination Squad” liderado por Bill, tras conocer que va a ser madre. Pero parece ser que a Bill no parece gustarle la idea de que una de sus chicas le abandone, así que el mismo día de la boda de la chica, Bill decide acabar con ella enviando a su escuadrón de chicas letales. Pero lamentablemente para las chicas, y para el propio Bill, la novia no muere en la masacre y permanece postrada en un hospital sumida en el coma. La pobre pierde al bebé que esperaba y tras un descabellado “incidente” en el hospital recobra el conocimiento. Desde entonces, la novia decidirá acabar uno a uno con todos los que un día truncaron su futuro y el de su bebé…

Durante el rodaje de Pulp Fiction (1994), Tarantino y Uma Thurman charlaron sobre hacer una película de artes marciales protagonizada por una especie de heroína vengativa a la que llamaron “La Novia” (1). Así que al finalizar el rodaje de Pulp Fiction, Tarantino prometió a Thurman (2) que harían un film sobre ese personaje y pasados los años nació Kill Bill, un proyecto que en teoría debía haberse estrenado como un único film, pero debido al exceso de metraje y al ingenio de los Weinstein, dividieron en dos partes (3). Como viene siendo habitual en la filmografía de su director, Kill Bill conformaría un nuevo batiburrillo de influencias que van desde los spaguetti-western a las películas de samuráis vengativos, pasando por el animé y algún clásico del fantaterror español como La novia ensangrentada (1972) de Vicente Aranda (4). Pero sin lugar a dudas, uno de los más claros referentes de Kill Bill es Lady Snowblood, una joya japonesa de los años 70 que también constó de dos partes y que exponía a otra fémina letal y vengativa protagonizada por la cantante Meiko Kaji (5). La influencia de Bruce Lee tampoco es nada disimulada en la película, solo hay que ver esa especie de chándal amarillo de “La novia” en la escena de la pelea contra los Crazy 88, que paradójicamente, también llevan puesta una diminuta máscara que recuerda al Kato de la serie televisiva El Avispón Verde que encarnó el bueno de Lee.

Tampoco hay que olvidar la enorme influencia que Chang Cheh supuso para esta película (y para la obra de Tarantino en general), ya que films suyos como la trilogía del Espadachín Manco o Los 5 venenos y su segunda parte (titulada en inglés: Crippled Avengers, algo así como los Vengadores tullidos), tuvieron mucho que ver para la cantidad de brazos y piernas que se llegan a cortar a lo largo del film.

Pero lejos de los habituales guiños y pastiches por los que Tarantino suele ser odiado y adorado a partes iguales, Kill Bill supuso el renacimiento de David Carradine como actor (6), - algo que Tarantino ya había hecho con John Travolta en Pulp Fiction -, y a pesar de tener muy poca presencia en la primera parte del film, se afincaría algo más de protagonismo en el crepuscular segundo volumen, mucho más pausado, y con menos acción que el primero, y por el que se le recordaría por ese gran momento final y ese famoso monólogo de Superman. Aunque tal y como ocurrió con Pam Grier y Robert Forster, pese a que Carradine realiza una de sus mejores interpretaciones, ese papel tan solo le valió para sumirse en una serie de films y sucedaneos de serie B que no resurgieron definitivamente a este gran actor (mas o menos lo que venía haciendo anteriormente). A raíz de Kill Bill, tan solo destacaría algunas apariciones en films como Hell Ride (2007) de Larry Bishop (de nuevo con producción de Tarantino), Crank 2 o la excelente película de animación Tupé (Hair High, 2004) de Bill Plympton.

Centrándonos de nuevo en Kill Bill y en la dudosa decisión de dividir el film en dos partes, cabría señalar que si el primer volumen es bastante trepidante y contiene unas escenas de acción muy bien realizadas, la segunda parte queda más pausada y contemplativa, por lo que muchos pueden ver cierta cojera entre una y otra. A mi modo de ver, resulta bastante interesante ver la diferencia tan marcada entre ambas entregas. La verdad es que no encuentro nada de malo porque me gustan las dos. Pero hay que reconocer que Kill Bill ganaría mucho en un solo montaje tal y como la concibió su director. De momento se habla de una edición especial de estas que hacen para sacar los cuartos llamada Kill Bill Redux, que uniría ambos volúmenes y con la que Tarantino incluiría algunas escenas que tuvo que desechar en la sala de montaje. Si algún día se dignan ha editarla saldremos de dudas.

Título original: Kill Bill Vol. 1 y 2 (USA, 2003, 2004).

Director: Quentin Tarantino

Guión: Quentin Tarantino

Actores: Uma Thurman, David Carradine, Sonny Chiba...

(1) En los créditos del film consta que está basado en los personajes creados por Q & U (Quentin Tarantino & Uma Thurman).

(2) Tarantino tuvo que retrasar el rodaje para que la actriz pudiera participar en él, ya que sobre esas fechas estaba embarazada.

(3) Algo que también hicieron con el proyecto que hizo Tarantino junto a Robert Rodriguez y que debido al poco éxito que tuvo en USA, se separó en los cines europeos, para recuperar el dinero perdido. “En Europa no se estila las sesiones continúas”, dijeron los muy listillos…

(4) No era la primera vez que Tarantino hacía un guiño cómplice al fantaterror español; sin ir más lejos, en Jackie Brown aparecía uno de los excelentes temas de la banda sonora de Las vampiras del tío Jess.

(5) Meiko Kaji aparece en la banda sonora del Kill Bill (Vol.I). Y también encarnó a otra mítica fémina vengativa que vestía con traje negro y sombrero llamada “Scorpion” en Female Prisioner #701: Scorpion (1972), Female Prisioner Scorpion: Beast Stable (1973), dirigidas por Shunya Ito y Female Prisioner Scorpion: #701 Grudge Song (1973) de Yasuharu Hasebe. Y que por cierto, Sion Sono también homenajeó en su descomunal Love Exposure.

(6) En un principio se pensó en Warren Beatty para el personaje de Bill, pero este le dijo a Tarantino que ese papel resultaría mejor si lo encarnará David Carradine.

Crítica originalmente escríta para La Abadía de Berzano.

Sabine recomienda... Tetsuo: The Bulletman (2009) + Vampire Girl vs. Frankenstein Girl (2009)

Shinya Tsukamoto, actor y director de A Snake of June o Haze, presentó en Sitges la tercera entrega de su opera prima con Tetsuo: The Bullet Man. Una película que, tal y como ocurría con Tetsuo II: Body Hammer, no comparte continuidad con la cinta original y viene a ser más bien una nueva relectura que en esta ocasión se centrará en un anti-heroe (Eric Bossick) que se ira transformando paulatinamente en una peligrosa arma capaz de destruir el mundo.

Esta Tetsuo 3 era en un principio un proyecto que iba a dirigir en Estados Unidos, pero por diversas diferencias entre el director y los estudios, Tsukamoto decidió realizarla al margen y la rodó en su Japón natal con un presupuesto mucho más limitado. Aún así, resulta algo chocante descubrir que está rodada íntegramente en inglés y con un planteamiento mucho más claro y menos abstracto que sus anteriores entregas. De ese modo sabremos aspectos que jamás fueron descritos en la primera y segunda parte, como el porque de la metamorfosis del protagonista. Siendo esta claridad (tan explicita bajo mi punto) en la trama, la que en vez de jugar a favor de la película, le otorga cierto aire comercial que puede llegar a aborrecer a los más fans de la obra del director nipón.

Aún así, se agradece ese montaje vertiginoso y sus neuróticos movimientos de cámara. ¿Quién sabe? Puede que tras sus últimas incursiones cinematográficas algo comerciales (véase Nightmare Detective), Tsukamoto vuelva a las andadas…

Por otro lado, y como últimamente no dispongo de demasiado tiempo, adjuntaré una pequeña reseña de Vampire Girl vs. Frankenstein Girl de Naoyuki Tomomatsu (Stacy, 2001) y Yoshihiro Nishimura (Tokyo Gore Police, 2008).

En este film se nos cuenta la imposible historia de un chico que va al "insti", que vuelve locas a las chicas, entre ellas una adorable vampira que desangra ha sus víctimas como si de una botella de champagne se tratara. Lamentablemente otra de las zagalas del "insti" también está loquita por sus huesos, así que cuando esta fallece trágicamente en un accidente (cayendo desde una azotea), su padre (un maestro que hace las veces de mad doctor), decidirá devolverá a la vida cual monstruo de Frankenstein. Asi pues, al final del film seremos testigos de una sangrienta batalla entre una vampira girl y una frankenstein girl (¡con guiños al Spider-man de Raimi!), que se disputarán el amor del chavalote.

La película sin ser nada del otro mundo, tiene ciertos puntos simpáticos como la competición de cortes de venas, descubrir a Takashi Shimizu como profesor de ingles, o los titánicos chorros de sangres que salen despedidos de los cuerpos cuando se produce alguna bestialidad. Fuera de esto, una película para pasar el rato bastante llana y simplona.

Sabine recomienda... The Box (2009)

Richard Kelly, director de esa obra de culto llamada Donnie Darko, dejó a más de uno y de dos con la boca abierta cuando presentó la que sería su segunda película, la marciana Southand Tales, una especie de film post-apocalíptico con tintes bíblicos (¿los tenía?) que no duda en saltar de un tema a otro sin ningún tipo de parámetros. En Sitges la pude ver en su versión extendida y sus casi tres horas de metraje provocó la ira de la mayoría de los asistentes. Es normal pues que tras ese batacazo muchos pensaran que Kelly daría un nuevo rumbo a su carrera y enfocaría sus films de un modo más… “claro”. Pues bien, para todos aquellos que estén esperando en esta The Box, la típica película de intriga con tintes fantásticos, están muy equivocados.

Nos encontramos en 1976, un familia acomodada de Boston, formada por Arthur Lewis (James Mardsen), un empleado de la NASA, su esposa Norma Lewis (Cameron Diaz), una profesora del instituto, y su joven hijo (Sam Oz Stone), verán como sus vidas cambian por completo cuando un tipo con la cara desfigurada les entregue una caja con un extraño botón y les haga una peculiar oferta: si pulsan el botón, alguien a quién no conocen morirá, pero a cambio recibirán un millón de dólares…

The Box es interesante en bastantes puntos pero decae en otros tantos. Por desconocimiento dejaré de lado la historia de Richard Matheson en la que se inspira y el episodio de La Dimensión Desconocida basado en él, y me centraré en el film de Kelly y en las más que obvias libertades que se ha tomado el director respecto a la obra original (como el hecho de meter elementos autobiográficos: su padre trabajaba en la NASA, ¡e incluso Cameron Diaz copió el acento de su madre para su papel!). Estas libertades, pueden tener cierto grado de interés, - como por ejemplo la indefinida procedencia del misterioso (e iluminado) Arlington Stewart, interpretado por un grandioso Frank Langella -, y otras pueden parecen elementos incrustados en la historia para inflarla y así conseguir un largometraje de casi dos horas (véase la deformidad del personaje de Diaz, el tipejo que la increpa o todos esos tipejos “zombificados” con ecos a La invasión de los Ultracuerpos de Philip Kaufman).

Creo suponer que The Box va algo más allá de la (aparentemente) simple premisa moral que nos presenta. Richard Kelly intenta crear una obra casi mística (impresionante el bucle que nos plantea la película), que se ve entorpecida por esa vorágine de ideas tan poco definidas (algunas explicaciones son dadas de refilón y hay que cogerlas al vuelo), siendo el personaje de Frank Langella el punto más potente de todo el conjunto. Este Arlington Stewart puede convertirse en uno de los “malvados” (¿sería correcto llamarle malvado?) más carismáticos de los últimos años, y su papel son de esos que, sin ser nada del otro mundo, logran conseguir atraparte desde el primer momento.

Cada ver es... (1981)

Cada ver es… arranca con una pequeña secuencia de Los Pájaros de Alfred Hitchcock, para más tarde escuchar a nuestro protagonista decir: “las películas no dan miedo, hay mucho gente detrás”. De este modo nos adentramos en una de las mejores películas sobre la muerte y la soledad, que jamás se han realizado. Un film a priori, terrorífico que poco a poco nos ayudará a ver la muerte de una manera más sencilla, para que al final esos siniestros cadáveres nos parezcan nada más que carne y huesos.

Este documental realizado por Angel Garcia del Val en el 1981 tuvo serios problemas de financiación, y por su puesto a la hora de ser exhibida. De ahí que sea prácticamente desconocida por muchos y que un servidor tuviera que descubrirla en el Festival de Sitges de este año.

Esta genial obra que sigue el día a día de Juan M. Espada del Coso, un hombre cuyo nombre, tal y como él mismo dice en el film, parece de torero, pero que en realidad se esconde detrás de un encargado de la morgue de la Universidad de Medicina de Valencia. Espada, es un hombre viudo y solitario, medio ciego y con problemas de olfato, que disfruta de un trabajo muy peculiar. Según él, la muerte no tiene porque ser algo malo y mantiene una extraña y entrañable relación con los cadáveres. Su fascinante testimonio lleno de momentos y frases brillantes, es un hallazgo sin paliativos que incluso le valió un premio por su “interpretación” (¡!), en no recuerdo que festival.

Este documento no desestima mostrar algunos momentos risibles como cuando Espada salta una valla con tan mala pata que se estampa contra el suelo. También escuchamos algunas grabaciones en off que contienen conversaciones entre Espada y el equipo del documental. Todo ello hace que Cada Ver Es… sea lo más real posible y consigue acercarnos a su protagonista sin ningún tipo de adorno.

Pese a ello, me quedé totalmente estupefacto cuando Juan M. Espada reconoce ante la cámara que existe algo más allá de la muerte, otorgando cierto aire fantástico a su trabajo. “Los muertos se mueven”, llega a asegurar nuestro protagonista de un modo bastante enigmático. “Si les piso sin querer les pido perdón”, nos cuenta. Sea como sea, seguramente este señor conoció la muerte y lo que esto conlleva de un modo muy íntimo y, obviamente, mejor que ninguno de todos nosotros. No dejo de admirar como es capaz de coger, tocar, abrazar, a los muertos sin utilizar guantes y sin que muestre el mínimo atisbo de asco.

La escena en la que Espada espía a los transeúntes a través de un ventanal de la morgue me pareció tan poética y hermosa, que descubrí que pese a que un día me muera, todavía existe gente que muestra respeto y cariño, no por un cadáver, sino por lo que esa carcasa de tripas y carne fue en vida.

Título original: Cada ver es… (España, 1981)
Director: Angel Garcia del Val
Guión: Angel Garcia del Val & Angel Beltran.
***DOCUMENTAL***

Sabine recomienda... The Human Centipede (First Sequence) (2009)

Después de este pequeño descanso, vuelvo a centrarme en las reseñas del Festival de Sitges para recomendaros uno de los films que se pudieron ver allí. Se decía que era la película más bestia del certamen, pero el resultado resulta mucho más “dulce” de lo que prometía. Y más teniendo en cuenta su premisa:

Un cirujano especializado en separar siameses recién nacidos (Dieter Laser), rapta a dos americanas (Ashley C. Williams y Ashlynn Yennie) y a un japonés (Akihiro Kitamura) para crear una especie de ciempiés humano que consiste en coser el culo de uno a la boca del otro. Pues bien, como deduciréis, cuando el primero tenga que hacer sus necesidades biológicas (sólidas), todo ello irá a parar a la boca del segundo y así sucesivamente…

Pues bien, para todos aquellos que se le esté revolviendo el almuerzo, tranquilos. En The Human Centipede (First Sequence), sólo hay cabida para una sola cagada, ya que el sujeto de en medio, -en este caso la preciosa Ashley C. Williams, la más revoltosa de los tres sujetos que componen la criatura -, anda algo estreñida, y por lo tanto la cadena se para aquí. En este film no hay mierda por doquier, ni vomitonas, ni nada por el estilo.

Tom Six, director y guionista del film, adorna todo el conjunto con una pizquita de humor, y convierte este ciempiés en un thriller claustrofóbico exquisitamente filmado, que prefiere no indagar en lo escabroso (¡que ya es difícil!) y se adentra en una huida imposible que terminará, eso si, de un modo magistral (aunque algo forzado).

Sé que en la previa presentación al pase, el director y su hermana, -la guapetona Ilona Six-, decían que se trataba de una “crazy, crazy, crazy” idea, cosa que, efectivamente, así es. Pero no jodamos, yo me esperaba algo mucho más duro, la verdad (llamadme perverso). Habrá que esperar a ver las dos siguientes películas que encierran la que será, al parecer, la trilogía de las emociones fuertes. ¡Haber si es verdad!

Los Límites del Control (2009)

Hace unos días pude ver para mi deleite personal, la última película del director de Dead Man, la magnífica Los Límites del Control. En ella se nos cuenta la historia de un hombre solitario encarnado por Isaach De Bankolé, -actor que ya colaborara con Jarmusch en Coffe and Cigarrettes y Ghost Dog- , que es contratado por unos mafiosos para realizar un trabajo muy especial. Así que este deberá viajar a España y, mediante cajas de cerillas, códigos escritos en pequeños papeles y varios expresos, este hombre solitario de color, hará un largo recorrido por la geografía española, y pasará por Madrid, Sevilla y Almería, antes de llegar a su objetivo final.

En este caso el director estadounidense opta por la siempre eficiente fotografía de Christopher Doyle, director de fotografía de las obras más representativas de Won Kar-wai y Pen-ek Ratanaruang, y consigue un retrato más efectivo y realista de nuestro territorio del que hizo, por ejemplo, Woody Allen con la ciudad condal en su Vicky Cristina Barcelona. Su cámara se recrea por las ásperas calles (llenas de graffitis) de Madrid, la luminosidad de Sevilla y mis amados paisajes de Almería que rememoran sin ningún disimulo al spaghetti western de los 60/70.

Los Límites de Control es un bellísimo thriller onírico en el que se respira cine en estado puro. Su protagonista, un hombre de color que practica jujitsu o algo por el estilo, paseara por todo el metraje como un ser impasible que brillara por su ausencia de diálogos y por su falta de ínter actuación con los demás personajes del film. Su cara de planta es prácticamente imperturbable (creo que llegó a sonreír cuando un gitano comienza a zurrar su guitarra), y su aspecto rudo no cambiara ni un solo momento por mucho que le digan: “usted no habla español, ¿verdad?”.
En el amplio e internacional reparto de la película, nos encontramos con los españoles Luis Tosar y Oscar Jaenada, el méxicano Gael Garcia Bernal, la japonesa (que ya apareciera en Mistery Train) Yuoki Kudoh, la israelí Hiam Abbass, y los anglosajones William Hurt, Tilda Swinton, Bill Murray y Paz (Enter the Void) de la Huerta, que para disfrute del espectador/a, lo único que se llega a poner en el film es un impermeable transparente (¡válgame el señor!).

Creo que no existe un claro mensaje en estos limites del control, es más, pienso que es evidente que Jarmusch se divertía de lo lindo jugando con nuestra imaginación y conjugando secuencias de gran fuerza visual con la hipnotizante música del grupo japonés Boris. Puede que esta Los Límites del Control simplemente sea una perita en dulce para palilleros intelectuales, pero supone uno de los films más hermosos y estimulantes de su realizador.

Título original: The Limits of Control (USA/España/Japón, 2009)
Director: Jim Jarmusch
Guión: Jim Jarmusch.
Actores: Isaach De Bankolé, Paz de la Huerta, Luis Tosar…

Muere José Luis López Vázquez a sus 87 años de edad

Fallece José Luis López Vázquez, uno de los últimos y más grandes actores que ha dado nuestro amado cine patrio. Apareció en obras maestras como Plácido y El Verdugo (Luis G. Berlanga, 1961 y 1963, respectivamente), o El Bosque del Lobo de Pedro Olea (de la que este humilde servidor hará una breve reseña la próxima luna llena), Vázquez siempre se mostró igual de estupendo y cómodo en cualquier género que tocase, regalandonos maravillosas interpretaciones en films como La Cabina (Antonio Mercero, 1972), la irregular Peppermint Frappé (Carlos Saura, 1967), o más recientemente en Torrente 2: Misión en Marbella (Santiago Segura, 2001) o El Oro de Moscú (Jesús Bonilla, 2003).

También apareció en una de las series con las que más he disfrutado y de las que más buen recuerdo guardo, Los Ladrones van a la Oficina, en la que actuaba junto a un gran elenco de excelentes actores de la talla de Antonio Resines, Anabel Alonso, Agustin Gonzalez, Manuel Alexandre, Enrique San Francisco y el genial Fernando Fernan-Gomez.

Sin lugar a dudas, su muerte ha supuesto una gran perdida para nuestro cine y para todos los que lo amamos.

Descanse en paz MAESTRO.

This is it (2009)

Que Michael Jackson siempre ha sido una fuente candente de dinero nadie lo duda. Por lo que este documental que recoge los últimos ensayos de lo que iba a ser su retorno a los escenarios, tenía más de un aliciente para que millones y millones de fans de todo el mundo fueran a verla. Estos 50 conciertos que MJ iba a dar en Londres, tenían demasiado jugo como para que su prematura muerte diera al traste con la cantidad de beneficios que prometía. Así que Sony no dudó en hacerse con todo el material rodado durante los ensayos y realizó lo que sería la obra póstuma de este genio excéntrico que tan buenos momentos nos regaló.

Michael Jackson fue (y sigue siendo), una especie de ser divino que muchos desearon alcanzar y que consiguió estar en lo más alto y en lo más bajo del “sueño”, una nueva Fe que mueve a millones de feligreses de todo el mundo, y que predica con el éxito, el poder y la fama. Jackson, al igual que Jesucristo, cayó víctima de su propia religión, y fue su estatus de mega estrella del Rock, del Pop y de la música en general, lo que le enterró en su mansión de excentricismo y lujos. La gente dejó de admirarle y comenzaron a tener miedo de un “ser” incomprendido, que lo único que buscó en la vida fue lo que nunca tuvo: una infancia normal y corriente.

Pues bien, como en toda religión que se precie, siempre habrá algunos que intenten sacar provecho de todo lo que envuelve a este “predicador” y lo que predicó. Este documental sin ir más lejos es un claro ejemplo, pero si lo miramos desde el lado positivo, también es un documento más para seguir la “palabra” de Jacko, un “monstruo” capaz de modificar una sola nota para conseguir la perfección. Es por este motivo por el que más de uno se desconcierta cuando Jackson se muestra siempre lleno de amor y sensibilidad. “Tranquilos, para eso están los ensayos”. “Amor, amor, A-M-O-R”, es lo que más llega a decir nuestro protagonista. Un tipo tan desvirtuado por el éxito y el poder no encaja con estas palabras, sino con “¡¡no quiero esto!! ¡¡Estás despedido!!”. ¿No creéis?


Este documental está lejos de ser un prodigio fílmico (recordemos que son grabaciones realizadas durante los ensayos de This is it, un espectáculo que, en este caso, si prometía muchisimo), pero hará las delicias de todos aquellos que admiraron al más grande, o en su contra, de todos aquellos con buen oído musical (absténganse los amantes de Camela y sucedáneos). This is it, nombre escogido de una de las canciones inéditas de MJ escrita junto a Paul Anka, emociona únicamente por esa figura distorsionada y megalómana, que fue Michael, y como no, por su increible música. Nunca, nunca jamás, volverá a existir nadie como él. Sólo por eso merece la pena acercarse más a este GRANDE de la música y el baile, y conocer un poco al hombre que se escondía detrás de la "marca registrada".

Lamentablemente, cuando sales del cine después de haber visto This is it, uno solo tiene clara una cosa: jamás llegaremos a conocer realmente la persona que fue Michael Jackson.

Título original: This is it (USA, 2009)
Director: Kenny Ortega
**DOCUMENTAL**

Luna Maldita (1996)

Bueno, como en mas de una ocasion me he declarado fan de las películas de hombres lobo, cada luna llena me he propuesto (haber si soy capaz de cumplirlo), hacer una reseña de un film sobre licántropos, o, en su defecto, sobre seres con problemas capilares y/o de personalidad.

En esta ocasión quiero hacer especial mención a una de las mejores (y últimas) películas que se han realizado sobre este tema. Se trata de Luna Maldita, un pequeño film notablemente filmado que hace gala de unos extraordinarios efectos de maquillaje, cosa que asegura una buena tunda de escenas gore por obra y gracia de Dana Klaren, y un ejemplar de licántropo nada deleznable. Aún así, por otro lado los efectos infográficos, -que consisten en un sólo morphing chapucero-, obra de Gregory L. McMurry (Abierto hasta el Amanecer, 1996), hacen que estos impecables efectos se tambaleen seriamente.

La historia trata sobre una familia formada por una madre, su hijo y su perro,- un pastor alemán llamado Thor-, que deciden acoger a un familiar para que pase una temporada con ellos después de que este hubiese terminado su relación con su pareja y que unos terribles ataques cometidos, al parecer, por un sanguinario oso grizzly, se producieran por la zona. Pero Thor, el inteligente perro pastor, se percatará de que algo extraño ocurre en el comportamiento de este familiar...

Luna Maldita, escrita y dirigida por Eric Red, y basada en la novela Thor de Wayne Smith, es una correctisima y directa cinta de terror que tiene todos los números por convertirse en uno de esos pequeños clásicos que se van reconociendo una vez van pasando los años. No se la pierdan queridos amigos, amantes de la licántropia y del síndrome de Ambras, porque esta película tendrá su lugar en la "otra" historia (la de las pequeñas y baratas películas) del cine.

Cuando llegue la noche estad atentos al cielo amigos... ¡Hasta la próxima luna llena!

Título original: Bad Moon (USA, 1996)

Director: Eric Red.

Guión: Eric Red basado en la novela de Wayne Smith, Thor.

Actores: Mariel Hemingway, Michael Paré, Mason Gamble...Peeping Toms... El Coitus interruptus licantrópico.

Sabine recomienda... [REC]2

Una de las películas que desestimé ver durante el pasado festival de Sitges (porque sabía que la podía ver en otro momento) y de la que tenía bastantes ganas de visionar. Pues bien, esta vuelta a las andadas de Jaume Balagueró y Paco Plaza a los zombies, -o infectados-, de la ciudad condal (puede que para esta segunda parte, “infectados” no sea el término adecuado para definir a estos “no muertos”), supone un claro retroceso ante esa magnífica y notable primera parte, pero aún así, hay que decir que [REC]2 es una cinta interesante y llena de momentos estimables.


La acción se desarrolla justo después del final de [REC] 1... Un grupo de GEOS y un tipejo que parece ser doctor, se inmiscuyen en el edificio “infectado” para aclarar los hechos. Pero la gran multitud que se despliega fuera del edificio, hace que un grupo de niñatos curiosos (armados con una cámara de video y unos petardos) entren en el inmueble para saber lo que se cuece en el interior…

Supongo que ya serán muchos los que habrán visto esta [REC]2, así que para aquellos que aún no la hayan catado mucha atención porque esta entrega guarda más de una sorpresa y algunos “cambios” bastante sustanciales que pueden entusiasmar y aborrecer a partes iguales. No quiero desvelar nada porque a mí me pareció algo bastante simpático e interesante, aunque por otro lado no dejo de pensar en que algunos de estos “cambios” no dejan de jugar en contra del realismo que mostraba la primera parte. Mucho más sería si se me permite...

Manuela Velasco, durante el pasado Festival de Sitges.

Por no hablar de las actuaciones… hay algunas tan forzadas que cantan como una almeja. Será por eso por lo que me pasé más de media película preguntándome ¿cuándo saldrá Manuela Velasco? Fué una auténtica lástima que el tándem Balagueró/Plaza no hubiera decidido contar con ella más pronto y que su aparición se diera en el último tercio del metraje. ¡Esta chica tiene madera y es guapa, guapa! No entiendo como no le ofrecen casi papeles…

Symbol (2009)

Hace tiempo que vengo mostrando mi más ferviente admiración por Hitoshi Matsumoto, cuando un par de años atrás me sorprendiera con ese mockumentary sobre un super anti-heroe llamado Masaru Daisatou que él mismo encarnó en la imprescindible Dainipponjin.


Pues bien, en este caso, Matsumoto se mete en la piel, o más bien pellejo, de un tipo con el pelo de capa y vestido con un rídiculo pijama que, sin comerlo ni beberlo, se encuentra encerrado en una habitación con cientos de pitos de ángel por todas partes. Lo más delirante de todo esto es que por cada pito que toca, la habitación le inundará de sorpresas que le llevarán a lo que él más desea: salir de allí. Por otro lado, paralelo a la historia, nos encontramos en pleno México donde dos luchadores enmascarados se enfrentarán en un terrible combate de lucha libre. Pues bien, ambas historias se hiran contando hasta que finalmente acaben por cruzarse... ¿Cómo acabará todo esto? ¡¡Vean, vean, que la cosa no tiene desperdicio!!

Matsumoto, lejos de meternos en el "cubo" matemático de Vincenzo Natali, nos adentra en un mundo divertidisimo que mezcla el delirio con un experimento metafísico que hara las delicias de los espectadores más despiertos.


Muchos son los que no han visto con muy buenos ojos la iniciativa de Matsumoto por intentar zarandear nuestras débiles mentes, buscando subtramas que nos llevan a un final tan estrambótico como tremendamente divertido, y acusan a esta GRAN película de estar alargada innecesariamente (dura apenas 90 minutos, por Dios), o de no haber sido contada... "correctamente". ¡¡JA!!

Yo, queridos amigos, no tengo otra opción que quitarme el sombrero ante una de las películas más originales y arriesgadas de los últimos tiempos. Atrevanse y descubran un cine tan divertido, como profundo y reflexivo...
ESTO NO ES NINGUNA PARODIA DE CUBE, COÑO.

Título original: Shinboru (Japón, 2009)
Directo: Hitoshi Matsumoto.
Guión: Hitoshi Matsumoto & Mitsuyoshi Takasi.
Actores: Hitoshi Matsumoto, Kurt Common, Arkangel de la Muerte...

Sabine recomienda... The Imaginarium of Dr. Parnassus

En el pasado Festival de Sitges, también se pudo ver la última película de Terry Guilliam, un director que está más que acostumbrado a que las cosas no le salgan todo lo bien que debiera. Tomen ejemplo sino de ese proyecto frustrado (que ahora parece que vuelve a estar en marcha), llamado The Man who Killed Don Quixote o la versión de Watchmen que el director estadounidense pensaba dirigir. Pues bien, su último proyecto tampoco ha estado exento de algunos problemas que a punto estubieron de parar la producción, ya que Heath Ledger murió durante el rodaje. Según Guilliam, cuando escuchó la noticia pensó que se trataba de una broma o un rumor lanzado para promocionar El Caballero Oscuro, pero lamentablemente todo resultó ser cierto. Pero lejos de venirse abajo, Guilliam, que ya había trabajado con el actor en la interesante El Secreto de los Hermanos Grimm, consiguió sacar adelante el film con la ayuda de Johnny Deep, Collin Farrell y Jude Law, todos ellos amigos del malogrado actor (1).

En El Imaginario del Dr. Parnassus, Guilliam nos cuenta la historia de un grupo de feriantes teatreros (muy al estilo de la magnífica Las Aventuras del Barón Munchausen), encabezado por un anciano inmortal llamado Dr. Parnassus (Christopher Plummer) y su encantadora y virginal hija (Lily Cole), que trasladándose de un lugar a otro promocionan un espectáculo que puede abrir las puertas a un mundo lleno de fantasía. Pero por otro lado, puede resultar que todo aquel que se inmiscuya en él caiga en las garras de un maquiavélico Diablo (el mismísimo Tom Waits). Lamentablemente (o afortunadamente), el espectáculo no tiene demasiado éxito, pero la suerte de este grupo cambia radicalmente cuando un día se topan con un tipo ahorcado (Heath Ledger) y le salvan la vida...

Samuel Hadida, productor del film, en el pasado Festival de Sitges.

Siempre he adorado la inventiva de este director y el maravilloso mundo que nos muestra a través de sus películas. Los Caballeros de la Mesa Cuadrada, (T. Guilliam & T. Jones, 1975), El Sentido de la Vida (Terry Jones, 1983), Las Aventuras del Barón de Munchausen han formado parte de mi y me han marcado (¡y de que manera!) desde mi niñez. Tampoco creo que nadie dude del ingenio y del sentido del humor (negrisimo) que encerraban sus animaciones en Monty Python Flying Circus. Vamos que siempre he sentido cierta simpatía y predilección por este director y su imaginario, siendo sus films más personales, - como Brazil (1985) o la incomprendida Tideland (2005) -, las que más me han gustado.

Uno de mis sketches preferidos.

Aunque puede que esta película no me haya atrapado como lo hicieron las anteriores, -ya bien sea por la muerte de Ledger que creo yo, debío alterar algo la trama (2), o bien por unos excelentes pero desmadrados y algo empalagosos efectos especiales que me recuerdan un poco a las últimas producciones de Tim Burton-, esta película no desmerece para nada el buen hacer de Guilliam tras la cámara y supone un punto y seguido en su estupenda carrera (algo escasa ultimamene debido a los gafes).

No se la pierdan niños y niñas (mayores) del mundo, que se estrana hoy.

(1) Todos estos entregaron el dinero que cobraron por sus papeles a la hija de Ledger. Todo un detalle, la verdad.

(2) Aunque a mi no me acabó de convencer del todo el hecho que el personaje de Ledger cambiara de apariencia (aunque lo encuentro muy loable, ojo), según las propias palabras de Guilliam, la lamentable muerte de Ledger hizo que la película resultara mejor.

Enter the Void (2009)

Me pasó algo muy curioso con el último proyecto del director de origen argentino Gaspar Noé... Se podría decir que Enter the Void fue la película de las espantás de Sitges de este año, y es que muchos fueron los que no vieron con buenos ojos el tono alucinogeno y a veces escabroso del film, y a mi, si he de seros sinceros, todo aquello me influyó e hizo que la película se me hiciera algo lenta. Por otro lado, en el libreto informativo de Sitges decían que duraba 136 minutos (si alguien lo tiene podra comprobarlo), y yo pensaba: "joder, que larga se me está haciendo". Pues bien, cuando salí de la proyección me topé con el director, y con algo de timidez le pedí un autografo junto a mi actor fetiche Julio Cerrillo. Mi sorpresa vino cuando leí lo que me puso este director en la postal que le pedí que me firmara. Decía algo así: "Juan Pedro, ¿qué te han parecido las 2 h 40?". ¡Enter the Void no dura dos horas, sino cerca de tres! Por lo que en cierto modo, y siempre tras algunas recapacitaciones, he llegado a la conclusión que la película se me hizo más corta de lo que en realidad duraba (creo que existen varias versiones con diferente duración, por lo que no sé cual de estas vimos). Bueno, después de esta tonteria que os acabo de contar, centremonos en esta pedazo de obra maestra.

Enter the Void tendrá todos los excesos que se le quieran ver, pero su virtuosismo visual tiene un valor innegable ("virtuosismo visual", joder que bien queda), y un merito incuestionable. Este "salto al vacio" que siguiendo las propias palabras de Noé, intenta retratar el viaje que se da en El libro tibetano de los Muertos, supone toda una proeza audiovisual que está rodado integramente (ATENCIÓN) desde tres puntos de vista diferentes: en primera persona (como el videoclip Smack my bitch up de Prodigy), en primera persona pero con el cogote del omnipresente protagonista (Nathaniel Brown) en primer plano, y por último desde el cielo. La cámara, que no parará quieta durante los 160 minutos de metraje, se trasladará de un punto a otro de la ciudad (una colorida Tokyo), haciendonos testigos de todo lo que se acontece en la gran pantalla, y convirtiendonos de ese modo (a nosotros, los espectadores) en un protagonista indirecto más. Por lo tanto, Enter the Void es, aparte de una excelente película, una experiencia fascinante y tormentosa que debe ser vivida como Dios manda, en un cine.

Para toda esta parafernalia de idas y venidas con la cámara, muchos de los decorados que se ven en la película fueron recreados por ordenador (1), así como muchos de los "colocones" que inundan de colores la pantalla. "Colocones" que dejarán en casi nada el viaje al infinito de 2001: Una odisea del Espacio (Stanley Kubrick, 1968) y que pueden costarle la vida a más de un epiléptico. No por menos, para este periplo de drogas, sexo explícito y espiritualidad, Gaspar Noé se encerró cerca de un año para poder montarlo.

En el apartado de actores nos encontramos con algunos interpretes poco experimentados o debutantes, destacando la aparición de Masato Tanno, segunda unidad de algunas de las mejores películas de Takashi Miike, entre las cuales encontramos Ichi the Killer o Gozu. Y por último no me puedo olvidar de la preciosa Paz de la Huerta, actriz que ha aparecido en films como Asfixia (Clark Gregg, 2008), la simpática El Republicano (David Arquette, 2006) o la última película de Jim Jarmusch, Los límites del control, y que por cierto, nos mostrará en Enter the Void buena parte de su anatomía. ¡Que generosa eres Paz!

Título original: Enter the Void (Francia/Alemania/Italia, 2009)

Director: Gaspar Noé

Guión: Gaspar Noé

Actores: Nathaniel Brown, Paz de la Huerta, Olly Alexander...

(1) BUF la compañía que se encarga de los efectos especiales, también ha colaborado en la última película de James Cameron, Avatar.

Black Dynamite (2009)

Lo reconozco, cuando ví Black Dynamite me quedé gratamente sorprendido, y eso es algo que no se da mucho en el cine ultimamente, así que atentos.
Nos encontramos en los años 70 de Nixon. Black Dynamite (Michael Jai White) es un renegado guaperas que vive pegando palizas a un montón de karatekas y follandose a las chatis de tres en tres (¿o era de cinco en cinco mientras hacía flexiones?), cuando un día se entera que su único hermano ha muerto. Así que decide volver al cuerpo de policia y se pondrá tras la pista de un grupo de narcotraficantes que posiblemente fueron los causantes de la muerte de su hermano.Primero de todo me pongo a los pies de Michael Jai White, actor (1) y coreógrafo de acción que por lo menos sabe más de 7 estilos de artes marciales y ha ganado un porrón de títulos que demuestran que este hombre, si tuviera pelos en el pecho, sería casi como Chuck Norris. Pues bien, el bueno de White aparte de encarnar a este black action hero, realiza las funciones de guionista de este desternillante película que hará las delicias de todos aquellos nostálgicos con sentido del humor de la blaxploitation en toda regla.

Fallos de raccord, títulos de crédito llenos de colorido (y con el nombre del protagonista bien grande), coreografías de acción que harían palidecer a Steven Seagal, escenas robadas de otros films y notables dosis de humor desenfrenado, cuya máxima dejará a más de uno boquiabierto cuando Dynamite descubra todo el cotarro gracias a los M&Ms. No se equivoquen, no estamos ante una especie de parodia de las películas de acción de los años 70, Black Dynamite podría ser la respuesta nigger al agente secreto inglés que encarnó Mike Myers en sus Austin Powers, pero con infinita más gracia y buen hacer.


¡Dynamite, Dynamite!

Título original: Black Dynamite (USA, 2009)
Director: Scott Sanders.
Guión: Scott Sanders, Michael Jai White & Byron Minns basado en una historia de estos dos últimos.
Actores: Michael Jai White, Arsenio Hall, Tommy Davidson...
(1) Jai White comenzó su carrera de la mano de Troma, apareciendo en la segunda y tercera parte de El Vengador Tóxico. Después se le ha podido ver en films como El Caballero Oscuro o en esa escena borrada de Kill Bill Vol. 2.

Sabine recomienda... (El Gatillazo) Paranormal Activity (2009)

Bueno, atención porque estamos ante el timo del año: Paranormal Activity no da miedo. Este mockumentary mitad Poltergeist, mitad El Proyecto de la Bruja de Blair, no consigue ni de lejos inquietar lo más mínimo. Como film de terror no funciona y sinceramente, - pese algun que otro gritito de alguna cría -, no me pareció que el público se pusiera muy nervioso ante ella.

Paranormal Activity del también debutante Oren Peli, cuenta una historia que toma como protagonista a una joven pareja llamados Katie y Micah (nombres reales de los actores, Katie Featherston y Micah Sloat), que instalados en su casa sufrirán continuos sucesos paranormales. Y es que al parecer, Katie ya venía sufriendo este tipo de sucesos desde que era pequeña, así que Micah, ni corto ni perezoso intentará plasmar todo lo que pase en la casa con su cámara...

El principal interés que encontré en esta película es precisamente la descomposición de la pareja que se da en la pantalla. Paranormal Activity es una cinta de terror que encubre un drama sobre una pareja en crisis. Si miramos la película desde ese punto, Katie podría ser una alegoría de la típica mujer insatisfecha que debe sufrir los contínuos devaneos sentimentales de su pareja, un impotente (o en su defecto con eyaculación precoz) que quiere demostrar que él es el único que puede solucionar los problemas de su mujer sin pedir ayuda a un tercero.

Bueno, al menos si se mira de este modo la película resulta más fascinante y divertida, que si se mirara como una película puramente de terror. Aunque logicamente tambiéns se podría/debería mirar desde otros puntos de vista para hacer su visionado más interesante.

Sabine recomienda... The Horseman (2008)

Bueno, continuando con el terror Made in Australia, vayamos con otra película vista en el pasado Festival de Sitges. Se trata de The Horseman, una cinta de bajo presupuesto dirigida por el debutante Steven Kastrissios y que viene a ser una vuelta de tuerca más dentro del subgénero este de las venganzas rollo El Justiciero de la Ciudad (Michael Winner, 1974) o nuestra La Noche del Ejecutor (Jacinto Molina, 1992).

Pues bien, en este caso Christian (Peter Marshall) se adentra en una vorágine de violencia para vengar la muerte de su hija, la cual murió por sobredosis y apareció en un video de adultos justo antes de morir. Así que Christian realizará un largo viaje para ir acabando uno a uno con todos los que intervinieron en dicho video. Pero durante su andadura, Christopher se topará con una joven embarazada llamada Alice (Caroline Marohasy), que lo acompañará sin saber realmente los motivos de su viaje...

La película pese a tener un presupuesto bastante reducido, consigue ser bastante entretenida y mantiene la tensión durante todo el film, gracias en parte al buen hacer y la estupenda narración que consigue el director. Aunque, eso si, también se percibe alguna que otra secuencia que no está todo lo bien resuelta que debería (veáse la escena en la que Christian, maniatado en una silla frente a su agresor, logra escaparse).

Por otro lado y para terminar (tal y como vengo acabando todas las reseñas ultimamente, ¡por Dios que pocos recursos que tengo!), la interpretación de Peter Marshall es realmente cojonuda. Su interpretación es una de las grandes bazas del film.

Sabine recomienda... The Loved Ones (2009)

Supongo que nadie dudará del buen estado de salud que goza el cine de terror australiano gracias a algunos éxitos como Wolf Creek o El Territorio de la Bestia, ambas del director Greg Mclean y alguna otra que seguro que se me escapa. Pues bien, Sean Byrne debuta en el largo con The Loved Ones, una interesante película sobre el tan manido tema este del baile de fin de curso tan habitual en los films norteamericanos.

Brent (Xavier Samuel), -un chico que perdió a su padre en un accidente de coche al cruzarsele un hombre moribundo en mitad de la carretera-, no levanta cabeza y vive sumido en una especie de depresión. Holly (Victoria Thaine), su chica, ya no sabe que hacer para que Brent vuelva a ser el que era. Su madre por su parte vive muy preocupada por él y teme que algo malo pueda ocurrirle, y la verdad es que no anda muy desencaminada ya que Lola (Robin McLeavy), -la típica chica kitsch del instituto (ya sabéis, la típica que escribe corazoncitos en su agenda)-, le pide que le acompañe la noche de fin de curso pero este se niega sin saber lo que esto puede acarrear. Lola, ni corta ni perezosa raptara a Brent con la ayuda de su desquiciado padre (John Brumpton).

Como ya he dicho, las fiestas de fin de curso son un tema recurrente en el cine, incluso el de terror, tomen como ejemplo esa obra maestra de Brian de Palma, Carrie (1976) o la divertidisima Hello Mary Lou: Prom Night II (Bruce Pittman, 1987), pero en este caso nos adentramos en un psicótico festin de torturas con una niña mimada con complejo de Edipo, como anfitriona. En realidad comencé a ver The Loved Ones con ciertos reparos, pero conforme avanzaba he de reconocer que la película gana puntos y consigue altas cuotas de mala baba y humor malsano. Las interpretaciones de Robin McLeavy y de John Brumpton son de esas que se deben tener en cuenta.

No se la pierdan amigos.

Bronson (2008)

De esta película ya hablé sin haberla visto y como siempre me suele pasar (y mira que me lo tengo dicho), me equivoqué en algunas de mis argumentaciones aunque, eso si, el transfondo de lo que dije lo sigo manteniendo.

"¡Fuck da police!". El célebre Bronson.

Michael Peterson, el convicto más peligroso de Gran Bretaña que permanece encerrado en una celda de máxima seguridad logró, gracias a una grabación, decir unas palabras en el preestreno de la película en Londres, el marzo de este año. ¿Cómo demonios logró este fascista ultraviolento grabar unas palabras para que se pudieran escuchar en la sala? La policia al parecer se puso a investigar y bla, bla, bla... Gran espectación, miles de personas piden la liberación de Bronson y más bla, bla, bla... Todo propaganda barata que más de uno, como yo, puede llegar a aborrecer.

De hecho, creo que la película, aunque haya conseguido un gran número de público (vamos digo yo), no sale muy beneficiada de este tipo de publicidad ¿gratuita? Le resta seriedad. Aunque bueno, vayamos con la película que al fin y al cabo es lo que importa.

Esta película tiene, tal y como algunos dijeron, algunos puntos en comun con el film de Stanley Kubrick, La Naranja Mecánica (música clásica, el intento de aplacar los instintos violentos del protagonista...), pero en vez de asistir a una especie de opera ultraviolenta narrada por su protagonista, Nicolas Winding Refn, el director de Bronson, nos coloca frente a un espectáculo contado en primera persona y en mitad de un anfiteatro repleto de personas que ríen y jalean al "héroe" y "villano" de la función. Exacto, Mr. Michael Peterson alias Charles Bronson, él mismo nos irá relatando sus aventuras y victorias, bueno más bien, sus desventuras y sus falsas victorias, ya que en el film, gracias a Dios, se muestra los intentos frustados de fuga del protagonista, excepto uno en el que consiguió escapar de un manicomio. Y aquí viene algo que encontré muy interesante y loable: el director, lejos de llenar de acción y adrenalina la pantalla con la proeza que logró Bronson al otorgarsele la libertad (el Estado ya no sabía que hacer con él), decide mostrarnos de refilón algunas imagenes de los noticiarios de la época en el que vemos el motín que hicieron en el manicomio. Esa fue la proeza, si, pero duro poco tal y como se nos cuenta a continuación.

Realmente no veo Bronson como una película violenta o acción (como algunos creen), sino como un drama en toda regla con fondo sonoro de Wagner y los Pet Shop Boys, en el que se cuenta la historia de un tipo que quiso ser alguien y no lo consiguió. Aunque, eso si, la utilización de ciertos símbolos y la vestimenta que utiliza Tom Hardy para encarnar a este peligroso convicto y ex-pujil, puede ser bastante peligrosa en manos equivocadas. Tomen ejemplo si no de Asesinos Natos, El Club de la Lucha, o La Naranja Mecánica que algunos borregos incluso lucen en camisetas de estas para demostrar lo duros que son.

Por otro lado no me puedo olvidar de la impresionante caracterización de Tom Hardy como el desquiciado Bronson, ya que aunque no queramos, no podemos evitar sentir cierta simpatía hacia tal personaje. Me quito el sombrero, de verdad, aunque hubo uno que tuvo los santos cojones de decir que sobreactuaba. ¡¡VIVA LA SOBREACTUACIÓN!!

Nicolas Winding Refn en el Festival de Sitges.

Título original: Bronson (Reino Unido, 2008)

Director: Nicolas Winding Refn.

Guión: Nicolas Winding Refn & Brock Norman Brock.

Actores: Tom Hardy, Matt King, Kelly Adams...