Post-nuclear Bloody Diary

1993: EL AÑO QUE STALLONE ENSEÑÓ LA POLLA

2012-01-22T11:23:00.001+01:00

En 1993, cuando apenastenía doce años, se estrenó en todos los cines “Demolition man”.No sé si seré yo o cosa de mi perturbada mente, pero recuerdo quela mayoría de los noticiarios de la época cerraban – pues lostelediarios suelen terminar con todo lo relacionado con el ocio -,con la noticia de que Sylvester Stallone salía desnudo en lapelícula y que tenía una buena herramienta. No tengo la mentedemasiado clara al respeto, pero me parece que incluso salieronlas imágenes de Stallone con toda la pija al aire. El evento tambiénsalió anunciado en las revistas. Pero no sólo de cine, sino másbien en aquellas tipo “Pronto”, “Hola” y toda la pesca…

Stallone acuchillando a una víctima con su cuchillo de carne.

Por aquella época - y sino estoy en lo cierto, por favor, “digamelon” -, incluso sereeditaron en VHS los primerizos porno que protagonizó Stallone. Fueun auténtico blockbuster, pues cientos de marujas/os hacíanguardia en el videoclub de mi barrio, - el videoclub donde paséprácticamente mi infancia y adolescencia -, esperando la ansiadapelícula que complementara aquellas fotografías de Stallonedesnudo. Aquello fue el acabose porque todo el mundo le quería verla pija a Stallone.

Pero lo más gracioso detodo es que muchas/os volvían decepcionados al ver el tamaño quecalzaba “Rambo” en sus años mozos. Vamos, que al parecer aStallone le pasa con su cipote lo mismo que a los viejos con lospelos de las cejas y las orejas, que con los años van aumentando.También salieron varias revistas de humor que se mofaban alrespecto, no recuerdo en que revista fue, pero también tengo en la mente alguna ilustración de Stallone con la polla atada a la rodilla o algo así.

Maldita sea, esteejercicio de memoria me está costando lo mío.

Sandra Bullock "dispuesta" a todo.

Total, que como no mequedaba otra fui al cine. Quería ver ese enorme monstruo de un soloojo en pantalla grande. Saber si aquello era motivo de tantoalboroto. Entonces vi “Demolition man”, y si “que era paratanto”. “Demolition man” es uno de los grandes clásicos delcine de acción de los noventa que injustamente fue vilipendiado porgran parte de la crítica especializada. A mi me encantó que quierenque les diga y no precisamente porque a Stallone se le viera lapolla. “Demolition man” era rabiosamente original y gran parte dela trama giraba entorno a la hombría de Stallone (sin ir más lejos,los títulos de crédito iniciales se sucedían mientras la cámararecorría el cuerpo desnudo del héroe congelado). Sandra Bullock,que aún no había participado en el gran éxito de su carrera,“Speed”, hacía aquí de niña tonta en un futuro aún mástonto, en el que ni siquiera se pueden decir palabrotas, se folla concascos de realidad virtual, no se tocan los unos con los otros ycuando cagan, para limpiarse el culo tienen tres misteriosas conchas.Vamos que el futuro, aunque a simple vista parecía muy utópico, erauna puta mierda y la tonta de la Bullock echaba de menos un poco deacción. Pero Acción de la buena, como en las películas de losnoventa. Así que cuando descriogenizan a John Spartan (Stallone) laBullock se pone cachonda ante tanta testosterona. De eso iba“Demolition man”… Bueno, también salía un negro rubio yparlanchín (Wesley Snipes) con el que Spartan parece competir paraver quien la tiene más grande.

La primera es para pedir disculpas por lo que has hecho, la segunda para pedir permiso, y la tercera para pasártela directamente por la raja del culo. Así de fácil.

Tal vez la última partede la película sea un pelín floja, pero el inicio y mitad es unaauténtica virguería la mar de simpática. No por menos, detrás deella se encontraban los talentos de Daniel Waters (guionista de“Batman vuelve” y la excelente “Las aventuras de FordFairlane”) y Robert Reneau (autor del libreto de “AcciónJackson”). Pero es que además, por si eso no bastara, la dirigíaun italiano llamado Marco Brambilla, que sin querer (o quizásqueriendo) le daba a la película un aura como de exploitretrofuturuista trasalpino de los años ochenta, aunquelógicamente, nada tenga que ver con éstas.

Pues a lo que iba, elotro día, hace ya bastante, la pusieron por la tele – supongo quesería en “La Sexta 3”, el único canal de los sesenta y pico quetenemos en la actualidad, donde ponen buen cine -, y joder, la pollade Stallone no salía por ningún lado. Pero es que lo más curiosoes que yo juraría que en el cine si que la vi… Justo en el momentoen el que le meten en el cubo y lo congelan. Ahí… Se hizo unterrible silencio en la sala, aunque en algunas butacas se oía comoalguna tragaba algo de saliva. Tampoco puedo asegurar que se le veíaentera. Tal vez el scope le cortaba un poco la minga, no sé,pero algo de herramienta se le veía, estoy seguro… O al menos esocreía yo, pues por lo que he leído “la escena” fue finalmentecortada del montaje final y lo único que se filtró fue una fotografíade un desnudo frontal íntegro de Stallone… Y yo pensando que las imágenes habían salido en el Telediario y en el cine...

Es curioso como suelenpasarnos cosas de estas a las personas. Existen momentos que unojuraría haber vivido y luego, ¡zas! Resultan ser falsos o te losarrebatan así sin más. ¿Nunca os ha pasado algo por el estilo? Yoahora tengo un cacao mental gigantesco… Tendré que revisar mi memoria... Que me pongan electrodos por la cabeza y toda la pesca.

JUAN DE LOS MUERTOS (2011)

2012-01-14T21:19:00.004+01:00

Desde que Danny Boyleresurgiera el género zombie (o de “infectados” para los máspuestos en el tema), con 28 días después (28 days later,2002), se podría decir que los no muertos han invadido literalmentelas salas de cine y, aún si cabe, el formato doméstico. Estesubgénero, al que diera carta de naturaleza de un modo casiaccidental George A. Romero con la seminal La noche de los muertosvivientes (The Night of the Living Dead, 1968), tiene ennuestros días un boom equiparable, o quizás aún mayor, al vivido afinales de los setenta y principios de los ochenta, gracias de nuevoa Romero y su Zombi (Dawn of the Dead, 1978). No espues de extrañar que fuera el libre pero muy acertado remakerealizado por Zack Snyder sobre ésta – Amanecer de los muertos(Dawn of the dead, 2004) -, el que volviera a poner de modadefinitivamente a los muertos vivientes. Desde entonces hemos vistozombies de todas las formas y categorías: los hay que hablan, quecorren, e incluso los que han sido domesticados.

Sin embargo, el augevivido por la temática en los primeros compases del nuevo milenio(el cual, además de al denominado séptimo arte, ha tendido tambiénsus redes a otros campos adyacentes como la literatura, la televisióny los comics), no solo se ha limitado a las muy diferentes ópticascon las que han sido abordadas tan putrefactas criaturas. Otramuestra de tal circunstancia se encuentra en el surgimiento de unsinfín de ejemplares procedentes de cinematografías que, hasta elmomento, contaban con poca o ningunaa tradición dentro del ámbitofantástico. La noruega Zombis Nazis (DeadSnow, 2009) de Tommy Wirkola, lapakistaní Zibahkhana(2007) de Omar Khan o la producción de mayoría Serbia Zoneof the Dead (2009), dirigida por eltándem formado por Milan Konjevic y Milan Todorovic, son solo tresde los títulos que componen un listado al que ahora se une Juande los Muertos (2011), segunda películadel cubano Alejandro Brugués.

Eneste sentido, no deja de ser significativo el que el grueso de la,por otra parte, sorprendentemente masiva campaña publicitaria que haprecedido al desembarco en salas españoles de Juande los Muertos haya incidido en sucondición de “primera película cubana sobre zombis” de lahistoria. Máxime cuando, precisamente, es en dicha particularidaddonde reside su mayor atractivo. No tanto por el exotismo que suprocedencia pudiera ejercer a ojos del espectador medio, obviamente,sino por el modo en el que su nacionalidad se deja sentir en sumetraje. Y es que, si algo hay de destacable dentro de esta irregularaunque estimable obra es su alegórica representación de lasituación social que se vive en la isla del Caribe.

Conuna mirada irónica, pero también plena de ternura y nostalgia, lapelícula retrata el desalentador panorama con el que millonesde cubanos tienen que enfrentarse en su día a día para sobrevivir.Todos ellos, en mayor o menor medida, son representados por Juan, suprotagonista, un pícaro de poca monta que al mando de un variopintogrupo de desharrapados como él, combatirá y sacará provecho de laextraña epidemia que azota las calles de La Habana, provocando quelos muertos vuelvan a la vida. Superviviente por necesidad yconvicción, tal y como él mismo recordará en diversos momentos enlos que alude a algunos de los periodos más delicados de ladictadura castrista, Juan verá en la invasión zombi una oportunidadpara ganarse la vida, al igual que antes lo hacía timando a losturistas que se cruzaban en su camino. A través de sus peripecias,son puestas de manifiesto distintas caras de la realidad cubana.Temas como la emigración en busca de horizontes mejores, la paranoiade la invasión imperialista, la utilización de Cuba como prostíbulopara occidentales (y, más concretamente, españoles), o los fuerteslazos de solidaridad existentes entre los habitantes de la isla, vandesfilando a lo largo de una historia que, en última instancia,aboga por la necesidad de un cambio en la mentalidad inmovilista delcubano, como paso ineludible para que se produzca un vuelco en lacada vez más preocupante situación en la que se encuentra sumido elpaís.

Pero si en este retrato costumbrista del pueblo cubano se encierra enbuena medida lo más interesante del conjunto, menos conseguido, encambio, resulta su parte de comedia, en la que intenta equiparse sinconseguirlo a ciertos referentes anglosajones, con Zombies Party(Shaun of the Dead, 2004) a la cabeza –nótese la parecidasonoridad que su título internacional, “Juan of the Dead”,guarda con el original del film de Edgar Wright, Shaun of the Dead - haciendo gala de un humor zafio y facilón, que solo consiguedescollar en muy contados momentos; véase a este respecto la(indecente) proposición que, a la luz de las estrellas, le haceLázaro a su inseparable amigo Juan una vez sepa que va atransformarse en zombi. De este modo, lo que podría haber deparadoun buen y contundente cortometraje, se agranda con un entramadocentral falto de ideas, formado por una continua sucesión de gagshumorísticos que nada aportan al desarrollo de la historia. Lo mismoocurre con la tortuosa relación mantenida entre Juan y su hija,emigrada años atrás junto a su madre a España, planteada en unostérminos tan torpes y estereotipados que más parece propia de unculebrón latinoamericano o, sin ir más lejos, de Física oquímica, serie que sirvió de trampolín a la actriz españolaencargada de encarnar al personaje, Andrea Duro.

No obstante, por encima mismo de sus posibles virtudes y defectos, elauténtico valor que atesora Juan de los Muertos es el que supropia existencia venga a demostrar que algo, ni que sea mínimo,está cambiando en Cuba. Su estreno con total normalidad en aquellastierras ya valdría para justificar por si mismo esta sentencia,habida cuenta de las muchas puyas que de forma más o menossubrepticia son lanzadas hacía un régimen para el que cualquierconato de crítica es símbolo de disidencia. Pero quizás sea aúnmás importante por cuanto significa el que se trate de la primeraproducción independiente autorizada por el gobierno en más de mediosiglo de dictadura. En efecto, da la sensación de que algo estácambiando en Cuba.

Escrito por José Luis Salvador y Lazoworks, para Pasadizo.com

TERROR, CENSURAS Y WILLY FOG

2012-01-10T21:14:00.001+01:00

Este año los reyes han venido algo pobres... Algo pobres para un servidor, pero para los demás miembros de la familia Lazoworks han venido cargados. Aún así, a Baltasar - creo que fue él -, se le cayeron un par de cosillas que el que esto escribe recogió con sumo regocijo... Se trata de tres perlas en forma de libros que ningún ser vivo debería perderse.

Así pues, "Sesión sangrienta" escrito por Jason Zinoman es uno de esos libros imprescindibles que todo amante del cine de terror debe tener en su estantería. En él se nos hace un repaso - quizás demasiado breve -, por la década de los setenta (y finales de los sesenta), justo cuando se desarrolló eso que llaman "el nuevo cine de terror". De ese modo y con una narración de lo más fluida, el amigo Zinoman nos adentra en la perpetración de clásicos contemporáneos que cambiaron de una vez por todas un género no muy dado a ser precisamente reconocido. "La semilla del diablo" de Roman Polanski, un proyecto que en un principio iba a dirigir el hombre-espectáculo William Castle, y "La noche de los muertos vivientes" de George A. Romero, son según el autor, el arranque definitivo de ese nuevo terror del que nos hablan, y las que sientan definitivamente las bases que trazaron obras maestras como "Psicosis", poniendo especial acento en los grandes hallazgos de la cinta de Polanski y Romero, es decir, en filmes que no tienen la necesidad de explicarnos el origen del horror y, en el caso de "La semilla...", que juega magistralmente con la ambigüedad de lo real y lo onírico. También se nos habla de Wes Craven, uno de los iconos del cine de terror que, no por menos, ha sido capaz de rescatarlo en cuatro ocasiones ("La última casa a la izquierda", "Las colinas tienen ojos", "Pesadilla en Elm Street" y, pese a quien le pese, la saga "Scream"); de John Carpenter y su cruzada como director de culto que creó todo un clásico instantáneo, "La noche de Halloween" (bueno, bajo mi modesta opinión, tal vez realizó más de una [y de dos] master piece); de Brian de Palma, un director que, tal y como explican en el libro, es mucho más autor de lo que la gente piensa; y sobretodo, se realza la figura de Dan O'Bannon, una de las mentes más brillantes del género que, sin embargo, y tal y como se nos relata en el libro, no tuvo el reconocimiento que se merecía ni una filmografía lo suficientemente extensa como para disfrutarlo como era debido (aparte de ser uno de los principales creadores del "Alien" de Ridley Scott, tan sólo dirigió la emblemática "La divertida noche de los muertos vivientes" y la lovecraftiana "The resurrected"). Prestar especial atención a la batalla que se libra entre Carpenter y O'Bannon... En definitiva, un libro que se devora de una sentada y totalmente disfrutable.

De la mano del Sr. Ausente, Jorge Cascante, Jordi Costa, Rubén Lardín, el omnipresente Jesús Palacios, Joan Ripollès Iranzo, Nelson de la Rosa y Frank G. Rubio, nos llega "Ven y mira. El cine fantástico y de terror en la zona prohibida", otro repaso, aunque esta vez más profundo y analítico, al cine que por hache o por be, fue censurado por los necios de siempre. Y no sólo se habla, gracias a Dios, de "A serbian film" o las obligadas "Freaks", "La naranja mecánica" o "Saló o los 120 días de Sodoma". En "Ven y mira..." hay cabida para delicias no muy conocidas como las excelentes "Pesadillas de una mente enferma" de Romano Scavolini, "Thriller: a cruel picture" de Bo Arne Vibenius, "La angustia del miedo" de Gerald Kargl o "Cada ver es" de Ángel García del Val. Imperdibles son los artículos que giran entorno al "Holocausto Canibal" de Deodato, el shoxploitation mediterráneo o el artículo escrito por Don Palacios que gira entorno a la figura de los niños y que, como es lógico, tiene una carga extra de mal rollo.

El último libro que se le cayó a los reyes en realidad no era para mi sino para mi hijo, pero la verdad es que, de momento, el que lo está disfrutando soy yo... Jejeje... Se trata de "Abuelito, dime tú. Los dibujos animados de nuestra niñez" de Guillem Medina y que, ¡¡Aleluyah!!, además de hablarnos de Heidi y su puta madre, se nos hace un repaso a series de televisión infantil tan entrañables como "Ulises 31", "Dragones y mazmorras", "D'artacan y los tres mosqueperros", "La vuelta al mundo de Willy Fog", "David el gnomo", o el puto "Osito Misha" y "Jack, el oso de tallac"... Pero es que además, y he aquí el gran hallazgo del libro, aparte de explicarnos algunos detalles de cada producción, se nos realiza una breve descripción de los personajes, algunas fotos del merchandising que generaron, la correspondiente lista completa de los capítulos que componen cada serie y... ¡lo más importante! Las letras de las canciones de nuestros dibujos favoritos. Una gozada con la que más de uno soltará una lagrimilla...

ASÍ FUE EL 2011

2012-01-03T00:18:00.000+01:00

Como es habitual por estas fechas, vamos a ponernos arealizar la típica listita con lo más destacado de este año. No sé hasta quepunto esto resultará de interés - ¿a quién le importa lo que yo haga? ¿a quiénle importa lo que yo diga? Yo soy así, bla,bla,bla…-, pero la verdad es que meapetece hacerlo, y como últimamente estoy muy “desganao” aprovecharé, que ahora que entra el 2012 (un año llamado igual que una película de Emmerich, glups), y los mayas dicen que este año la cosa revienta de verdad, me he dicho… “Posvenga, pa’dentro”.

LO PUTO MEJOR

Este 2011 nos ha traído gratassorpresas como la descomunal “La casadel Diablo” de Ti West. Si, yasé que la película es del 2009, pero como no se ha editado en DVD hasta esteaño (por Versus), hagámosle un poco de publicidad y ensalcémosla como la obramaestra que es. En una época en la que tan de moda están los homenajes al cinede terror de los 70/80, uno no puede dejar de aplaudir ante este ejercicio debuen estilo del que deberían tomar buena nota muchos directores de la nuevahornada. Miedo, angustia y horror sin demasiadas explicaciones, en “La casa delDiablo”, una vez más, el terror no tiene explicación. ¡Bravo!

Algo por el estilo se percibe enla exquisita “The Innkeepers”, denuevo dirigida por Ti West, una cinta modesta, recreada en un único escenario(un hotel) y con un plantel de actores reducidísimos. En “The Innkeepers”, comoya dije, no importan realmente los sustos (totalmente previsibles y, por sifuera poco, escasos), aquí lo que importa es la sabia ambientación que Westlogra recrear, sin caer en burdos efectismos y golpes de efectos. “TheInnkeepers” es una trágica historia de amor entre dos personas que se gustan ynos enseña que expresar nuestros sentimientos nos puede salvar la vida. O bueno, eso creoyo… A la mierda, pasemos a la siguiente.

The human centipede II (Full Sequence) fue la guarrada que deseabaver desde que vi la primera parte en Sitges. Este ciempiés dos, recreada en unfunesto blanco y negro con motitas de color mierda, nos cuenta la historia deun repugnante ser que vive obsesionado por la caca y una película de coprofagíaextrema. El tipo, a parte de querer vender un nuevo guión para una segundaparte, intentará recrear un ciempiés humano aún más descomunal que el que vioen la película. Unasecuela divertida, grotesca, directa y, joder, mejor… Mucho mejor que laprimera.

Otro homenaje, aunque esta vezpasado de vueltas, es este “Chillerama”,una suerte de película de historias de terror cortas recreada en un auto-cine dondelas palomitas están regadas con sangre de color azul contaminada y queconvierte en zombies cachondos a quien las prueban. Un esperma gigante haciendo las vecesde Godzilla, un musical ambientado en la playa con jóvenes homosexuales que seconvierten en “ositos”, un corto experimental con mierda y una película en la que Hitler sigue losexperimentos del diario de la nieta de Frankenstein, servirán de base para estedivertimento en la que no falta prácticamente nada y sobra muy poco. Una delicatessen como dicen los finolis.

Soy un mega fan de Scott Spiegel, así que, ¿que quierenque les diga? Esta “Hostel Part III”es una delicia, coño. Además, tampoco necesita meternos en una orgía de torture porn como las de Eli Roth paraentretenernos. “Hostel Part III” juega con una ambigüedad que a miparticularmente me encantó y logra sorprender, que ya es suficiente. Como yaocurrió con “Abierto hasta el amanecer 2: Texas Blood Money”, no estamos anteuna secuela al uso que busque más de lo mismo, así que puede que muchos sesientan defraudados… Ay… Necios… De todo tiene que haber en este mundo. Porcierto, de la mano de Eli Roth pudimos ver otra gran película, “El último exorcismo” de Daniel Stamm,un rollo mockumentary con posesión queme encantó y da mal rollo de verdad. Además, ese final con secta satánica estoda una declaración de principios. Si señor.

De lo visto en Sitges este año,me quedo ante todo con “Killer Joe”de William Friedkin, “Bellflower” deEvan Glodell, “The Yellow Sea” de NaHong-Jin (atentos que se estrena en cines para reyes), “New Kids Turbo” de Steffen Haars y Flip Van der Kuil, el “Extraterrestre” de Nacho Vigalondo, “The woman” de Lucky McKee y la yanombrada “The Innkeepers” de TiWest.

“Drive” de Nicolas Winding Refn es una auténtica gozada. Unejercicio de buen cine, exquisitamente rodado y con un Ryan Gosling en estado de gracia. Una puta obra maestra. Pero ya hehablado bastante de ella en otras ocasiones, así que pasemos a la siguiente.

“El origen del Planeta de los Simios” de Rupert Wyatt demuestra que todavía se pueden hacer grandespelículas marca mainstream y lo másasombroso, con el método ese extraño del motioncapture. ¡Quien me lo iba a decir!

Una del oeste y encima condirector de aquí… ¡”Blackthorn” de Mateo Gil! Lastima que este puto paíseste lleno de hijosdeputa que la vapulearon a base de bien. Esta suerte desecuela de “Dos hombres y un destino” es sin dudas, una de las mejorespelículas nacionales de año. Un western de estos cocinados a fuego lento y quese disfrutan en cada uno de los planos que la componen. Otra quecorrió la misma (mala) suerte comercial y de crítica fue “Carne de neón”, la prodigiosa película de historias cruzadas de Paco Cabezas. Es curioso como aquí enEspaña pasan estas cosas y sin embargo, ahí lo tienen, de camino a Hollywood,un lugar donde parece ser que se le mira con mejores ojos. Suerte, señorCabezas. Siguiendo en el ámbito nacional “Secuestrados”de Miguel Ángel Vivas también estuvo de puta madre, aunque no recuerdo como latrató la crítica especializada. Sea como sea, “Secuestrados” es una cintatrepidante y todo un ejercicio de estilo que sorprende de cabo a rabo.

Otra que no estuvo muy bien vistapor la crítica y no sé a cuento de que fue “CartaBlanca” de los hermanos Farrelly,un film que nos cuenta la historia un grupo de cuarentones a los que susmujeres les dan “carta blanca”, es decir, le dan permiso para que se puedanfollar a todas las mujeres que quieran. Lamentablemente, los tipos ya no sonlos que eran y cada uno de sus intentos resulta de lo más decepcionante ydivertidos.

“Insidious” es una película de estas de miedo, con casas encantadasy con espíritus. Gracias a Dios el responsable de la cinta, James Wan, se meteun tripi a media película y se flipa de lo lindo. Una gozada que logra darmiedo de verdad. “Scream 4”de Wes Craven también me gustó. Peropor lo que se ve, muchos dicen que es más de lo mismo, que Kevin Williamson es unhijodeputa y paparruchas de esas. Pues a mi me encantó, al igual que otra secuela, esta vez la quinta parte... ¡"Destino Final 5" de Steven Quale, toda una delicia para los fans de la saga que además sabe ¿cerrar? de modo sorprendente el círculo abierto por la primera entrega. Es más, me gustó másque las anteriores. Así soy de raro, fíjate… Y esta otra, “Codigo Fuente” de Duncan Jones también es muy buena. Aunque loshubo que no supieron ver en el farragoso presupuesto (más elevado que el de suópera prima, la encantadora “Moon”) la nobleza de una ci-fi hecha con elcorazón. Algo así como “Attack theblock”, una cinta original, divertida y trepidante, en la que un grupo deinadaptados hará frente a una invasión alienígena a pequeña escala.

Como documental habría queseñalar la excelente “I’m Still Here”con Joaquin Phoenix como eje centraly dirigida por Casey Affleck. No sé si será falso, si todo era un montaje o esque a Phoenix se le fue la olla de verdad, pero sea como sea, “I’m still there”es uno de los experimentos más estimulantes de los últimos años, y seguramenteno se podrá repetir jamás.

“Cisne negro”, con esa delgaducha guapísima, Natalie Portman... Menuda obra maestra se marcó Darren Aronofsky. Como adoro a estetipo… Como siga así – recuerden que su anterior película, “El luchador”, yadaba para tres o cuatro pajas de lo buena que era -, me va a matar de gusto…

Otra que me gustó mucho, “Rumores y mentiras” de Hill Gluck.Bueno, en realidad creo que esta es de hace un par de años, pero la he vistoeste 2011… Una comedia sensacional que mira sin disimulo y con orgullo a losclásicos de los ochenta de John Hughes, que en paz descanse. Además, Emma Stone está divertidísima y de lomás follable.

¿Qué más, qué más…? Ah, sí… “Sucker Punch”, el videojuego en formade película de Zack Snyder. Unaorgía de acción y fx infográficos con locas en mini-falda que sacó de quicio amedio planeta y que a punto estuvo de costarle la carrera al bueno de Snyder.Su último cartucho, “The man of steel”… Después de dos batacazos consecutivos –esta “Sucker Punch” y en menor medida la excelente “Watchmen” -, el tío se lajuega. Yo, de momento, confío en él...

A mi J. J. Abrams jamás me mató mucho, pero esta “Super 8”me encantó. Si que tiene ese rollo ochentero y resulta bastante “spielbergniana” (¿eso es malo?), pero toca los palosjustos para que se convierta en todo un clásico de nuestro tiempo. Eso si, lomejor es el “corto” en súper 8 que realizan los jóvenes protagonistas… eso sique es nostalgia pura.

Y hablando de nostalgia... Joder, menudo peliculón "The Artist" de Michel Hazanavicius, toda una oda al Hollywood de (finales de) los años 20... Al Hollywoodland, al cine mudo de gesticulaciones exageradas y que tanto éxito y fracaso desencadenó. Jean Dujardin está inconmensurable como la apuesta estrella que ve peligrar sus días de gloria por la irrupción del cine sonoro, pero tanto, o más, lo está la preciosa Bérénice Bejo... Una película fundamental para todo aquel amante del cine clásico que sabe ambientar a la perfección el puto mundo este del cine. Viéndola uno piensa sin querer en actores borrachos, yonquis o en los escándalos del Hollywood Babilonia de Keneth Anger, pero por desgracia (o por suerte, según se mire) en ese aspecto la película se queda a medias y resulta finalmente mucho más optimista de lo que debería ser. ¿Pero saben que les digo? ¡Que más da! ¡Bailemos claqué, coño! Además, el film tiene momentos del todo memorables como el sueño en el que nuestro protagonista comienza a escuchar al mundo, mientras él es incapaz de hablar. Fabulosa, fabulosa...

Y ahora resumamos todo a un escueto TOP TEN (o así):

10.- (EX AEQUO) Bellflower de Evan Glodell & The Human Centipede II: Full sequence.

9.- El origen del planeta de los simios de Rupert Wyatt.

8.- The Innkeepers de Ti West

7.- New Kids Turbo de de Steffen Haars y Flip Van der Kuil.

6.- (EX AEQUO) The Woman de Lucky McKee & I'm Still Here de Cassey Affleck.

5.- Carne de neón de Paco Cabezas.

4.- (EX AEQUO) The Yellow Sea de Na Hong-jin & The Artist de Michel Hazanavicius.

3.- El cisne negro de Darren Aronofsky.

2.- (EX AEQUO) Extraterrestre de Nacho Vigalondo & Drive de Nicolas Windign Refn.

1.- Killer Joe de William Friedkin

LO REGULÓN

Bueno, esto no significa que laspelículas que pongo a continuación sean malas, sino que no me han llenado losuficiente. Así pues, “Kill List”, “Juande los muertos”, “Microlorze”, “Invasion of Alien Bikini” y “Guilty of romance”, vistas este año enSitges, no estuvieron nada mal. Como tampoco lo estuvieron “Paul” o “Enterrado”…Pero vamos, tampoco me parecen nada del otro mundo.

También vi “Tintin” de Spielberg…Al principio creía que era una obra maestra… Después bajé un poco el listón yal final, entre tanta peripecia, tanto salto y tanta pirotecnia, me dormí. Medormí como un puto lirón. Eso si, no estaba mal. (Quizás tendría que aclararque tampoco es que sea mucho de Tintin, jamás me leí uno de sus TBOs, yo soymás de Asterix y Obelix, cojones).

“No habrá paz para los malvados” tampoco me mató. José Coronado lo hace bien y tal, perola película no cubría todas mis expectativas. Como tampoco las cubrió “Un método peligroso”, la última de David Cronenberg… Bueno, en realidad lavi muy cansado y el sueño me pudo. Le debo una segunda oportunidad, al igual que a la de Tintin, que no se diga. Que Spielberg también es mucho Spielberg. A la que no le voy a dar otra oportunidad es a "Carlos" de Olivier Assayas... Demasiado recalchutada... Me costó pillarla... Si, en todo caso, me miraré la serie al completo (para los despistados la película "Carlos" es una especie de resumen de una mini serie de TV).

Por cierto,esto de dormirme viendo películas se está agraviando con el tiempo… Sobretodoahora con el pequeñajo. Muchas películas las tengo que ver en tres o cuatroveces, y al cine tengo que ir bien temprano… Me estoy haciendo viejo, joder…

LO PUTO PEOR (HUELEN A PAÑALES DE MIERDA LÍQUIDA)

La verdad es que, como podráncomprobar a continuación, ya casi no veo películas que no crea que me van agustar. Ya no me la juego… Aún así, alguna me he tragado… Unas me dolieron,otras no… Pero el caso es que estas películas son lo puto peor del año, no megustan una mierda y las quiero olvidar de mi mente pero ya.

Vamos rápido, “Monster Brawl” y “Livide” fue lo puto peor de Sitges. “Cowboys & Aliens” me pareció una auténtica mierda (pese a queal principio creía que iba a ver una gran película), “La piel que habito”… joder, también (que Almodóvar deje de ser tanpretencioso, por favor, que últimamente se empalaga de la hostia)… "No tengas miedo a la oscuridad" de Troy Nixey, una película más bien simplona que no la salva ni el sello Guillermo del Toro... “Furia Ciega” al principio tenía sugracia y además sale Amber Heard,pero que va, puta mierda. “Torrente 4” fue pa’ morirse, aunqueal menos mataban a la Esteban…

Eso si, lo puto, puto, puto, peorfue “Caperucita Roja” de la mismaenergúmena de “Crepúsculo”… Si quieren sufrir vean este montón de basura conhombres lobo y eau de toilette Cacharel para disimular su mal olor... Y encima la vi en el cine... En pantalla grande... Ooooh...

Peste, peste, peste…

ENTREVISTA A TOM CRUISE

2011-12-28T14:15:00.000+01:00

Durante la presentación de “Misión Imposible 4: Protocolo Fantasma”tuve la ocasión de poder entrevistar a Tom Cruise. No quería deciros nadaporque lo guardaba con recelo para daros la sorpresa hoy. Hablamos de su última película, de las escenas de acción, de su vida personal y sus próximos proyectos. Con todos ustedes TomCruise, el más grande.

Joder Tom, ya tienes tus años ymírate, todavía te conservas...

-Si es lo que tiene hacerejercicio, comer tofu y beber mucha leche de soja. Eso hace que te tires unosbuenos pedos y que hagas de vientre prácticamente dos veces al día. Soy una máquinay mi organismo es como un reloj (se tocalas abdominales), de hecho esta entrevista no puede durar más de veinteminutos porque me toca mi cagada de las 7.

(Miro mi reloj, joder, es verdad. Son las 6 y 40. Este tío lo tienecronometrado. Lo tiene todo bajo control).

Oye, ¿y por qué eso de hacer lasescenas de riesgo tú mismo?

-No entiendo…

¿Qué porque realizas las escenasde acción, de riesgo, tú mismo?

-No entiendo…

¿Qué porque no utilizas dobles?

-No entiendo…

(Me paro un momento a pensar. ¿Cómo le puedo hacer esta pregunta a TomCruise para que la entienda?).

¿Por qué siempre sales tú?

-Porque es una película de TomCruise, siiiii… (Me guiña un ojo).

Ya pero, ¿por qué jugársela,coño? ¿Por qué no echas mano a los especialistas?

-Bueno… (Se peina). Si hay que caer encima de mierda, petróleo o algo quemanche mucho, si que utilizo especialistas… Pero si hay que hacer escenas en loalto de un acantilado – un lugar donde el viento sopla fuerte y me ondea lamelena que da gusto (parece ensimismadoen sus pensamientos) -, entonces prefiero hacerlo yo. Esto me lo enseñóJohn Woo que es un chino muy pequeñín, muy gracioso y cariñoso. Woo rueda lasescenas de acción con una coreografía increíble. En vez de estar pegando tiros,parece que estés en un musical de High School Musical… Si… Woo sabe comohacerte disfrutar… (Vuelve a ensimismarseen sus pensamientos).

¿Y que tal fue trabajar con PaulNewman? Joder, me encanta “El color del dinero”…

-Es una gran película. Muchomejor que la anterior. La que rodó Scorsese conmigo si que es buena. Además, miinterpretación de ludópata no se podrá igualar nunca.

Si, yo pienso igual que usted.Sin embargo los hay que dicen que es una basura.

-Si, algo he leído en un blog deun tipo que juega a ser Garci en el YouTube, ¿verdad?

Exacto. Se llama Pepe.

-Bueno, pues me gustaría decirlea Pepe y a todos los que piensan igual que él, que “El Buscavidas” es unapantochada de mierda.

Hombre, tampoco es eso…

-(Ríe) La verdad es que ni siquiera la he visto. Nunca veo películasen blanco y negro. Pero seguro que no es tan buena como la que hice yo…

Y Paul Newman…

-Eso, y Paul Newman.

No, me refería a que todavía nome ha dicho que tal fue trabajar con él.

-Bueno, Paul Newman era un grantipo. Se cuidaba mucho y tenía un cutis delicioso. Luego se metió a hacerrecetas para el puto McDonalds y la cagó. En fin, que en paz descanses Paul. Te amo. (Lanza un beso al cielo).

Oye, ¿y cómo está Katie?Últimamente no aparece en demasiadas películas…

-¿Katie?

Katie Holmes, su esposa…

-Oh, si… Mi dulce Katie… Puesahora debe estar en casa. Fregando, pasando la mopa o limpiando retretes… Yasabes, cosas de mujeres.

¿La tienen muy ocupada las tareashogareñas? ¿Es por eso que apenas se le presentan proyectos nuevos?

-Bueno, no te creas. De vez encuando se escapa y hace un par de cosillas para entretenerse. También es bueno quese despeje, que la pobre está que no da a basto con los críos (*) y la casa… Uf, no me lo quiero niimaginar… Ahora tengo entendido que ha hecho una de miedo… Y dentro de pocoestrena una comedia en la que sale Santiago Segura.

¿Conoce a Santiago Segura?

-No, no lo conozco. Pero a Katiele encantó. Dice que es muy tierno… No. No fue tierno lo que me dijo. (Se queda pensativo). Flácido, joder.Fue flácido. Me dijo que era muy flácido. Y no… (Se queda pensativo, como recordando). No, no le gustó. Dijo queestaba gordo. ¿Es cierto?

Hombre, está fondón…

-Joder, que terrible… Pobre…

He leído que va a encarnar a unaestrella del rock…

-Si, a la mejor estrella delrock: Yo…

Reímos.

¿Y de que va?

-Pues ahora no me acuerdo. Estabatodo el rato en lo alto de un escenario con un micro y haciendo playback.También me pusieron unas mayas apretadas que me sentaban de fábula… Y el pelo… (Se queda ensimismado). También mepusieron un ventilador gigante frente a la cara que me ondeaba la melena quedaba gusto…

Bueno Tom, ¿y qué será lopróximo?

-Lo próximo será una operación defimosis…

No, me refiero a cual será tupróxima película...

-Pues eso, se llama así. “Unaoperación de fimosis”. La dirigirá Jota JotaAbrams y estará rodada en un solo plano secuencia. Con un ritmo frenético "Una operación de fimosis" contará eldolor que pasa un hombre de cuarenta años que va a ser operado del frenillo en mitad del Senegal. Jotatiene pensado que mi pene abarque gran parte de la pantalla durante bastantemetraje. Primerísimos primer planos de mi polla, amigo… ¿Qué le parece?

(Pienso por un momento en lo que puede dar de si esta película y luego respondo).

Me muero por ver esa película

Se ríe.

Me río.

Nos reímos juntos.

Nos reímos juntos un buen rato.

Se hace un silencio incómodo.

Nos miramos sin saber que decir.

Sobran las palabras.

Tom Cruise mira su reloj.

-Bueno, las siete. Hora de cagar.Adiós colega y recuerda, Tom Cruise es el mejor.

Asiento como si fuera una colegiala.

Tom Cruise sale por la puerta de la habitación seguido de un hombregrande y fuerte.

Que vida tienen las súper estrellas…

(*) Tom Cruise y Katie Holmessolo tienen un hijo. Bueno, una niña…

ESPECIAL TROMA III: EL VENGADOR TÓXICO 4: CITIZEN TOXIE (2000)

2011-12-22T13:54:00.000+01:00

Tildada por el propio Lloyd Kaufman como la mejor película dela saga, Citizen Toxie es la entregamás bestia, divertida y políticamente incorrecta de todas. Aquí nuestro queridoToxie tendrá que vérselas con su alter ego maligno. Y ustedes dirán, ¿y cómo eseso? ¿Y a cuento de qué? Pues muy sencillo, después de que un grupo deterroristas con pañales secuestren el colegio de enseñanza especial (según losterroristas, el motivo de su ataque es que no entienden como el gobierno segasta el dinero en personas [disminuidos psíquicos], que no aprenden nada), yque explote el edificio por culpa de un pedo y una cerilla, Toxie va a pararuna dimensión paralela. Parece Tromaville, su ciudad, pero todo el mundo estámuy cambiado. Los policías le disparan y la gente le tiene miedo. Ya no pareceel súper héroe al que tanto veneraban y todo el mundo le odia. Toxie seencuentra en Amortville, el reverso oscuro de su querido pueblo. Por otro lado,otro Toxie con una especie de tupé raro y lleno de implantes (sobretodo uno muyllamativo en la entrepierna), comenzará a causar el caos en la “pacífica”Tromaville. La ciudadanía no comprende que le ha pasado al bueno de Toxie, asíque pedirán ayuda a un montón de súper héroes de lo más estrafalarios, entreellos un Sargento Kabukiman venido a menos y alcohólico.

Citizen Toxie, además de tener unguiño al Ciudadano Kane de OrsonWelles (y no sólo por el título, también hay un pequeño inserto en blanco ynegro durante la película en el que también cae la famosa bola de cristal) o El mago de Oz, esta cuarta parte delVengador Tóxico es todo un batí burrillo del universo Troma (algo que Kaufmanya ha hecho en más de una ocasión, como en la excelente Terror Firmer). Kaufman lo tenía claro, si quería mejorar lo quehabía hecho anteriormente, tenía que ir a saco y Citizen Toxie desde luegocumple todos los requisitos. Citizen Toxie es una de las películas másexcesivas de su director y productor, una auténtica gamberrada en la queasistiremos a un montón de perlas de la incorrección política. ¡Todavía me hagocruces! ¿Cómo han sido capaces de editarla en DVD aquí en España con lo finolisque somos ultimamente? Un súper héroe que dispara lefa y que tiene pelos en laspalmas de las manos (por aquello del gusto), otra que no para de masturbarsecon un vibrador, un Dios enano y cabrón que reparte enfermedades como si fuerauna lotería (entre ellas el SIDA, su mejor invento), dos fetos luchando en elinterior de un vientre, y varias muertes del todo memorables (véase aquella,por ejemplo, en la que a un tipo le sacan la cabeza llena de mierda por elculo)… En El Vengador Tóxico 4, Toxie va a ser papá, como lo oyen… Aunque tambiénresultará que su mujer, invidente, como recordarán, se acostará con más de uno…y de dos.

Además, toda la película estáplagada de cameos como el de Ron Jeremy,Corey Feldman, Stan Lee (narrador en la versión original, saliendoacreditado como Peter Parker) o Lemmy(el cantante de los Motörhead)… Como nota curiosa apuntar que en un principioesta cuarta parte se iba a llamar “Afistfull of Toxies” (“Por un puñado de Toxies”) e iba a ser un homenaje alcine de Sergio Leone (1). También hubo un intento de que esta cuarta parte la dirigiera Santiago Segura, una co-producción entre Troma Entertainment y AndrésVicente Gómez, pero finalmente la cosa no cuajó (y casi mejor).

Quizás tenga razón el bueno de Kaufman, quizás Citizen Toxie sea lamejor de toda la saga, pero ahora, de momento, sólo cabe esperar a esa quintaparte que promete sorpresas y cachondeo, mucho cachondeo… A ver si Kaufmanconsigue superarse. Miedo me da…

(1) Según la entrevista recogida en Shock Masters of the cinema de Loris Curci.

ESPECIAL TROMA II: EL DÍA DE LA MADRE (1980)

2011-12-13T23:39:00.000+01:00

Posiblemente estamos ante una de las películas más conseguidas de la factoríaTroma. “El día de la madre”, dirigida por CharlesKaufman, hermano de Lloyd Kaufman, parte de una premisa máscercana al género “rape & vengeance” visto en lasseminales “La última casa a la izquierda” y “I spiton your grave” (Aka. “The day of the woman”), quedel “slasher” como apuntan por ahí, pero con la característicade teñir todo el metraje de un humor negro y enfermizo que propiciamomentos de verdadera incomodidad en el espectador. Y es que una cosaes ver una violación en una película y (en la mayoría de los casos) sentir rechazo, y otra vercomo los violadores perpetran su crimen delante de su progenitora, yque ésta, para colmo, les aplauda divertida.

Aquí la cosa va de unatierna madre interpretada por la veterana Beatrice Pons, queconsigue chicas para que sus dos “pequeños” maniacos lastorturen y las violen a conciencia. Para gozo de esta estrafalariafamilia, tres lindas damiselas que iban de excursión por el campo seconvertirán en el objetivo ideal y serán raptadas y sometidas atodo tipo de vejaciones.

No es que la películasea una virguería, todo lo contrario, a primera vista la historia esmás de lo mismo y se cierra de un modo simple y directo – una delas chicas raptadas, tal y como vemos al principio, es asediada porsu autoritaria madre, así que cuando finalmente asesina a laprogenitora de los “maniacos”, consigue liberarse de algún modode sus demonios interiores -, pero como ya he dicho, es su estéticachillona y su humor negrísimo lo que hacen que su visionado valga lapena.

Además, según dicen -no sé hasta que punto esto es real o forma parte de alguna leyendapara hacerla más mítica -, en la casa donde se rodó la películahubo un asesinato. Al parecer el propietario de la cabaña apareció muertojusto antes de empezar el rodaje… Otra cosa bastante curiosa es que“El día de la madre” se rodó en los mismos parajes y a la mismavez que “Viernes 13” de Sean S. Cunningham.Atendiendo que ambas terminan con final sorpresa y sonsospechosamente similares, uno no puede dejar de preguntarse si huboun cruce de impresiones entre Kaufman y Cunningham durante el rodajede sus respectivos films. Sea como fuera, lo que más bien parece esque Kaufman rodó ese epilogo (que queda un poco extraño en elconjunto total de la película, para que nos vamos a engañar)después de comprobar el arrollador éxito que había cosechado“Viernes 13” (“El día de la madre” se estrenó varios mesesdespués). Pero entonces, ¿cómo se explica que la madre hable deuna hermana suya muy malvada (es decir, aún más hijadeputa queella)? ¿Otro injerto que se metió en la película? Curioso porque ahíes donde la madre explica el porque lleva puesto el collarín todo elrato: su hermana “gemela” (el susto final) le partió el cuelloen el vientre materno. En fin, misterios del cine.

Antes de abandonar estareseña, no me quiero olvidar de un potentísimo “remake”de “El día de la madre” que se realizó el año pasado y que,gracias a Dios, nada tiene que ver con el original. No respetar elfilme que se reversiona es, casi siempre, un punto a favor, ¿paraque quiere ver uno la misma película otra vez, pero con máspresupuesto? Ahí están los excelentes “remakes” dePiraña, El amanecer de los muertos o I spit on yourgrave, para corroborarlo. Además, sale una rescatada RebecaDe Mornay haciendo de “mamá” y su entramado es de lo másestimulante. El día de la madre (Darren Lynn Bousman, 2010) es un cruel cuento debrujas en el que nadie es quien parece. Un thriller que no se cortaun pelo, en el que todos, en realidad, son unos hijosdeputa... Como enla versión de Kaufman, pero con mucha más chicha que rascar.

ESPECIAL TROMA I: REDNECK ZOMBIES (1989)

2011-12-07T19:59:00.001+01:00

Pues como esto de montarla entrevista a Lloyd Kaufman me va a llevar algo de tiempo,he pensado en ir haciendo mientras tanto unas pequeñas reseñas dealgunas de las películas producidas y/o distribuidas por la TROMA.¿Y qué mejor película que la baratísima “Redneck Zombies”para empezar?

“Redneck Zombies”,traducida aquí en España como “Los zombies paletos”, es lareina de las películas de zombies de bajo presupuesto de finales delos ochenta (por delante incluso de la famosa “Mal gusto”de Peter Jackson). Y es que a pesar de su precariedad de medios –piensen que se rodó directamente en video; durante un año,empleando fines de semanas y con colegas; o que Pericles Lewnes,su director, co-productor y co-guionista, se encargó a la vez de laedición, de los fx chapuceros y encarnó a uno de los paletos,concretamente al “sarasa” Billy Bob/Elly May -, la combinaciónde gore y humor, consigue que su visionado se convierta en toda unaexperiencia.

La sinopsis reza algoasí: una familia de paletos decide destilar su güisqui utilizandoun barril de residuos tóxicos que se le ha caído a un soldado negroy porreta. Una vez destilado y obviando el grave peligro que estoconlleva, deciden distribuirlo por toda la localidad provocando querápidamente se propague una loca epidemia de zombies hambrientos decarne humana. Como es lógico, para hacer la cosa un poquito másdistraída, un grupo de domingueros que pasaban por ahí, veránpeligrar sus vidas cuando una avalancha de zombies paletos lesacechen.

No se crean que es sólopor su humor socarrón y el rollo slapstick que tiene,“Redneck Zombies” tiene momentos de lo más memorables,como esas escenas psicotrónicas que vienen a representar loscuelgues de los protagonistas, o la emblemática aparición de unaespecie de Joseph Merrick/Jason Voorhees (pre máscara de jockey): unmisterioso repartidor de tabaco para mascar que proclama elApocalipsis del cáncer con una soltura que pone los pelos de punta.Además los efectos especiales son de los más efectivos y lograalgunas perlas del gore cutre-salchichero: véase variosaplastamientos de cráneos, salpicones de sangre a la cámara,ingestiones de glóbulos oculares y apuñalamientos con instrumentosde lo más variopintos, como por ejemplo una cuchara.

Mejor no hablamos ni dela calidad de las interpretaciones, ni de los fallos que se pudieraencontrar uno viendo esta película, pues sería una gilipollez.“Redneck Zombies” es la hostia de divertida y entretenida,y ya está hombre. Se te puede atragantar un poco, vale, no por menoscuenta con algunas de las escenas más asquerosas y de dura digestióndel género, pero que quieren que les diga, “Redneck Zombies”se ve con alegría y entusiasmo, que es lo que importa. “RedneckZombies” mola, joder.

Por último añadir queFriki Films la ha distribuido recientemente en DVD, aunque esosi, en su versión cortada (que no censurada). Una (medio) lástima ya quepor ahí en el extranjero anda un suculento director’s cutcon 90 minutos y otra edición “25th Aniversary” con 96minutazos… ¡Eso si que tiene que ser bueno mi amor!

¡GRACIAS!

2011-12-04T17:56:00.001+01:00

Ay... yo siempre tan preocupado, siempre con miedos... He estado varios días mordiéndome la lengua por si algo salía mal. Temía que finalmente el destino me castigase y todo se fuera al traste, pero no, al final este pasado sábado, durante la celebración del Horrorvision (el mejor festival de cine independiente del mundo, o casi), tuve la suerte de poder entrevistar al gran Lloyd Kaufman, director de títulos tan importantes como la saga del "vengador tóxico" o "Sgt. Kabukiman N. Y. P. D.", y productor de otras películas tan emblemáticas como "El día de la madre" o "Los surfistas nazis deben morir". Todo un personaje, desde luego, ¡pero un tipo excelente! A sus píes, maestro.

Creo que ha sido una de las experiencias más extrañas y satisfactorias de mi vida, así que desde aquí quiero dar las gracias a todas las personas que han hecho posible que uno de mis sueños se hiciera realidad. Desde José Luis de La Abadía de Berzano que movió los hilos desde Madrid, hasta Rosa López que hizo las veces de entrevistadora/traductora. No me puedo olvidar de mis dos grandes amigos, Pedro Martínez (como apoyo moral, siempre apoyando) y Julio Cerrillo que inmortalizó toda la entrevista en video. Muchas gracias, compañeros. Y por supuesto gracias a Horrorvision, repito, el mejor festival de cine independiente del mundo, o casi, en el que se pudieron ver un montón de cortos undergrounds de lo más interesantes, películas casposas del Santo, Mil Máscaras o Blue Demon, algunas de las últimas películas distribuidas y/o producidas por la Troma como la enferma "The Taint" o "The Father's Day", y en el que se celebró un sorprendente concurso de Tromettes en la que hubo tetas, lamidas de tetas ¡y una meada en el escenario! ¡Para flipar!

Uy, que ganas tengo de ponerme a montar y traducir toda la entrevista (bueno, por un lado tengo ganas, pero por otra parte, también estoy muy a gusto en el sofá, ya saben)... En cuanto la tenga lista podrán disfrutarla con todas las de la ley, en este su blog amigo. Permanezcan atentos a sus pantallas...

SOBRE "333 FILMS IMPACTANTES VOLUMEN I" (Y SU SEGUNDA PARTE)...

2011-12-02T21:55:00.001+01:00

Pues si, en realidad no sé cuantas personas han llegado a leer "333 Films Impactantes Volumen I", pero sin duda lo han leído más personas de las que yo me esperaba. En el blog, al menos que yo pueda contrastarlo, lo han hojeado unas 1400 personas, y a día de hoy todavía me llegan emails pidiéndome una copia, cosa que me enorgullece y sorprende.

Pero el caso es que ando más liado que la pata de un romano y se me antoja que este segundo volumen puede tardar bastante en ver la luz, por lo que se me ha ocurrido que si alguien está leyendo esto y quiere formar parte de este segundo volumen, pueden enviarme una breve reseña de su película favorita al mail lazoworks@hotmail.com. Pueden ustedes escribir lo que les venga en gana de la película que les de la gana (encima que me quitan faena no me voy a poner tiquismiquis)... La única condición es que esa película no salga en el primer volumen y que esté escrita medianamente bien. Ya saben, si quieren formar parte de este segundo volumen, envíen sus reseñas al email que les he indicado, ¡tengo a un mandril muy inteligente que elegirá las mejores!

Y ahora, tres reseñas sorpresa que ustedes podrán leer en este volumen dos:

CARRETERA ALINFIERNO / THE HITCHER. Robert Harmon, 1986.

Jim(C. Thomas Howell) es un tío tieneque llevar un coche a no se donde. Un “puñao” de lejos, ¿vale? Total, que Jim,mientras conduce, está que se duerme, que no aguanta más, que son demasiadoskilómetros sin mear siquiera… Y entonces piensa: “voy a recoger al primer autoestopista que me encuentre en la carreterapara que me de conversación”. Entonces se encuentra a Rutger Hauer y, joder, ¡anda que no leda conversación! El tío tiene rueda para rato: que si ahora te amenazo, que siahora te digo te voy a descuartizar, que si ahora me atropellas, que si ahorano me muero, que si ahora me meto en el coche de una dulce familia y me loscargo a todos, que si me meto en un bar y más de lo mismo… Jim, desde luego,aburrirse no se aburre, pero es que además, Rutger Hauer, el muy cabrón, comete sus crímenes de tal manera queparece que el culpable sea el propio Jim. Menos mal que por ahí anda una dulcezorrita (Jennifer Jason Leigh) que apesar de todo, ayudará a Jim a escapar de las autoridades y del psychokiller encarnado por Hauer. Una obra maestra de cabo a rabo.

LA REBELIÓN DE LOS SIMIOS / CONQUEST OF THE PLANET OF THEAPES. J. Lee Thompson, 1972.

Armando (Ricardo Montalban) es un hombre de circo que un buen día recibe lainesperada visita de dos micos parlanchines venidos del futuro, que le piden quese quede al cuidado de su hijo César. Al principio no está por lalabor, ¿qué es eso de que los monos hablen? ¡Los monos tienen que comerplátanos, hacerse pajas y olerse los culos los unos a los otros! Pero como Armando es un buen tipo se queda con César y lo cuida como si fuera un hijo (o un sobrino, tampoco hay que exagerar que sólo es un puto mono). Pasados los años, durante una visita a la gran ciudad, César descubre que loshombres utilizan a los monos como esclavos después de que todos los gatos y los perros del mundo murieran a causa de una epidemia (¿¿??) (*). Así queante tanta injusticia César no puede reprimirse y grita eso de “¡cerdoshumanos!” metiendo en un buen lío a su amigo Armando que queda prisionero. Ante tal panorama a César no le queda otra que huir y hacerse pasar por un simio más, pero el muy hijo demona, haciéndose el tonto, en la sombra, comenzará a preparar la revuelta del simio contra el tirano humano, y poco a poco irá instruyendo a sus peludos amigos en su lucha.

(*) Nota del autor: y ustedes se preguntarán ¿qué tendrán que ver los perros y losgatos con la esclavitud? Pues todo tiene una explicación, queridos míos.Los perros y los gatos, esos animales domésticos que podemos encontrar encualquier hogar familiar que se precie, son en realidad unos siervos muyentregados. Yo, sin ir más lejos, tenía un perro que se llamaba Canuto y ésteme lamía los dedos de los pies con un esmero que jamás había vistoanteriormente en ningún animal de compañía. Ya se lo pueden imaginar, después de una dura jornada de trabajome quitaba las botas y los calcetines y lo llamaba… Aquel pequeño Yorkshire Terrierse volvía como loco de contento y se comía toda la mierdecita que tenía entrelos dedos de los píes. Al cabo de los meses Canuto murió. No sé exactamenteporque, pero la palmó. Comenzó a echar espuma por la boca y a convulsionarse. Desdeentonces lo hecho mucho de menos... pero joder, no tenía la pasta suficiente para comprar un chimpancé yesclavizarlo. Así que me eché novia una temporada... pero tampoco funcionó.

REBELIÓNEN LAS ONDAS / PUMP UP THE VOLUME. Allan Moyle, 1990.

Mark Hunter (ChristianSlater) es un chaval normal y corriente (aunque más bien tirando a capullo)que va al instituto. Allí el tío no habla con nadie, ni se relaciona con laschicas de la clase, ni se hace pajas, ni nada… Pero cuando llega a casa la cosacambia. Cuando llega a casa se encierra en su cuarto y se transforma en “Harryel duro”, el protagonista de un programa de radio pirata de máxima audienciaentre la juventud. Todos los chavales lo adoran porque “Harry” les ayuda asobrellevar sus problemas, y a las tías se les humedecen las bragas sólo de oírsu voz. Todas andan como locas intentando averiguar quien es el locutor quetanto las excita, pero gracias a sus gafas y su estilo “pimpollo”, Markconsigue pasar desapercibido y mantener en secreto su alter ego “heroico”. Peroun día… ay… Un día aparece una grouppie(Samantha Mathis) que lo descubre yle ruega que la haga suya y que le enseñe su “pollanillo”. Pero no todo serágloria para esta joven promesa de las ondas, pues muchos de sus consejos ymensajes revolucionarios terminan en desgracia (sirva de ejemplo el nerd que se pega un tiro o la chica quemete sus joyas en el microondas y le explota deformándole toda la puta cara),así que rápidamente la directora del instituto y la policía se ponen tras lapista del misterioso locutor para meterlo una temporada entre rejas. Exquisitapelícula de espíritu alborotador por obra y gracia de Allan Moyle.

LOS MEJORES PARES DE TETAS DEL CELULOIDE: Hoy... Victoria Vetri

2011-11-27T11:19:00.001+01:00

Victoria Vetri

Nacida en San Francisco el 25 de septiembre de 1944, de padres italianos, Victoria Vetri comenzó su andadura en la pequeña pantalla apareciendo puntualmente en series como Bonanza, Perry Mason e incluso Batman, donde mayormente salía acreditada como Angela Dorian. Debido a su belleza y, como no, sus turgentes pechos, apareció como chica Playboy de Septiembre de 1967, y al año siguiente fue nombrada con todos los honores como la Playmate de 1968, siendo una de las conejitas más populares de la guerra del Vietnam. Una de los pequeños papeles que consiguió, fue el de la pobre vecina que conoce Mia Farrow en La semilla del diablo (Rosemary's Baby, Roman Polanski, 1968) y dos años más tarde protagonizó Cuando los dinosaurios dominaban la tierra (When dinosaurs ruled the Earth, Val Guest, 1970), en la que lucía un insinuante bikini compuesto con pieles de animales. También la hemos podido ver, está vez con bastante menos ropa, en los films Group Marriage (Stephanie Rothman, 1973) e Invasion of the Bee Girls (Denis Sanders, 1973), sus dos últimas incursiones en la gran pantalla. Desde entonces ha llevado una vida alejada de las cámaras, hasta que, en octubre del 2010 fue acusada de intento de asesinato por disparar a su marido Bruce Rathgeb, y actualmente cumple una condena de prisión de nueve años al no refutar los cargos por lo que fue imputada. Cuanto sufrimiento existe detrás de estas voluptuosas damiselas, por Dios...

EMPIEZA LA CUENTA ATRÁS...

2011-11-24T23:23:00.001+01:00

"La paradoja de la democracia resulta desconcertante: por una parte, se extiende por todo el globo, pero, por otra, en sociedades democráticas maduras con instituciones muy arraigadas el funcionamiento de éstas produce una considerable desilusión. (...) Las encuestas demuestran que cada vez hay más gente que no se siente vinculada al sistema político o a la que éste le resulta indiferente. (...)

La respuesta está ligada a los factores que han colaborado en la expansión de la democracia: el impacto del capitalismo y la globalización de la vida social."

"A la vista de la influencia de la economía global y de la demanda de mano de obra "flexible", algunos sociólogos y economistas han señalado que en el futuro cada vez habrá más personas que se conviertan en trabajadores de cartera. Tendrán una "cartera con su cualificación" - una serie de capacidades laborales y credenciales - que utilizarán para ir de un empleo a otro durante su vida laboral activa. Sólo un reducido número de trabajadores tendrá una carrera profesional "continua", tal como se entiende hoy en día. De hecho, señalan sus partidarios, la idea de un "trabajo para toda la vida" se está convirtiendo en algo del pasado".

Anthony Giddens, "Sociología" (Alianza Ed., 4ª edición, 2002).

VERSUS: EMPUSA (2010)

2011-11-18T13:52:00.001+01:00

Sinopsis: Abel Olaya, otrora admirado actor de cine, malvive sus días con una penosa jubilación. Sumido en el olvido, se ve obligado a realizar algunos trabajos aprovechando sus dotes adivinatorias que le otorgan su otra gran pasión: las ciencias ocultas. Un día, en un paseo por la playa junto a su amigo Víctor, encuentra en la orilla una mano humana seccionada a la altura del antebrazo y con un raro símbolo tatuado en su muñeca. Pese a la negativa de Víctor, Abel insiste en investigar su procedencia, convencido de que ese extraño símbolo está relacionando con la existencia de las empusas, unos seres híbridos entre vampiros y sirenas capaces de adoptar cualquier tipo de apariencia. Mientras tanto, en la costa aparecen varios cadáveres mutilados sin que la policía encuentre explicación alguna…

Comentario de Lazoworks:

Empusa es una de esas películas que nacen como malditas ya desde su gestación. La sustitución del desaparecido Carlos Aured – otrora realizador de algunas de las obras más representativas del fantaterror patrio junto a Paul Naschy -, por motivos un tanto sospechosos, no hacía augurar demasiadas expectativas respecto a la película. Al parecer, su despreocupación con algunos aspectos técnicos y su lenguaje soez con el equipo (1), fueron los causantes de que fuera despedido en última instancia y sustituido por el propio Jacinto Molina, quien, además de protagonizar y firmar el guión de la película, se encargaría de rodar todo de nuevo con un presupuesto mucho más ajustado (2). Por si esto no bastara, un prematuro “trailer” – que más que un trailer, se podría decir que era un puñado de imágenes del rodaje acompañadas de algunos efectos no muy “especiales” y una atronadora canción heavy -, avivaron los temores de muchos.

Las complicaciones de salud de Naschy, como es lógico, también empeoraron cualquier esperanza de que Empusa fuera medianamente buena. En su última visita al Festival de Sitges el pasado 2009, un Paul Naschy desgastado por su enfermedad, informaba que la película – que en aquel momento se encontraba en fase de post producción – seguía inmersa en algunos problemas. Uno de ellos era que, debido a su precario estado de salud, él mismo no podría doblar sus secuencias. A pesar de que gran parte de la filmografía del actor contaba con doblaje ajeno, aquello suponía otro punto en contra a sumar a esta producción, que terminó ennegreciéndose del todo con la desaparición del actor y realizador madrileño, el 30 de noviembre de aquel mismo año.

Cualquier esperanza de que Empusa pudiera ser la vuelta al fantaterror clásico que se nos anunciaba se esfumó, y la obra póstuma de Jacinto Molina fue rápidamente etiquetada de maldita, comenzando a anunciarse prematuramente por admiradores y detractores como la peor película de uno de los máximos representantes del cine fantástico patrio. Empusa comenzaba de ese modo una carrera comercial que debía sortear, no sólo un rodaje lleno de problemas que han retrasado su estreno, sino además un escepticismo, creo desmesurado, con el que muchos esperábamos esta película; y siendo sincero, el que esto escribe fue uno de los grandes sorprendidos con sus resultados.

Para empezar, creo que Empusa, sin ser perfecta (¿cuántas películas naschyanas lo son?), supone el resurgimiento del mejor Jacinto Molina realizador, guionista y actor (en este último apartado, puede que su interpretación quede eclipsada por su pequeño pero excelente papel en La herencia Valdemar, sin lugar a dudas, lo menos chirriante de la película), después de la desastrosa y olvidable La noche del ejecutor (1992). Su factura, como todo el que la haya visto sabrá, es muy modesta, pero aún así hay que hacer especial hincapié en el buen resultado que logra obtener. El maquillaje, así como la caracterización de los personajes (cosa que en un principio podía hacernos temer lo peor), son verdaderamente efectivos y consiguen salir airosos en una producción de estas características. Su narración no resulta tan atropellada ni farragosa como lo podían ser algunos de los últimos proyectos “made in Naschy”. Los tiempos han cambiado, y las nuevas generaciones buscan otras cosas, así que Naschy, consciente de ello, otorgó al film un aura más jovial, tirando a cómic, repleto de diálogos bastante dilatados y algunos guiños cinéfilos algo gamberros que intentan rememoran de algún modo el cine de Tarantino. Pero muy al contrario que Rojo sangre (2004) – el último guión de Naschy adaptado a la gran pantalla -, Empusa sabe jugar muy bien sus cartas y su narración no resulta tan confusa como en la fallida película de Christian Molina, un film con un presupuesto mucho más elevado pero con un resultado bastante más irregular.

Por otro lado, puede que las interpretaciones no sean muy reivindicables – de hecho, las hay que cantan de lo lindo -, pero sería una injusticia tirar por la borda el papel de Naschy, desempeñando aquí el cargo de (anti) héroe de la función, con un personaje no exento de cierta guasa (puede que involuntaria), al mostrarse a sí mismo como un actor fracasado y experto en esoterismo, que por si fuera poco resulta ser un experimentado bebedor de absenta y, a pesar de su edad, todo un putero. Antonio Mayans, que hace de amigo pescador de Naschy en un papel con reminiscencias nada disimuladas al colega zombificado que interpretó Griffin Dune en Un hombre americano en Londres (An American Werewolf in London, 1981), también resulta convincente, así como Saturnino García haciendo las veces de vampiro clásico en un pequeño papel cómico. Del plantel de jóvenes actores cabría destacar el magnetismo y belleza de Laura de Pedro como la reina de las empusas; sin lugar a dudas, todo un descubrimiento y, porque no decirlo, una posible scream queen que bien podrían llegar a ser la nueva Soledad Miranda del fantaterror español.

En Empusa también están presentes muchas de las manías que han caracterizado la filmografía del astro madrileño, como el erotismo y las ceremonias sangrientas, además de algunos elementos autobiográficos que ha utilizado en el último tramo de su carrera. Pero quizá el elemento más reivindicable de Empusa podría estar constituido por la novedosa utilización del humor que Naschy otorga por primera vez a una película de corte fantástico dirigida por él mismo. Como ya se ha apuntado con anterioridad, Naschy buscaba un público más amplio, por ello no es de extrañar ese toque gamberro y socarrón que se da en la película, llegando a parodiar al Van Helsing de Stephen Sommers (una de las mayores decepciones que ha dado el cine de terror de los últimos años).

En lo que respecto a su metraje, se nos puede antojar algo dilatado (107 minutos), y por lo tanto como otro punto que juega en su contra, pero al menos un servidor disfrutó con ella de principio a fin ya que, a pesar de estar repleta de algunos momentos innecesarios y que no vienen a cuento, se hace amena y para nada aburrida. Empusa es muy entretenida y sensual, dos puntos que hacen su visionado más llevadero, y su falta de pretensiones y su estética naïf desembocan en un humor que, ya sea voluntario o no, la hacen terriblemente divertida.

Está bien, como se ha dicho incansablemente, Empusa no es la mejor película de Paul Naschy. Puede que en el apartado técnico hallemos algunos fallos garrafales -como, por ejemplo, ver la sombra de las cámaras en el rostro de los actores -, y que algunos de los diálogos que la componen sean el súmmum del absurdo y la desfachatez. Pero que quieren que les diga, obviando algunos de estos fallos técnicos -que repito, (casi) siempre se han dado en su filmografía -, y con la mente bien abierta, un espectador inquieto y curtido en este tipo de cine puede disfrutar de buena ley con las peripecias de este anti héroe llamado Abel Olaya, su “torpedo” y esas atractivas vampiras mitad gaviotas que provienen del folclore griego. No es su mejor película, desde luego, pero tampoco la peor, faltaría más (y quien diga que lo es, es que no ha visto alguna de sus últimas películas como realizador).

Puede que los únicos errores de verdad se encuentren en el tramo final de la película. Un último plano que “aclara” innecesariamente toda la historia narrada y que, por consiguiente, destroza ese aura embriagador que se respira durante el film, echa por tierra gran parte de sus aciertos. Pero sobre todo, ese huérfano “in memoriam” que precede a los créditos finales, en el que tan sólo aparece el nombre de Paul Naschy, son esas cosas que hacen que muchos sientan ciertos reparos con Naschy y su cine. Un cine pionero no sólo en nuestro país sino en el resto del mundo. Un cine que como todo el mundo sabe, está lleno de errores. Aunque lamentablemente algunos de ellos duelan de verdad. Y no me refiero, claro está, a fallos de raccord y demás. Esas cosas se pueden llevar bien.

(1) Mª Jesús Solina, una de las actrices que han intervenido en Empusa, defendió la labor del director en el pase de la película en la segunda edición de Horrorvisión (BCN), y a pesar de corroborar que, efectivamente, sus labores como realizador dejaban mucho que desear, afirmó que Aured se portó muy bien con ella.

(2) Según conversación personal con el propio Naschy durante el Festival de Sitges del 2007.

Comentario de José Luis Salvador Estébenez

El destino quiso que dos de los últimos trabajos de Paul Naschy antes de su fallecimiento fueran un par de proyectos tan similares y, a la vez, tan diferentes como La herencia Valdemar y Empusa. Una coincidencia de lo más significativa por cuanto cada uno de ellos simboliza la mitad de una dualidad más o menos latente a lo largo de la trayectoria del actor y cineasta madrileño, con el irónico añadido de que la primera se trata de una obra ajena y la segunda propia. Así, el díptico escrito y dirigido por José Luis Alemán vendría a representar lo que el cine de Naschy aspiró a ser en términos industriales y rara vez consiguió alcanzar. Esto es: grandes medios, ambiciosos planteamientos comerciales y la consecución de un empaque ornamental equiparable al de las principales casas de terror clásico, léase la A.I.P., la Hammer y la Universal. Empusa, en cambio, refleja como en no pocas ocasiones tan loables intenciones acabarían traduciéndose en productos realizados en precarias condiciones, condenados de antemano por las circunstancias en las que fueron concebidos, y solo llevados a buen puerto por la admirable constancia y entrega que el creador de Waldemar Daninsky puso siempre en todos y cada uno de sus trabajos. Films, en definitiva, más recordados por la épica que entrañó su realización que por sus verdaderos valores cinematográficos, pero que, sin lugar a dudas, contribuirían de un modo decisivo a la construcción del mito Naschy.

En este sentido no puede obviarse que desde su mismo origen Empusa aspirara a convertirse en una pieza de culto. Ya en las primeras informaciones aparecidas en torno a su existencia se remarcaba el hecho de que fuera a suponer el reencuentro treinta años después entre Paul Naschy y el que fuera el director de algunas de sus películas más emblemáticas, Carlos Aured, quien volvía así a ponerse detrás de las cámaras tras algo más de dos décadas alejado de la profesión. Sin embargo, las cosas no tardarían en torcerse, y lo que se anunciaba como un idílico retorno a los años dorados del fantaterror hispano de mano de dos de sus principales artífices, acabó derivando en una experiencia traumática para todas las partes implicadas. Apenas habían transcurrido las dos primeras semanas de rodaje cuando Aured abandonaba el barco, sin que en aquel momento quedaran demasiado claros cuales fueron los términos en los que se produjo dicha ruptura. A decir de la versión oficial, el descontento con el trabajo de Aured, unido a las malas maneras con las que, al parecer, se dirigía al resto del equipo, hizo que en un intento por reconducir la situación los productores le impusieran a Naschy en calidad de codirector, extremo que el murciano no aceptaría, propiciando así su marcha. Con Aured fuera, Naschy asumiría en solitario la realización de la película, por entonces llamada Las gaviotas, retomando una labor que no ejercía desde 1992 con la inefable La noche del ejecutor. Una vez en el cargo, una de sus primeras decisiones pasaría por descartar todo el material filmado por Aured al considerarlo inservible, reiniciando el rodaje desde cero con el hándicap de contar con un presupuesto mucho más reducido del inicialmente asignado.

Sin mayores contratiempos, pero con una retahíla de anécdotas que harían las delicias de cualquier admirador de nuestro licántropo patrio, la filmación sería completada a finales de agosto de 2007. Haciendo gala del ímpetu que le caracterizaba, pocos meses más tarde Naschy presentaba en varios festivales especializados una especie de tráiler de quince minutos de duración. La mala acogida con la que fue recibido este primer adelanto motivaría que Naschy y sus colaboradores optaran por rehacer la película nuevamente en la sala de edición. Este periodo coincidiría con la aparición de los primeros síntomas de la enfermedad que acabaría con la vida de su principal artífice, dilatando el proceso en el tiempo mucho más de lo esperado. Su delicado estado de salud impediría a Naschy participar en las sesiones de doblaje, donde, al igual que en su época de esplendor, pero por razones radicalmente distintas, sería sustituido por un actor especializado, si bien aún tendría las fuerzas necesarias para supervisar el montaje y las mezclas definitivas, según indica Ángel Mora, productor ejecutivo de la cinta. Cuando por fin parecía que la película iba a concluir su larga travesía del desierto, una nueva tragedia se interpondría en su camino; el 30 de noviembre de 2009 la persona bautizada como Jacinto Molina Álvarez fallecía a los setenta y cinco años de edad víctima de un cáncer de páncreas, pasando Empusa a convertirse en su obra póstuma.

Debido a toda esta serie de vicisitudes, a las que cabe añadir la repentina muerte de Aured prácticamente después de su salida del proyecto, Empusa no ha tardado en ser etiquetada como una “película maldita”. Una consideración alimentada por sus propios responsables, quienes, en un intento por dotarle de esa pretendida aura de “film de culto”, han comparecido en distintos medios de comunicación, platós televisivos incluidos, achacando el cúmulo de desgracias personales vividas a un supuesto mal fario, en una reprobable actitud amarillista que en su interior escondía una mal disimulada maniobra publicitaria. Tales esfuerzos no han impedido que, a día de hoy, Empusa permanezca pendiente de cualquier tipo de distribución comercial. Mientras espera a que esto ocurra, ya ha podido ser vista en distintos certámenes y muestras cinematográficas de dentro y fuera del país, cosechando por lo general críticas bastante negativas. Tanto es así que el entorno más próximo a Naschy, tan dado al elogio gratuito, se ha apresurado a desmarcarse del fruto resultante, declarándole la peor película jamás realizada por su ídolo. Una aseveración quizás un tanto exagerada a poco que se conozcan films como Operación Mantis o la referida La noche del ejecutor, pero que expone bien a las claras lo fallido del producto, máxime en comparación con las expectativas creadas.

Resulta innegable que muchos de los defectos que presenta Empusa a nivel formal pueden ser fácilmente atribuidos a lo accidentado de su confección. Pero, aunque así fuera, no menos cierto es que tanto estas como el resto de deficiencias que arroja su acabado son consecuencia directa del que fuera su alma mater. Primero, por la enfermiza necesidad de rodar que mostró en la última etapa de su carrera, y que le llevó a participar en prácticamente cualquier proyecto que se le pusiera por delante por muy descabellado que este fuera, sin importarle el efecto (negativo) que pudiera ejercer en la valoración global de su filmografía. Y es que, por mucho que en su momento Empusa fuera anunciada como el titulo inaugural de una nueva factory consagrada a desarrollar cintas de terror “made in Naschy”, quien más quien menos sabía que, en realidad, se trataba de una producción que bordeaba peligrosamente lo amateur y cuya salida comercial se adivinaba cuando menos comprometida, como así ha acabado sucediendo. Ante este panorama, uno no puede evitar preguntarse qué necesidad tenía Naschy a estas alturas de meterse en semejantes fregados, sobre todo después de haber sufrido con anterioridad una experiencia similar de la que saldría escaldado con El aullido del diablo, film con el cual el que nos ocupa comparte otras curiosas sincronías.

Como en aquél, el guion de Naschy conjuga los elementos ficticios con los apuntes autobiográficos. De nuevo, el protagonismo de la historia recae en un viejo actor que, pasados sus años de gloria, vive su senectud sumido en el más absoluto de los olvidos. La diferencia radica en que si en El aullido del diablo o Rojo sangre esta especie de alter ego era utilizado por Molina para exorcizar sus fantasmas y, de paso, arremeter contra aquellos que habían puesto en duda su talento y su valía, aquí es presentado bajo un perfil satírico. Lejos de la nostalgia que en última instancia guiaba los criminales pasos de sus émulos, el tal Abel Olaya, que así se llama nuestro protagonista, no parece extrañar en nada sus tiempos de estrella, erigiéndose en todo un bon vivant que consume sus días entre tragos de absenta, comidas copiosas, escarceos amorosos y prácticas de ocultismo con las que ganarse la vida.

Pero lo que en un primer momento pudiera antojarse una curiosa visión paródica del personaje por él mismo acuñado a lo largo de los años queda en agua de borrajas debido a su proverbial falta de autocrítica, auténtico talón de Aquiles de su cine. Así, pese a la caricaturización de la que es objeto, dicho rol no rehúsa varios de los atributos inherentes a los papeles escritos por Naschy para sí mismo. De entre ellos, tal vez el mejor ejemplo se encuentre en el magnetismo sexual que hace que, pese a tratarse de un setentón de estrafalario aspecto, no tenga mayores dificultades en encandilar y hasta compartir cama con atractivas veinteañeras. Esta misma falta de autocrítica también se deja notar en su adopción, quién sabe si movido por las circunstancias, de una narración de tono cómico, cuando sus anteriores incursiones dentro del género habían dejado meridianamente claro que la comedia no era lo suyo. Y así ocurre. Como era de esperar, el metraje de Empusa transita entre los márgenes de lo pueril, lo grotesco y lo ridículo, con la sospecha asociada de hasta qué punto la hilaridad que desprenden varios de sus pasajes puede no ser voluntaria.

Así las cosas, el único punto que consigue arrancar algún interés dentro de tan desvaído producto se concentra en la desaprovechada configuración de las criaturas que le dan título, una especie de chupasangres primigenios procedentes de la mitología griega y, por tanto, precristrianas, contra los que los métodos tradicionales para acabar con estos seres se revelan del todo inútiles. Pero ni esta novedosa reformulación de la imaginería clásica del vampiro, ni los continuos guiños destinados a los aficionados en forma de machaconas referencias a nombres propios del género, consiguen aportar mayor valor que el anecdótico a sus resultados finales. Triste punto y final pues para la carrera de uno de los pocos mitos a nivel mundial que ha originado nuestra industria, pero en la que, paradójicamente, se encuentran encerradas no pocas de las claves para desentrañar y comprender su obra, y con ello, su controvertida figura.

Aparecido en La abadía de Berzano

EL VERDADERO "SEXTO SENTIDO"

2011-11-13T16:03:00.001+01:00

Bruce Willis utilizando su "sexto sentido" al final de la película de M. Night Shyamalan.

"El sexto sentido como título genérico en psiquiatría es muy sugerente, ya que por ejemplo, a comienzos del año 2005 un grupo de investigadores de la Universidad de St. Louis publicó en la revista "Science" un artículo en el que afirmaban haber conseguido ubicar en alguna zona de la corteza cerebral humana (concretamente en la zona del cíngulo) el Sexto Sentido. Según estos investigadores existen un sistema de alarma que se activa en nuestro cerebro siempre que se percibe que alguna situación es falsa".

Dr. F. J. Otero Pérez en Cine y psiquiatría (década de los 90), acerca de El sexto sentido (M. Night Shyamalan, 1999).

"En este estudio donde los investigadores convocaron a varios jóvenes sanos para resolver cierto ejercicio frente a una computadora y monitoreados mediante una resonancia magnética, demostraron que la corteza cingulada anterior es más efectiva al advertir a nivel inconsciente que alguna cosa no va bien, que si actuamos de tal manera puede tener serios efectos o que el ambiente en el que nos encontramos es, de manera imperceptible, distinto del acostumbrado y puede registrarse una sorpresa.
La corteza aprende a sentir el engaño y se pone en acción advirtiendo a la persona para que cambie de inmediato su comportamiento . El individuo no toma consciencia de este cambio pero sus reflejos mejoran y esto en la vida real significa que el sistema endógeno hizo sonar la alarma a tiempo para evitar cometer un error".

Fuente: http://www.elkiosko.com.mx/el_sexto_sentido_ubicado_en_el_cerebro.htm

THE HUMAN CENTIPEDE II: FULL SEQUENCE (2011): LLAMADME ENFERMO

2011-11-08T23:25:00.004+01:00

Hostia, si, soy un puto enfermo. En serio. Cuando vi The Human Centipede: First Sequence hace un par de años en el Festival de Sitges, me quejaba porque apenas había una cagada en toda la película... Perdón, tal vez debería empezar por el principio porque puede que alguno no sepa de lo que estoy hablando... El primer "human centipede" iba de un mad doctor especializado en separar siameses, que un buen día decide secuestrar a un japonés y dos lindas damiselas, y les cose la boca al culo del otro. Es decir, a base de aguja e hilo, crea un ciempiés humano. La película prometía escenas fuertes y coprofagia por un tubo, pero lamentablemente la cosa terminó siendo algo bastante "suave". Entiéndanme, era la película "más bestia del festival" y yo me esperaba algo realmente demoledor (aunque de ser así, tal vez no la hubiera aguantado). Después de otro visionado, eso si, algo más calmado y sabiendo lo que iba a ver, encontré que The Human Centipede 1 era mucho más siniestra de lo que pensaba y que además tenía un humor negrísimo que le otorgaba muchos puntos a su favor.

A ver si lo entienden: el mad doctor le cose la boca (abierta) del sujeto B al ojete del sujeto A, y la boca del sujeto C en el del B. Et voila, "el ciempiés humano".

Así pues, como no podía ser menos, la primera secuela de este film (en teoría habrá una tercera parte), dirigido y escrito de nuevo por Tom Six, se me antojaba cuanto menos curiosa y de obligada visión. Pero entonces... una preguntita me vino a la sesera de inmediato: Si el Centipede 1 se quedaba a medias en lo explícito de la premisa, ¿Six continuaría por el mismo camino o se decidiría a llevar hasta las últimas consecuencias aquello del culo-boca o ano-fauces?

Para empezar, nada más comenzar la película me encuentro con una cosa bastante curiosa: esta secuela está rodada en blanco y negro - cosa que, visualmente, la aleja bastante de la primera -, y empieza con el final del Centipede 1. Incluso aparecen los títulos de crédito finales... Por un momento me pregunto "¿qué coño pasa aquí?", pero enseguida me doy cuenta de que lo que pasa es que un energúmeno que trabaja en un parking la está viendo en su ordenador portátil. El tío es todo un especialista de la película y la ha visto cientos de veces. Así que, como buen fan de The Human Centipede, decide crear su propio cienpies humano y va raptando a algunos de los clientes del parking.

Ah... Casi lo olvidaba... ¡¡Es tío del parking pone los pelos de punta!! Es una especie de gordo inexpresivo (no dice ni una sola palabra durante el film) que parece una mezcla de Peter Lorre y Phillip Seymour Hoffman, pero aún más feo. Además, apenas mide metro y medio, lleva unas gafas de estas medio de los ochenta, su papá le "tocaba", su médico le intenta "tocar" (ese guiño a la Naranja mecánica), se hace pajas con papel de lija e intenta - como buen fanboy de Human Centipede 1 -, vender un guión nuevo para una secuela. Pero es que el gran acierto de esta nueva entrega es que se centra única y exclusivamente en el malvado y de las "piezas" del ciempiés apenas se sabe nada... excepto de una de ellas que es una de las protagonistas de la primera: Ashlynn Yennie. Aunque gracias a Dios, sólo sale al final y no desvía la atención de quien de verdad interesa en la película: Martin. El puto enano cagón.

Esta si es que es la película que yo me imaginaba que sería la primera (que coño, incluso es mejor de lo que imaginaba), un auténtico ejercicio de mal gusto lleno de humor negrísimo y descacharrante (¡¡viva ese momento en el que Martin se encuentra al barbudo de su médico en el parking con una puta, el del vecino cabrón que pone la música a tope o ese otro en el que una embarazada da a luz en el coche y debe escapar del maniaco!!), con una decena de cagadas (con reacción en cadena incluida) y mierda salpicando a la cámara. ¡Eso es lo que tiene que ser esto del Human Centipede, joder! Ahora si. Vale, me gustaba la primera pero esta es impresionante.

La verdad es que la vi este domingo pasado por la mañana (sin haber desayunado) y se me revolvieron las tripas, pero que quieren que les diga, me resultó tan enfermiza, aterradora y divertida, que creo que me costará mucho poder olvidarme de su protagonista, Martin, un soberbio Laurence R. Harvey que no sé de donde cojones ha salido, pero mola. Y es que incluso tengo ganas de volver a verla.

LA RISA INVOLUNTARIA: EL EQUIPO AGG! (1989)

2011-11-03T23:07:00.003+01:00

Bueno, antes que nada me gustaría dedicar esta nueva entrega de "La risa involuntaria" a "Almigmon", al que, ya de paso, le doy un consejo, le hago una petición o un ruego (que se lo tome usted como quiera, señor): ¡¡monte un blog, amigo, debe ser muy interesante saber lo que nos puede enseñar!! Y por supuesto, muchas gracias por sus palabras de apoyo hacia este lúgubre blog. Pues bueno, como sabrán por la carátula, hoy vamos a tratar la película "El Equipo Agg!", una suerte de parodia del "Equipo A" que, a pesar de contar con el gran Antonio Ozores como actor y co-guionista, se podría decir que no tiene gracia ninguna. Bueno, mentira, la tiene, pero por otros motivos mucho más trágicos... El responsable de tal desaguisado es, ni más ni menos que Jose Truchado, actor que hemos podido ver en films como "La lengua asesina", "Licántropo: el asesino de la luna llena" o "El secreto del Dr. Orloff", además de ser el productor de ¡"Hundra"!, ni más ni menos. Aparte de Ozores, en este film interviene Máximo Valverde, Freda Lorente, Pepe Álvarez, Juanito Navarro y... ¡Kimbo! Ah... casi lo olvidaba: y también aparece por la película una furgoneta, una furgoneta blanca. La típica Mercedes... De esas de la obra... No se lo pierdan. Trágica, cómica, sin comparación: "El Equipo Agg!".

El gran Kimbo os dice, "hasta la próxima amigos"...

"AMOR DE MADRE": El extraño amor de Jason Voorhees

2011-10-29T10:42:00.000+02:00

Cuando a alguien se le pone el ejemplo de Jason Voorhees, puede opinar que se trata de un ser despiadado que, tras ahogarse en el lago por culpa de la ineptitud e irresponsabilidad de los tutores de un campamento de verano, jura vengarse de todos los jovenzuelos que pisan Crystal Lake, el lugar donde ocurrió la desgracia. Pero, ¿realmente Jason Voorhees es tan despiadado como aparenta ser? ¿Es un monstruo que no siente amor alguno? O, formulando la pregunta de otro modo, ¿Jason Voorhees amó alguna vez?

Si partimos de la primera entrega de la saga, Viernes 13 (Friday the 13th, 1980) de Sean S. Cunningham, descubrimos que quien inició su leyenda fue su propia madre, la Sra. Pamela Voorhees (Betsy Palmer), quien, movida por el dolor de la perdida de su hijo en 1957, decide asesinar a unos muchachos que, pasados los años, pretendían reabrir el campamento de Crystal Lake. Los chicos, jóvenes y vigorosos, como tantos otros de su edad, encuentran en el sexo (y las drogas) una de sus principales fuentes de placer y, aunque no se pueda asegurar que sean malos chicos, si que se podría decir que constituyen un peligro para cualquier crío que en un futuro pisara Crystal Lake. Ellos, al igual que los anteriores tutores que dejaron morir a Jason en 1957, prefieren pasar un buen rato en vez de estar al cuidado de los niños, la principal función por la que están ahí. Es por ese motivo que en 1962 dos tutores fueron asesinados mientras hacían el amor (o, simplemente, practicaban un poco de sexo). Este hecho, por supuesto, no originó ningún triste accidente como el ocurrido años atrás, pero si que supuso, en cierto modo, un acto del todo imprudente. La pareja se aleja del grupo y, escondidos en un granero, deciden copular como meros animales cuando son sorprendidos por el asesino que, en este caso y gracias a la cámara subjetiva (un recurso muy utilizado en este género), nos compromete a nosotros mismos. En ese momento, además de espectadores y testigos, nos convertimos en jueces de lo que este par de mozalbetes están haciendo y verdugos de lo que les va a ocurrir. Así que, aunque lógicamente jamás haríamos nada parecido, disfrutamos castigando la negligencia de sus actos.

Recordemos que el “tierno” Jason que murió en aquel lago, era un niño disminuido psíquico y físico que no sabía nadar. Por lo tanto, nadie en particular ahogó “conscientemente” al muchacho, sino que fue la poca profesionalidad de los tutores (que en aquel momento, según se nos cuenta, estaban entregados al placer de la carne) y su irresponsabilidad la que lo ahogó. Es decir, lo que mató a Jason fue, precisamente, la inconsciencia de aquellos chicos. Pero siguiendo esta misma explicación, y teniendo en cuenta que la Sra. Voorhees también era una de las trabajadoras del grupo y se encontraba en el campamento, uno también podría preguntarse, ¿dónde estaba ella cuando ocurrió todo? ¿Por qué desatendió a su hijo sabiendo que era disminuido y, lo más importante, no sabía nadar? La explicación nos la da, o más bien nos la intenta dar, ella misma al final de la película: “yo estaba preparando la comida, aquí, era la cocinera… ¡Deberían haber vigilado a Jason cada minuto! Él no… sabía nadar muy bien”. Posiblemente, atendiendo a sus palabras, podríamos pensar que, además de sufrir por la perdida de su hijo, la Sra. Voorhees tenía un claro sentimiento de culpa pues, aunque lo achaque todo a la inconsciencia de sus compañeros, puede que en lo más profundo ella misma no se hubiera portado como una madre ejemplar. No por menos, una vez se justifica, tiene una visión en la que ve a su hijo ahogándose y llamándola, y ella, inmersa en sus pensamientos, le contesta, “ya voy hijo, ya voy”. Está claro que aniquilando a los que se adentran en el campamento de Crystal Lake, la Sra. Voorhees intenta prestar el auxilio que no le dio a su hijo aquel fatídico día: un viernes 13. El día, además, de su cumpleaños. Sea como fuese y por mucho que le busquemos los tres pies al gato, se podría concluir diciendo que, pese a sus errores, Pamela Voorhees tampoco fue una mala madre. Sobretodo si tenemos en cuenta que Jason jamás le recriminó nada, ni mostró ni un ápice de rencor hacía su progenitora, más bien todo lo contrario. Jason profesa a su madre lo que parece ser un amor enorme e incondicional… aunque enfermizo, claro está. Esto nos lleva a la pregunta inicial, ¿Jason Voorhees amó alguna vez? Puede que si, a su madre. Pero intentemos concretar un poco más.

Si cogemos como ejemplo una de las obras platónicas por excelencia, El banquete, donde un grupo de filósofos, entre los que se encuentra el mismísimo Sócrates, comienzan a reflexionar entorno a lo que ellos entienden por amor, puede que encontremos más pistas sobre los verdaderos sentimientos de Jason, si es que los tiene o alguna vez los tuvo.

-El primero en realizar su discurso sobre el amor es Fedro, que explica que con el amor -según él, el dios más antiguo -, un hombre puede ser feliz no sólo durante su vida, sino incluso después de su muerte, pues “el que ama tiene un no sé que más divino que el que es amado, porque en su alma existe un dios”. Fedro además apunta que los amantes son capaces de morir el uno por el otro, pues “no hay hombre tan cobarde a quien el Amor no inspire el mayor valor y no le haga semejante a un héroe”. Siguiendo estas explicaciones, ¿se podría decir que Voorhees sería capaz de dar la vida por su madre? Pues tal y como hemos apuntado anteriormente, Jason Voorhees no fue quien inició la venganza contra los jóvenes que acampan en Crystal Lake, sino su progenitora. No es hasta que ésta muere cuando Voorhees decide continuar su cometido y aniquilar al igual que ella a cualquier persona que ose plantarse en su territorio; aunque, por supuesto, no lo haría sin antes acabar con quien mató a su madre, Alice Hardy (Adrienne King), quien de ese modo se convertirá en su primera víctima. Aunque aquí encontramos una contradicción muy suculenta. Si recuerdan, en la primera parte de Viernes 13, Pamela Voorhees emulaba la voz de su hijo como si éste se hubiera apoderado de ella o como si simplemente la utilizase para comunicarse. De ese modo Pamela parecía obedecerlo, pues éste le decía: “mátalos, mamá, mátalos”. Parece harto complicado saber si Pamela Voorhees hacía caso a los verdaderos designios de su hijo, con el que se comunicaba desde el más allá, o que sencillamente, estaba como una regadera y escuchaba voces, algo bastante probable, sobretodo si atendemos al trauma que debió vivir la susodicha aquel viernes 13 de 1957. Más adelante arrojaremos algo de luz a esta incógnita, no teman.

Volviendo al tema que exponíamos, lo que es seguro es que a Jason no le ha importado jamás ser disparado, acuchillado o golpeado con un hacha, por luchar por lo que él amaba: su madre. A él no le importó su “muerte”, sino la de su progenitora, por lo tanto, y pese a quien pese, valentía jamás le ha faltado. Pero entonces, ¿gracias al amor que Jason ha demostrado profesarle a su madre – vean sino que aún después de haber muerto cientos de veces, continúa erre que erre impartiendo su ejemplo – se ha convertido en un héroe? Pues a su manera, puede que si. Jason Voorhees no es bueno, pero tampoco se podría decir que sean unas espléndidas personas la mayoría de escoria a la que liquida: porreros, viciosos, juerguistas, bromistas que no se toman nada en serio… Pero pongamos un claro ejemplo en el que Jason Voorhees actúe como un auténtico héroe de verdad. Si nos situamos en la octava parte de Viernes 13, titulada Viernes 13 parte 8: Jason vuelve… para siempre (Friday the 13th Part 8: Jason takes Manhattan, 1989) de Rob Hedden, comprobaremos que después de aniquilar a toda la tripulación de un barco y llegar a Nueva York persiguiendo a la protagonista por las calles de Manhattan, Jason Voorhees salvará a ésta cuando caiga en las garras de un grupo de maleantes que planean inyectarle un poco de heroína para después violarla. Jason Voorhees llega justo por los pelos y, lejos de dejar que los malos malotes lleven a término sus planes, decide castigarlos salvando de ese modo a la chica. Bueno, momentáneamente, pues un poco más adelante volverá a perseguirla con las mismas intenciones de antes, es decir, con la intención de asesinarla.

Visto lo visto, suponemos que, dentro de su “lucha”, Jason Voorhees tiene una escala de valores a seguir. Puede que la mayoría de nosotros simplemente crea que Jason quiere matar personalmente a la chica, y de ahí que la salve de los quinquis pero, como hemos visto, lo que él combate es la inconsciencia de las personas, y dentro de esa inconsciencia existen, como no, diferentes niveles; no es lo mismo intentar dar muerte a una chica que está peleada con su padre – por cierto, separado -, y que se “enamora” de un apuesto jovencito – un mal menor -, que dar muerte urgentemente a una pandilla de berracos que pretenden violar por la fuerza a ésta, pues como vemos, el nivel de inconsciencia y peligrosidad es superior. Pero pese a que ha seguido férreamente y durante muchos años (concretamente, desde 1981 a 2455, y puede que incluso más adelante) las enseñanzas de su madre y las ha impartido sin tregua, ¿se podría decir que Jason ha conseguido la felicidad que, tal y como decía Fedro, puede conseguir el que ama? Dado su carácter, más bien inexpresivo y fantasmagórico, es muy difícil averiguarlo, pero es indudable que el amor que sentía hacia su madre lo hizo inmortal. Ese deforme escondido tras una máscara de hockey continuará eternamente vengando e impartiendo las enseñanzas (lamentablemente, criminales) de su madre. Y cuando digo eternamente, es eternamente. Jason jamás morirá mientras siga habiendo personas que, tal y como hemos apuntado más atrás, pongan en peligro la vida de los demás con su negligencia e irresponsabilidad. Pero sigamos con el siguiente filósofo de El banquete de Platón.

-Después de Fedro continúa Pausanias que, no conforme con lo que expuesto por éste, explica que no existe solamente un tipo de amor, sino dos. Un amor anciano (la Venus celestial), tal y como había dicho Fedro, y además un amor joven (la Venus popular). La diferencia entre ambos estriba en que el amor de la Venus celestial se preocupa por amar aspectos más espirituales como la sabiduría, mientras que el amor de la Venus popular da preferencia al cuerpo, es decir, al sexo, y no al alma. Por consiguiente, sabemos que Jason Voorhees, casto y puro desde su nacimiento (o eso creemos), si tuviera que sentir algún tipo de amor, estaría más cercano al de la Venus celestial que al de la popular, ya que huelga decir que no hay cosa que más haga enfadar a Jason que ver una parejita copulando, es decir, entregándose, al menos a simple vista, a la Venus popular. Pausanias dice, además, que se debería de prohibir el amor de la Venus popular, pues esta inclinación amorosa podría derivar hacia el vicio en lugar de a la virtud, y conlleva una perdida de tiempo. El amor carnal, por llamarlo de otra forma, ama algo pasajero, el cuerpo, algo que no durará eternamente pues envejece; mientras que el amante del alma – el de la Venus celestial -, se mostrará fiel durante toda su vida porque lo que ama no muere nunca. Entonces, quizás el único cometido de Voorhees no sea más que impedir que los chicos se dejen llevar por el amor carnal, en pos de un amor más cercano al que pudo sentir él hacia su madre: un amor incondicional que se aleja totalmente de la superficialidad del sexo. Si, Jason tiene unas formas un tanto toscas de “enseñar” a la gente, pero bien podría ser así, ¿no?

Pues lamentablemente no creemos que así sea. Según nos cuenta Pausanias, el amor no puede ser hermoso si no es honesto. “Nada es bello”, dice Pausanias, “sino que depende de la manera en que se hagan las cosas”. Por lo tanto, matar a la gente no parece ser una manera honesta, ni bella de prohibir que las personas se entreguen a la Venus popular. Pero tal vez me esté precipitando… Vayamos al siguiente discurso, esta vez expuesto por Erixímaco, que además es médico.

-Erixímaco les cuenta a sus compañeros el amor desde el punto de vista de "su arte, la medicina" (sic). Erixímaco cuenta que es difícil hallar el amor sino existe una armonía. Sí, tal y como hemos comentado, existen dos amores, uno celestial y otro carnal (o popular), es muy difícil encontrar una consonancia entre ambos, pues a primera vista son opuestos. Pero no por ello significa que dicha unión sea imposible. Erixímaco pone como ejemplo las estaciones del año: “siempre que los elementos, (…),lo frío y lo caliente, lo húmedo y lo seco”, a primera vista contrarios, “componen una debida y templada armonía, el año es fértil y es favorable a los hombres, a las plantas y a los animales, sin perjudicarles en nada. Pero cuando el amor intemperante”, prosigue, “predomina en la constitución de las estaciones, casi todo lo destruye y arrasa; engendra la peste y toda clase de enfermedades que atacan a los animales y a las plantas; y las heladas, los hielos y las nieblas provienen de este amor desordenado de los elementos”. Pues bien, está claro que en lo que respecta a la armonía, poca podemos encontrar por los parajes de Crystal Lake, pues según Erixímaco es posible disfrutar de un amor corporal junto con el de un amor celestial, siempre y cuando exista un mínimo de armonía y ese cuerpo no esté enfermo, es decir, no esté depravado y esté “animado por una pasión desordenada”. Y es que el caso de Crystal Lake es bien curioso, pues no sólo no encontramos un equilibrio en el terreno sexual, sino que, por parte de Jason, tampoco lo encontramos en el del (amor) celestial. La depravación que existe en dicho campamento en lo que se refiere al sexo es tan insana, como la que el cegado Jason dedica a su preciada madre. Por lo tanto, ambos casos, tal y como hemos visto, son peligrosos; aunque un amor hacia lo celestial desorbitado y exagerado constituye un peligro mayor que el que pudiéramos encontrar en la inconsciencia de dos tortolitos que por la noche fornican a la lumbre de la chimenea. Los médicos como Exirímaco pueden ser la solución, efectivamente, pues introducen el amor allá donde hace falta y lo quitan de donde sea perjudicial, así que, viendo como van las cosas, cabría decir que allí en Crystal Lake hace falta una legión de galenos para poner un poco de orden y armonía en ambos lados. Aunque hacérselo a entender a Jason no parece una tarea muy sencilla que digamos…

-Vayamos, pues, con el cuarto de los filósofos: Aristófanes, que explica que el amor proviene de la división primitiva de un único ser que, por castigo de Júpiter, fue separado en dos mitades. Estas dos mitades derivó en el estado actual de los seres humanos quienes, como apunta Aristófanes, se pasan toda su vida intentando encontrarse los unos a los otros; es decir, buscando a la mitad correspondiente del ser primitivo que fueron. Aristófanes sugiere de ese modo que los hombres sólo podrán conseguir ser felices volviendo a su unidad primitiva por naturaleza. Pero como si buscar a tu “otra mitad” no fuera una tarea de por sí difícil, Aristófanes nos lo pone aún más complicado al explicar que primitivamente existían tres tipos de hombres (provistos de cuatro brazos y cuatro piernas): los dos sexos opuestos y un tercero, llamado andrógino, compuesto de ambos. Sin entrar demasiado en materia, pues no queremos desviarnos de lo que nos interesa, Aristófanes conviene que esa difícil búsqueda nos puede llevar al amor popular o al celestial que decía Pausanias, dependiendo de la mitad con la que vayas a parar. Es decir, si la unión que se da es errónea o no. Por lo tanto, si seguimos la trayectoria criminal de Jason, podremos comprender sus actos: Jason busca, efectivamente, su otra mitad, pero no sólo eso, busca además el único vestigio de amor que una vez obtuvo, el de su madre. Un amor, efectivamente, celestial. Puede que todos estos asesinatos no sean más que un modo, no de encontrarla, ya que murió -aunque resucitó brevemente, como susto final, en la tercera parte de Viernes 13, Viernes 13 3ª Parte(Friday the 13th Part 3, 1982) de Steve Miner, para no volver a aparecer nunca más -, sino de sentirse próximo a su cariño, a su amor enfermizo. Jason mata y continuará matando hasta que su madre le diga que ya es suficiente. Vean sino como en la segunda parte, Viernes 13 2ª Parte (Friday the 13th Part 2, 1981) de Steve Miner, Ginny Field (Amy Steel) cogía “prestado” los ropajes de la madre de Jason y se hacía pasar por ella. “Todo está bien, Jason. Lo has hecho bien y todo ha terminado”, le dice, “mamá tiene un premio para ti”. Jason, veía entonces la imagen de su madre y se mostraba sumiso hasta que, lamentablemente para Ginny, descubría que la cabeza de su progenitora, colocada a modo de altar encima de una mesa, seguía allí encima. Jason descubría el engaño y volvía a lo suyo: matar. He aquí una posible solución a la incógnita que formulábamos anteriormente. En ella queda patente que es la madre quien induce al hijo a asesinar, que Jason simplemente es una marioneta que ama a su madre y que, por tanto, hará todo lo que ella le diga. Así que, cuando en la primera parte, Pamela Voorhees hablaba por Jason, no hacía más que expresar su odio, no el de su hijo. Es su actitud y rabia la que creó al monstruo que todos conocemos y, por tanto, no se puede culpar a Jason de tener un comportamiento homicida, sino a su madre y a su locura. Pero quizás podamos desvelar más cosas sobre este aspecto más adelante, paciencia.

-Agatón, el quinto filósofo en discordia, explica que en realidad el amor es el dios más joven y que no puede ser el más anciano, tal y como exponía Fedro. El amor, según Agatón, siempre se apoya en lo bello y en lo tierno, y se aleja por tanto de los corazones duros, además de estar en perpetua guerra con la fealdad.

En un principio, según esta afirmación, podemos llegar a pensar que Jason Voorhees representa esa fealdad a la que el amor combate, o todo lo contrario, que, valga la ironía, Jason Voorhees represente lo bello y que combata la fealdad que supone el sexo sucio y la inconsciencia que terminó con la unión que tenía con su madre. Pero Agatón explica que la violencia es incompatible con el amor, así que Jason Voorhees por lo tanto, no puede amar, pues el amor te “llena de dulzura y aleja la rudeza; excita la benevolencia e impide el odio”. ¿Puede entonces una “persona” sentir odio y amor a la misma vez? Si Jason Voorhees hubiera sentido alguna vez un amor verdadero, ¿continuaría matando y desencadenando el terror allá por donde fuera? Si partimos de la base que Jason no ha sido nunca una persona normal – primero porque era deforme, y segundo porque su madre, o más bien dicho, el amor que ésta le profesaba, también estaba deformado y enfermo -, podemos llegar a comprender, ni que sea remotamente, que Jason no sepa hacer otra cosa más que “matar”. Imaginemos que somos el niño deforme y subnormal que es Jason, y que un buen día nos ahogamos en un lago y “morimos”. Pasan los años y, desde una óptica celestial, desde una especie de limbo, vemos como nuestra madre comienza una despiadada batalla contra la misma inconsciencia que permitió que muriéramos. Nuestra madre asesina a diestro y siniestro, hasta que finalmente ella misma muere a manos de una de las personas a las que iba a imponer “su justicia”. Entonces, como si renaciéramos y volviéramos de ese limbo donde nos encontrábamos, o como si nunca antes hubiéramos muerto, decidimos que lo único que podemos hacer es seguir con lo que nuestra madre hacía tan bien, y no sólo eso, sino que además lo hacía por nosotros. ¿No sería precisamente este el único modo de demostrar nuestro amor? Si fuéramos como Jason -recordemos, con un grado importante de subnormalidad -, seguramente nuestra mente no sería del todo consciente de nuestros terribles actos, así que, ¿no os parece una bella, aunque escabrosa, muestra de amor? Si analizamos la conducta de Jason Voorhees, podríamos decir que su capacidad de actuación y de raciocinio se limita a la de un autómata: simplemente copia lo que hacía su madre. ¿Por qué? ¿Por qué la quería? ¿Sería esa su manera de mostrarle su amor? Una vez más, debido a su falta de inexpresividad, nos es imposible saberlo. Pero podemos pensar que el motor que le induce a cometer estos crímenes no sea otra cosa salvo el amor… O no…

-Menos mal que por aquel banquete andaba Sócrates. Puede que él nos pueda desvelar, de una vez, que misterios esconde el amor. Para empezar, Sócrates dice que el Amor es el amor de alguna cosa – muy bien Sócrates, así cualquiera es filósofo -, pero añade, de una cosa que no tenemos. Ah… Ya sabía yo que había trampa, bandido. Jason anhela a su madre, y ésta anhela a su hijo o, mejor dicho, el amor que les unía. Por fin Sócrates explica que el amor no es ningún dios, aunque tampoco es mortal. Simplemente está establecido en un punto intermedio entre los dioses y los hombres. El amor, señoras y señores, es un gran demonio, cuya única función consiste en ser un simple mediador entre los seres humanos y los dioses. Según las propias palabras de Sócrates,“llevan al cielo las súplicas y los sacrificios de éstos, y comunican a los hombres las órdenes de los dioses y la remuneración de los sacrificios que les han ofrecido”. Si atendemos a estas palabras y nos las tomamos al pie de la letra, ¿podríamos decir que Jason es en realidad un demonio? ¿Un intermediario entre los dioses y los hombres? ¿Y si os dijera que el Jason Voorhees que todos conocemos no es en realidad el mismo niño que se ahogó aquel viernes 13 de 1957?

Está bien, ya habíamos expuesto anteriormente que en Viernes 13 2ª parte, Jason era engañado por Ginny y ésta, utilizando los ropajes de su madre, se hacía pasar por ella para comunicarse con él e impedir que continúe matando. Esto nos viene a decir que, como habíamos dicho, Jason no es más que una marioneta de su progenitora y que cumple con los designios de ésta por amor. Pero que pasaría si esto no es así, que con quien hablaba Ginny en aquella película no era el verdadero Jason, sino un demonio, el mismísimo amor. Bueno, pongamos un ejemplo para explicar esta hipótesis: en Viernes 13 4ª parte: último capítulo (Friday the 13th Part 4: The Final Chapter, 1984) de Joseph Zito, posiblemente la mejor película de toda la saga, Tommy Jarvis, el personaje interpretado por un jovencísimo Corey Feldman, se rapaba la cabeza para hacerse pasar por Jason cuando era niño y comunicarse de ese modo con él. Una vez más alguien intenta encarnar a otra persona para impedir más fechorías por parte de Jason. Pero lo más curioso es que se hace pasar por él mismo, pero no en su estado actual, ya adulto – jamás hemos visto que nadie se coloque una máscara de hockey para entablar una conversación con Jason -, sino que intenta asemejarse al niño que se ahogó en Crystal Lake. Por si fuera poco, también nos llama poderosamente la atención lo que le dice: “¿te acuerdas de mi? Jason, ¿no me recuerdas?”, para después ordenarle, “no la culpes a ella”. Como vemos, Jarvis le habla como si el Jason adulto y el Jason niño no fueran el mismo ser. Jarvis, además, le insiste en que “recuerde”, por lo que podemos llegar a pensar que el Jason adulto ha olvidado lo que ocurrió o, más concretamente, lo que se le ordenó.

Como hemos visto, Jason obedece a su madre y cumple lo que ésta le ordena, pero también comprobamos que es capaz de obedecer al Jason niño. Por lo tanto, ¿quién es realmente Jason? ¿Es Jason, valga la redundancia, el mismo Jason que se ahogó? ¿No podría ser que el asesino que campa por Crystal Lake no sea más que un demonio que, tal y como decía Sócrates, se dedique a realizar los designios amorosos de Jason y Pamela Voorhees? ¿No cabría la posibilidad, aunque parezca remota, que el Jason que todos conocemos sea en realidad el mediador entre ellos y los dioses, y que su único cometido fuera el de ofrecer a éstos unos cuantos sacrificios? Además, si recordamos, el niño que se ahogó en el lago, allá en la primera parte de Viernes 13, era enquencle y deforme, y el Jason adulto, si, es deforme, pero viendo como comete sus salvajes crímenes, podríamos decir que se encuentra en plena forma e incluso está cachas. Sea como sea (ya sabemos como es esto del cine), no cabrá ninguna duda que en esta relación de madre e hijo existió un amor, por tanto el deseo que ellos anhelan es que ese amor vuelva.

Pero puede que una vez más me esté precipitando pues Sócrates sigue con su discurso y explica que el objeto del amor es la generación y perpetración de la especie. Pero, ¿por qué es precisamente la generación el objeto del amor? Pues porque el amor busca algo que no tiene, y ¿cual es el fin que todo mortal persigue? Pues, efectivamente, ser inmortal. Jason y su madre no buscan, aunque pudiera parecérnoslo, vengarse de cuantos jóvenes pasen por Crystal Lake. Pamela y Jason Voorhees anhelan recuperar algo muy preciado a lo que una vez tuvieron, la vida. Pamela Voorhees, una mujer fecunda, buscó la inmortalidad en los brazos del Sr. Voorhees (un tipo del que, por cierto, no sabemos nada) y con él tuvo un hijo, Jason, con el que conseguiría perpetrar su nombre durante los años siguientes. Jason por su parte, un niño inocente y más entregado al amor del tipo celestial que habíamos tratado anteriormente, se aferraba a la sabiduría que su progenitora le podía ofrecer, aunque tal y como hemos comprobado, sus enseñanzas no han sido todo lo “bellas” que cabía esperar. Ambos, prohibidos de este amor, anhelan el volver a la vida y se aferran a un demonio, el mismísimo amor, que sigue sin cesar los deseos de estos sin descanso alguno.

Día tras día, noche tras noche, este demonio al que todos conocemos como “Jason Voorhees” continuará sacrificando mortales con tal de conseguir que una madre y su hijo vuelvan a reencontrarse. Para que logren volver al amor que sentían en vida. El amor no es bello, ni feo, tal y como decía Sócrates en El banquete, por lo que nosotros no somos nadie para juzgar el amor (enfermizo, si, pero amor al fin y al cabo) que se procesaban el uno al otro.

SITGES 2011

2011-10-20T23:05:00.002+02:00

Después de unos días deinactividad, vuelvo a la palestra con la crónica de los títulos quehe visto este año en el Festival de Sitges. Como verán, tampoco hasido un año muy frenético, apenas he visto 14 películas, pero sique de algún modo ha sido una edición bastante especial. Ya seaporque encontramos un lugar donde te servían las jarras de mediolitro de cerveza a 1,80 € (¡que muchos no sabrán los palos quepegan por allí!), por los paseos por la calle del Pecado, por lascharlas espirituales que mantuvimos para encontrarnos a nosotrosmismos, por la proyección doméstica del “Equipo Argg”,por las vomitonas con el coche en marcha, o por las charlas cinéfilas(y no tan cinéfilas) con Don José Luís de La Abadía y sucolega vasco (encantado de conoceros, majos). Una vez dicho lo dicho,y como siempre con el corazón en un puño y ansiando volver el añoque viene, aquí os dejo la crónica sitgeriana de la 44ª edicióndel “Festival Internacional de Cinema de Catalunya”.

1.-GUILTY OF ROMANCE (Sion Sono, 2011).

Que a nadie le quepa lamenor duda que Sion Sono es uno de los directores nipones másestimulantes del panorama actual, ahí tenemos sus dos recientesobras maestras que lo atestiguan: “Love Exposure” y “ColdFish”, así que no me podía perder su última película, unaespecie de thriller erótico montado a base de “flashbacks”entorno a unos escabrosos asesinatos y que cuenta la historia de unamujer sumisa, casta y servicial llamada Izumi (Megumi Zagurazaka),que un buen día decide aventurarse en un espiral de sexo degradantey guarro, ya que con su marido, - un importante escritor de novelaromántica -, a lo único a lo que ha llegado (en lo que al sexo serefiere) es a tocarle (un poco) el pene. De ese modo, Izumi seadentra en el mundo del cine porno y la prostitución, y conocerá aun violento personaje (Ryúju Kobayashi) y a una estrafalariaprostituta (Makoto Togashi) que le adentrarán en un terrenopeligroso que, como sabemos, desembocará en trágicosacontecimientos. Como siempre, Sion Sono consigue mezclar en unamisma película diferentes géneros como el erotismo (enfermizo), elthriller (escabroso), la comedia (negra) y el drama (reflexivo), yconsigue una de sus películas más personales e inquietantes. Unaauténtica virguería que, sin superar a sus dos últimas obrasmaestras, supone un paso más allá en la filmografía del directorjaponés.

2.-INVASION OF ALIEN BIKINI (OhYoung-doo, 2011)

La verdad es que teníapocas esperanzas puestas en esta película (y en la que veremos acontinuación), pero sin embargo me sorprendió gratamente. “Invasiónof Alien Bikini” cuenta la historia de un bigotudo personaje que seenfrentará con un grupo de maleantes con tal de salvar a una belladamisela (Eun-Jung Ha). El tipo del bigote, un hombre que hahecho unos rigurosos votos de castidad, invita a la muchacha a sucasa y la cosa se pondrá dura cuando la chica en cuestión resulteser una extraterrestre que necesite quedarse encinta esa misma noche.Una película potente, divertida y sorprendente. Quizás lo peor seasu puto título, que te hace pensar que te vas a tragar una cintaerótica de estas directas para video.

3.-MICROLORZE: A LOVE STORY (YoshimasaIshibashi, 2011)

Para bien o para mal,Microlorze: a love story no te deja indiferente. Montada abase de historias independientes e inconexas entre sí, y cuyo temaprincipal es el amor, este film tiene una de las mejores puestas enescenas que yo recuerde. Divertida, estrafalaria y llena de colores,la única pega que le encontré fue que después de ver este delirio,- que repito, te atrapa visualmente -, te deje un regusto devacuidad.

4.- BELLFLOWER (EvanGlodell, 2011).

Si Jean-Luc Godardrealizó con éxito un relato futurista ambientado en un entornocotidiano en su emblemática “Lemmy contra Alphaville”,aquí el bueno de Glodell ha construido un drama apocalíptico enunos parajes totalmente reconocibles y actuales. La bella fotografíade Joel Hodge consigue hacer creíble esta historia de(des)amor que alcanza el nivel de autodestrucción necesario para unapelícula apocalíptica, sin que por ello tengamos que ver bombasatómicas o batallas entre clanes por conseguir algo de agua opetróleo o lo que sea. Woodrow (el propio Glodell) y Aiden (TaylerDawson), - dos amantes de la película “Mad Max” -, seestán preparando para el fin del mundo, y para ello construyen unlanzallamas y se compran un coche con la inscripción “medusa” enel lateral. Pero por otro lado Woodrow se enamora de Milly (JessieWiseman) y ahí, ahí es donde empieza el verdadero Apocalipsis. UnApocalipsis sentimental.

El Equipo de The Woman.

Atención a la rubia.

5.- THE WOMAN (LuckyMcKee, 2011).

Este cuento feministalleno de mala leche se erigió como una de las mejores películas delfestival. Aquí McKee nos cuenta la historia de una familia sometidaal autoritarismo de un patriarca machista, degenerado y cruel (ungenial Sean Bridgers) que un buen día caza a una mujer salvaje en elbosque y la encierra en el sótano de su casa. La intención del tipoes, en teoría, “civilizar” a la mujer, pero pronto comprobaremosque la civilización no siempre lleva implícita la corrección y lasbuenas maneras. The woman consigue colocar al espectador ensituaciones limites, en momentos muy duros, pero McKee y JackKetchum (co-guionista del film), logran lo imposible, que elrespetable suelte alguna que otra carcajada gracias al humornegrísimo que ronda por toda la película. En el reparto encontramosa Angela Bettis, a quien ya habíamos visto en la ópera prima deMcKee, la interesante “May”, pero la que está paramorirse es la mujer, la “woman” del título, PollyannaMcIntosh, que sin tener una sola línea de diálogo consiguecrear un personaje totalmente rompedor. Una lástima que noconsiguiera el premio a la mejor actriz, yo le hubiera dado eso ymucho más (je, je, je…).

Na Hong-jin en el cine El Retiro.

6.-THE YELLOW SEA (Na Hong-jin, 2011).

Parece mentira que NaHong-jin, director de la excelente “The chaser”, hayaconseguido superarse a sí mismo con este espectacular thriller quegira entorno a un taxista que decide asesinar a un hombre paraconseguir el dinero que le permita cruzar la frontera y buscar a sumujer. Con casi dos horas y media de metraje, esta trepidante cintade acción se pasa en una sentada y consigue que vibres con cada unode sus fotogramas. Con infinidad de persecuciones (las mejores lasque se hacen a píe, corriendo), cuchillazos y hachazos, uno comoespectador no puede hacer otra cosa que pasárselo en grande con lasdesventuras de nuestro protagonista y aplaudir con las orejas concada aparición del malo malísimo, Kim Jun-seok, sin lugar adudas lo mejor de la película. A-C-O-J-O-N-A-N-T-E.

Los responsables de Extraterrestre al completo y de brindis. Sólo faltó Michelle Jenner que estaba "pocha".

7.- EXTRATERRESTRE(Nacho Vigalondo, 2011).

Bueno, bueno… Ahora yacomenzamos con palabras mayores. De verdad, Nacho Vigalondo nosólo es uno de los mejores directores de España ¡y del mundo!,sino que es el único que consigue freírme las pocas neuronas quetengo con cada uno de los trabajos que realiza. Con cinco actores, unapartamento y una invasión extraterrestre como telón de fondo, aquíel bueno de Vigalondo riza el rizo y perpetra una de las comediasrománticas más divertidas, originales y conmovedoras que he vistonunca. Michelle Jenner, Carlos Areces y Julián Villagrán estánsoberbios (bueno, Areces quizás, haga un poco lo de siempre), peroel que lo borda es el también “muchachado” Raúl Cimas,encarnando al novio psicótico y tontorrón de la Jenner. ¡Joder,hasta Miguel Noguera está inconmensurable haciendo depresentador negado! (Bueno, aquí habría que ver si esto suma afavor o en contra suyo. Puesto que habría que saber hasta que puntoestá “interpretando” y cuanto hay de verdad en ese “presentadornegado”). Una pequeña obra maestra que nos debería enorgullecer atodos y en la que incluso no falta un guiño final a LosCronocrímenes (aunque yo al principio creía que era a ArizonaBaby, que también podía ser).

Alexandre Bustillo y Julian Maury en el Auditorio.

8.- LIVIDE (AlexandreBustillo & Julián Maury, 2011).

Al principio pintababien. Una chavala (bastante buena, por cierto), con un ojo de cadacolor rollo David Bowie, un trabajo nuevo como ATS a domicilio, unavieja centenaria postrada en su cama y que guarda un tesoro en suenorme mansión… Un robo por parte de la chica, su novio y unamigo, a la casa de la vieja… Si ya lo digo yo, pintaba bien, peroque va, de aquí en adelante a Maury y a Bustillo seles va la cabeza y nos cuentan una de fantasmas con gore, puñetazosy patadas que nadie se cree. Está muy bien ambientado, si, peroaquello que decían de homenaje a la Hammer nada de nada. Esto es másbien una cosa simplona, sin pies ni cabeza y poco preparada. Para mí,la gran decepción del festival.

9.- KILL LIST (BenWheatley, 2011).

Desconcertante. Quizássea esa la palabra que mejor definiría esta película. Como loexplicaría… Me encanta el tono enfermizo que va adquiriendo elfilm. Me encanta que el protagonista, - un soberbio Neil Maskell-, sea un ex combatiente de la guerra de Irak. Encuentro muy acertadopresentarlo como un hombre al que le cuesta reintegrarse y que tieneuna tremenda crisis familiar. Una lista, si, de eso se trata. Aquínuestro protagonista junto a un antiguo compañero de batalla, -Michael Smiley, otro que está que se lo bebe -, soncontratados para matar a una panda de energúmenos en los queencontraremos a un cura y una panda de pedófilos. Después, y heaquí lo desconcertante, o lo bueno del film según como se mire,Kill List da un giro de 180º y nos adentra en un autenticoinfierno * SPOILER * en el que nuestros dos aniquiladores se lastendrán que ver con una secta de hijosdeputa. La escena de lascloacas en la que nuestros protagonistas son perseguidos por unosfeligreses suicidas, que parecen recién salidos de “El hombre demimbre” o del mismísimo Infierno, es realmente angustiosa y ponelos pelos de punta, pero te deja algo fuera de lugar. Aún así, loauténticamente terrorífico de la película se encuentra en lapropia casa del protagonista. Una película que, sin tener nada quever con ella, tiene ciertos ecos con la polémica “A SerbianFilm” del año pasado.

10.- THE INNKEEPERS (TiWest, 2011).

Una de las películas quefue injustamente abucheada. Y digo injustamente porque estamos deacuerdo en que a The Inkeepers le cuesta arrancar. Estamos deacuerdo en que si la calificamos como una película de miedo o decasas encantadas, se queda a la mitad (o ni siquiera llega altercio). Sin ir más lejos, en The Inkeepers los sustos, lasapariciones, el rollo duro en todo su esplendor, no se dan hasta losúltimos quince minutos, mientras que “Insidious”, una películacon la que escuché que la comparaban, despilfarraba estos momentospor doquier con unos resultados, porque no decirlo, excelentes. Sinembargo si que habría que decir que el gran hallazgo de Ti Westes que ha conseguido hacer una gran película en apenas unos pocosescenarios y con un plantel de actores reducidísimos. Lo importantede The Inkeepers no son los sustos señores, es la vibrante,divertida y triste relación que nace entre los encargados del hotel.Sin apenas explicarnos demasiado y contarnos una ñoña historia deamor entre amigos que “se gustan”, Ti West logra tocar los palosnecesarios para que todo cobre sentido, y nos enseña que cosas tanimportantes como expresar nuestros sentimientos nos pueden salvar lavida. Repito, una pequeña gran película.

(Nota: después de TheInkeepers proyectaban “Grave Encounters”, pero el sueño me pudoy me largué en seguida).

11.-NEW KIDS TURBO (Steffen Haars &Flip van der Kuil, 2010).

Incluida en la maratónllamada “La nit + freak”, New Kids Turbo supusotodo una bocanada de aire fresco para el respetable… y de risas,claro. Tirando de mucha mala baba, humor de ese que tildan comopolíticamente incorrecto y un poco de cultura de “tunning”, NewKids Turbo fue la fiesta que todo el mundo necesitaba. Utilizandocomo telón de fondo la crisis mundial, New Kids Turbo nos cuenta lahistoria de cinco energúmenos que planta cara al gobierno con unrotundo “ya no pago más”, y a raíz de eso se meterán en un sinfin de líos con la policía, pedirán dinero prestado a PeterAerts, - luchador de K-1 profesional -, matarán a JodyBernal, o comprarán armas a un dulce viejecito nazi, entre otrasmuchas locuras. La verdad es que lo desconocía por completo, pero alparecer New Kids es una serie del canal Comedy Central de losPaises Bajos ideada por las descerebradas mentes de Steffen Haarsy Flip van der Kuil, a su vez co-protagonistas de la cinta.Pero es que además, por lo que se ve, ya preparan una suculentasecuela llamada New Kids Nitro en la que incluso se podránver… ¡zombies!

12.-MONSTER BRAWL (Jesse T. Cook, 2011).

Dentro de la mismamaratón llegó la segunda decepción del festival. Me van a decirque no pintaba bien un torneo de lucha libre entre los monstruosclásicos del cine de terror. Que si la cosa del pantano, que si la“witch bitch” (bruja zorra), que si la vampira, que si elciclope, que si el monstruo de Frankenstein, el zombie y el hombrelobo… Me cago en la puta… Esto hubiera estado mejor con unpoquito de hilo argumental, con un poquito más de humor ydesparpajo, y con una miaja de entusiasmo… Aquí el amigocanadiense nos ha metido un programa de Pressing Catch con monstruosque entretener, lo que se dice entretener, no entretiene demasiado.Quizás sentado en un sofá sin saber que ver, pues aún, pero joder,en un cine ¿esto? No, no… Pero es que además la película notermina, por lo que se ve habrá segunda parte o algo así. No sé,eso me temo porque no luchan todos los monstruos y al final dicen esode “permanezcan atentos a sus pantallas”. Aunque eso si, no pudeevitar sentir cierta emoción al ver una vez más la mítica peleaentre el monstruo de Frankenstein y el hombre lobo. GanaFrankenstein, como no, pero el hombre lobo le patea bien las entrañasal hijodeputa de Frankie.

(Nota: despuésproyectaron SEX, DOGZ AND ROCK N’ROLL, que al menos pintaba bien.Pero tras una hora de retraso para entrar en la sala, después detragarnos dos capítulos de la serie Femme Fatales [con unas tíasbuenísimas, por eso], y después de algunos cortos de baratillo…joder, a uno no le quedaban fuerzas de nada).

13.- KILLER JOE(William Friedkin, 2011).

Incluida en la últimamaratón del sábado como “filme sorpresa”, Killer Joefue, sin lugar a dudas, la mejor película del festival. Con unahistoria negrísima, un humor enfermizo y unas interpretaciones quequitan el hipo, William Friedkin ha vuelto por la puertagrande. En serio, ya lo pueden publicar por todas partes. Salgan a lacalle y díganselo a todo el mundo, porque esta película es una obramaestra absoluta. Yo diría incluso que, de las que he visto deFriedkin, es la que más me gusta. Y mirad que a mi “A la caza”me pone brutísimo. Matthew McConaughey, ¡quien me lo iba adecir!, está inconmensurable como el letal asesino (y policíacorrupto) que contrata Emile Hirsch para liquidar a su madre ycobrar el dinero del seguro. Pero es que además comprobaremos queaquí el amigo es miembro de una familia de lo más amoral ydecadente, formada por su padre (Thomas Haden), su madrastra(Gina Gershon) y su hermana pequeña de doce años (JunoTemple). Polémica, malsana, negrísima y, como no, divertida,Killer Joe está llamada a ser una de las películas del año. Porcierto, no se pierdan el momento “muslito de pollo”… ¡Sublime!

14.- JUAN DE LOSMUERTOS (Alejandro Brugués, 2011).

No voy a decir que meentusiasmó demasiado, pero si es verdad que Juan de los muertoses cuanto menos original y nos hace ver que algo, ni que sea mínimo,está cambiando en Cuba. Juan, un vividor de poca monta, tendrá quehacer frente a una panda de zombies que llegan a la Habanna (y que alprincipio son confundidos con disidentes), mientras que por otro ladotambién tendrá que luchar para ganarse el respeto de su hijaespañola (Andrea Duro). La película tiene algún momentomemorable, como el de la mamada al amanecer, y en general estábastante entretenida, pero encontré que le faltaba algo… Algo nocuajaba en la ecuación. Lo malo es que todavía no sé el qué.

(Nota: despuésproyectaron Lobos de Arga… Ya saben ustedes los sentimientos queprofeso a las películas de hombres lobo, así que debido al terriblesueño que arrastraba, tuve que abandonar la sala con el rabo entrelas piernas. La veré más adelante, no teman).

Los principales premiosde este año han ido a parar a:

MEJOR PELÍCULA:Red State de Kevin Smith.

MEJORDIRECTOR: Na Hong-jin por The YellowSea.

MEJORGUIÓN: Lucky McKee y Jack Ketchum porThe woman.

MEJORACTRIZ: Brit Marling por Another Earth.

MEJOR ACTOR:Michael Parks por Red State.

PREMIO ESPECIAL DELJURADO: Attack the block de Joe Cornish.

MEJOR PELÍCULASECCIÓN FANTASTIC “ÓRBITA”: Guilty of Romance de Sion Sono.

MEJOR PELÍCULA JURADOCARNET JOVE: Bellflower de Evan Glodell.

MEJOR PELÍCULAMIDNIGHT X-TREME: Detention de Joseph Kahn.

MEJORPELÍCULA NOVES VISIONS: Nigth Fishingde PARKing CHANce (Park Chan-wook & Park Chan-kyong).

DIPLOMAPELÍCULA DISCOVERY: Invasion of alienbikini de Oh Young-doo.

MÉLIÈS DE PLATA:Kill list de Ben Wheatley.

MÉLIÈS DE ORO:Balada triste de trompeta de Alex de la Iglesia.

GRAN PREMIOHONORÍFICO: Brian Singer.

MÀQUINA DEL TEMPS:Jaume Balagueró, Michael Biehn, Ching Siu-tung y Michael Ironside.

MARÍA HONORÍFICA:Bigas Luna, Xavier Pérez, Mar Tarragona, Caroline Williams, GonzaloSuarez y Pedro Olea.

Caroline Williams recibió la María Honorífica.

PREMIO NOSFERATU:Luigi Cozzi.

FOTOGRAFÍAS: Juan P. Rodríguez.

ME VOY PA' SITGES

2011-10-07T22:19:00.004+02:00

Un año más vuelvo al mejor festival del mundo... Bueno, no tengo ni idea si es el mejor, pero si que es el único al que no falto desde hace 15 años. Así que ya saben, esta semanita no publicaré nada de nada, amigos, - estaré viendo cine hasta que se me derritan las retinas -, pero cuando vuelva no se pierdan la crónica sitgeriana de rigor.
¡Ah! Si tienen mono de mi ("mono de mi", ¡seré creído!), pueden leerme en la próxima luna llena (12 de octubre), pues este mes, en vuestro blog lobuno favorito, tengo programada.......... ¡la incombustible La maldición de la bestia, con San Paul Naschy! Es decir, Waldemar Daninsky contra el Yeti... Bueno, contra el Yeti y contra unos mongoles más malos que la madre que los parió.

¡Nos leemos a la vuelta, compañeros!

DRIVE (2011): EL HÉROE IMPERFECTO

2011-10-03T23:37:00.000+02:00

Pocas veces ocurre queuna película te atrape y no te suelte hasta el final. Y no se crean,que la película de hoy, dentro de su aparente simplez es bastanteextraña. Dudo mucho que sea plato de buen gusto para cualquiera.Ryan Gosling interpreta aquí a un especialista de cine, un chavalnormal y corriente que de vez en cuando realiza encargos.De hecho, nada más arrancar la película vemos uno de esos“encargos”: robar un almacén. Bueno, aclaremos las cosas, elpersonaje que encarna Goslign se encarga más bien de huir del lugardel robo junto a los cacos y escapar de la policía. Ryan Gosling,actual sex symbol y guaperas, encarna, palillo en boca, a uno de esosconductores anónimos de los setenta, como el que pudimos ver en“Carretera asfaltada en dos direcciones”, interpretado JamesTaylor. Su personaje bebe de esos héroes imperfectos como lo pudoser el Kowalski de “Punto límite: cero” o el Vicinski de “60segundos”. El conductor de “Drive” es un tipo encantador, ungenio del volante capaz de burlar a la policía y poner su bólido a200 millas por hora en un periquete… En “Drive”, no se crean,nuestro “conductor” será capaz de enamorar a la chica de lapelícula y ser la figura paternal del hijo pequeño de ésta,mientras su padre está en prisión, pero ojo, también será capazde actuar como un jodido psicópata y estallar violentamente contracualquiera que se le ponga en su camino.

Creo que jamás habíavisto un personaje tan imperfecto y a la vez tan perfecto, tan extraño, tan misterioso, tanvaleroso e incluso tan sosainas como el de esta película. Pero aúnasí, Ryan Gosling consigue que te lo creas, que te sientas próximoa él y que te dejes llevar por donde el te guíe (o, ya que estamos,te conduzca), ya sea por las calles de la ciudad, ya sea por unbonito paseo en familia o chocando contra otro vehiculo. “Drive”,del danés Nicolas Winding Ref, - director de otra joya hipnóticatan hermosa como violenta, “Bronson” -, supone desde ya una delas obras maestras de este año y una experiencia que nadie deberíaperderse. Winding Ref es capaz de todo, y cuando digo todo, es todo,así que no se dejen engañar por sus cámaras lentas, por su estiloinconfundible a ritmo de melodías compuestas por Cliff Martínez orematadamente techno-pops (en la banda sonora de “Bronson”, sinir más lejos, se podía escuchar algún tema de The Pet Shop Boys oNew Order), pues a la más mínima te dará el cambiazo, jugará contu mente, y nos joderá vivos. Odiado por muchos, venerado por otrostantos, el director de “Valhala Rising” ha conseguido, como hedicho, una pequeña pieza de arte con “Drive”. Un milagro enestos tiempos en los que todo está más visto que el TBO. Un trabajoexcepcional en toda regla. Y es que, aunque el material de partidapueda ser un brillante en bruto, - ahí está el trabajo actoral deRyan Gosling, Ron Perlman o Robert Brooks, por citar a unos pocos, lafotografía de Newton Thomas Sigel o el guión de Hossein Amini,basado en la novela homónima de James Sallis -, desde luego, granparte del mérito se le podría atribuir a la particular visión quenos ha mostrado el bueno de Nicolas.

Merece la pena, de verdad. De hecho, por ahí anda, por la red... Con subtítulos y todo... Yo, desde luego, pienso repetir (esta vez en pantalla grande y como Dios manda) en Sitges.

PREVIEW DE... ¡¡WEREWOLF OF CONDON!!

2011-10-02T09:27:00.002+02:00

La verdad es que no recuerdo como sucedió. No sé si fue él el que se ofreció o fui yo, - cosa bastante probable, por lo pesado que soy -, que le insistí. El caso es que Angelpito y yo hablemos de hacer un corto de animación "troncho-cinematográfico", así que él me pidió un guión y yo escribí uno llamado "Werewolf of Condon", - véase el gracioso juego de letras con uno de los títulos clásicos del cine lobuno, "Werewolf of London" -, y se lo pasé. No sé hasta que punto Angelpito tiene algo de gusto o que criterios sigue a la hora de seleccionar guiones, pero el caso es que le gustó (un momento, que yo recuerde jamás me dijo nada de que le gustase... será...), y me dijo de hacer el corto. ¡Hostia puta! Un corto de animación con hombres lobo, condones, sangre, tetas y de tó, ¿qué más se le podía pedir a la vida? Verán caballeros, este video que ustedes van a ver es el prólogo, la escena antes de los títulos de crédito. Sólo eso. Así que pueden tomárselo como un avance. Una especie de preview chapucera... Un teaser como dicen ahora, si gustan. El caso es que verán que hay diferentes aspectos que se pueden pulir: las escenas se cortan muy rápido y a veces no da tiempo a saber que cojones es lo que está ocurriendo, pero bueno, esto es lo que hay. "Werewolf of Condon" se ha quedado en esto a la espera de que se pueda completar... Así que aquí les dejo este video de apenas dos minutos para que puedan llegar a hacerse una idea de lo que este corto puede llegara a ser. Espero sus impresiones, y si quieren, pueden hacer algunas hipótesis de como podría continuar el corto. A quien acierte le regalaré un jamón de cinco jotas (bueno, una loncha, que no estoy pa' derrochar).

¡Ah! Lo olvidaba... Todas las voces que se escuchan durante el video han sido grabadas por un servidor... Lo mío no es el doblaje para películas de animación, lo sé...
¡Ah! Y la música... de MoëBiuS, realizada exclusivamente para la ocasión.

Werewolf of Condon...

Animación, montaje, dirección y de tó por Angelpito Injurioso...

LOS PSIQUIATRAS ATACAN HOLLYWOOD

2011-09-29T22:40:00.001+02:00

"Los psiquiatras afirman que Betty Grable es una de las actrices que más obsesionan a los jóvenes durante su sueño. Según parece, un hombre casado confeso a su psicoanalista que ya no podía querer a su esposa. Al casarse la encontraba guapa, pero ahora la comparaba con ciertas actrices de la pantalla y ella salía muy perjudicada. Entonces el psicoanalista enseñó a aquel candidato al divorcio algunas fotografías de aquellas "estrellas" tomadas antes de que empezaran en el cine. Y el hombre no podía creer a sus ojos. Naturalmente, aquellas jóvenes no habían sido todavía "glamurizadas".

Robert Grayson.

Fotogramas. 28 de abril de 1950.

COLOQUIOS (2009)

2011-09-24T23:19:00.000+02:00

Sé que todo esto de los "troncho-cortos" es una tortura... Pero es que este en concreto, además, no se podría llamar ni eso, es una cosa rara... Algo que se me ocurrió un noche de cervezas y que salió como salió. Sin preparación. Un infierno. Unos diálogos interminables sobre la "blaxploitation" y Jackie Brown rodados (casi) en plano secuencia y que acaba en desgracia. Una auténtica tomadura de pelo que, si quieren, si tienen tiempo, pueden ver. Cosa que no les aconsejo... Pero es que, ¿saben qué? Tenía este video por ahí guardado y pensé: "joder, sácalo afuera, no te lo quedes ahí dentro. Expúlsao, mierda". Y eso he hecho.
"Coloquios".
Del 2009.
Como siempre con Julio Cerrillo y Pedro Martínez, delante de la cámara.
Como siempre sin guión (sólo indicaciones).
Como (casi) siempre con un servidor tras la cámara.
Ruego que me perdonen...

FURIA SILENCIOSA (1982): UN CHUCK NORRIS INSÓLITO

2011-09-20T22:17:00.000+02:00

Ahora que dicen que seguramenteChuck Norris asome su bigote por la segunda parte de Los Mercenarios deStallone, me ha venido a la mente una rareza no sólo dentro de la filmografíadel actor, sino en general. Se trata de Furia silenciosa (Silent Rage, 1982) de Michael Miller, un film surgido del éxitocosechado por películas más o menos baratas, que consiguieron unasrecaudaciones envidiables en las salas de cine. Se trata como no, de losslashers. Viernes 13 o Halloween, posiblemente las más conocidas, tuvieron unarepercusión que debía aprovecharse, así que el hermanísimo de Chuck, AaronNorris se asoció a los productores Andy Howard y Anthony B. Unger, y decidieronrealizar un libreto escrito por Joseph Fraley (Los valientes visten de negro) con algunoselementos, seguramente fantásticos, añadidos por Edward di Lorenzo (sinacreditar) (Lady Frankenstein). Y es que Furia silenciosa es una película muycorrecta, entretenida y formal, que por el contrario intenta mezclarnos escenascon ensaladas de hostias muy al estilo de las películas de Norris (no pormenos, aquí encarna a un Sheriff de un pequeño pueblo de Texas, y como tal,luce la indumentaria que le acompañaría en buena parte de su filmografía: unsombrero de cowboy y su estrella dorada en el pecho), con el terror.

Furia silenciosa arranca, - medianteunos muy loables planos secuencia -, con el estallido de “furia” de John Kirby(Brian Libby) que, en mitad de los gritos de unos críos (que juegan a laguerra) y de una ama de casa bastante insoportable, decide coger un hacha yasesinar a sangre fría a ésta y a su marido (no sin antes aprovechar y realizaruna copia de la escena en la que Jack Nicholson acechaba a Shelley Duval en elbaño, en El Resplandor). Rápidamente alguien llama a la policía y, como no,aparece Chuck Norris que sin pensárselo dos veces se adentra en la casa. El sheriffcomienza a inspeccionar su interior hasta que encuentra los cadáveres. A raízde esto, hubo algo que me llamó mucho la atención: Chuck Norris saca su pistolamientras sube por unas escaleras y la cámara se acerca al revolver hasta queéste ocupa prácticamente todo el cuadro. En esa escena concreta, no es ChuckNorris quien sube las escaleras, no es el héroe de la función, es un revolver,la ley, que va a imponer un poco orden y ajusticiar, si procede, al asesino delfilm. Por un momento piensas, “joder, esto va a ser diferente”, perolamentablemente (o afortunadamente), lo que viene a continuación cae en lo desiempre, es decir, en la típica pelea entre el bueno y el malo. Entre ChuckNorris, - la estrella -, y el “psichokiller” de turno.

El rubio, él solito, le ha pegado una paliza a todo el bar.

Bueno, bueno… Un momento, estábien. Ahora viene lo bueno de este film, lo que lo hace único. El asesino esabatido a tiros por la policía (que no por Chuck Norris), así que antes de queéste muera deciden llevarlo a un hospital que, ¡que casualidad!, además de serun hospital, se dedican a testar drogas nuevas con moribundos. Para colmo demales, el mad doctor de la función,Steven Keats, decide probar con este peligroso (y desquiciado) criminal unadroga con la cual… ¡¡su cuerpo podrá recuperarse de todas las heridas!! Esdecir, ya tenemos al asesino inmortal de los “slashers”, y a continuacióntendremos más víctimas y una chica en peligro. Pero entonces, ¿por qué Furiasilenciosa es una rareza? Pues porque en Furia silenciosa existe algo que, queyo sepa, nunca antes se había dado en un “slasher”. En Furia silenciosatenemos, efectivamente, a un ¡¡action hero!! ¡¡Tenemos a Chuck Norris,mecagoenlaputa!! Un tipo que, él sólo, es capaz de pegarle una paliza a unapandilla de moteros en un bar y lanzar patadas trapezoidales mortales (valga laexpresión).

Pero joder, es que también tenemosesas gotitas de ci-fi que habíamos visto: con ese mad doctor, esas jeringas quepondrían palote al mismísimo Dr. Herbert West… También tenemos un romance… ¡Tetas!Las escenas de cama de Norris con una bastante apetecible Toni Kalem, son larisión: mientras ella se entrega a la estrella y se muestra apasionada, él lepropina unos besos castos y no abre la boca ni aunque le maten (o le arañen laespalda). También, gracias al orondo acompañante del sheriff, Stephen Furst,tenemos un poquito de comedia tontorrona, un poco de buddy movies (que por algo rondaba por ahí el estreno de Límite 48horas (48 Hrs, Walter Hill, 1982), eincluso (el eterno) guiño a Taxi Driver y su “¿me hablas a mi?”.

No sé, ¿qué más se le puede pedira una película?

"Hace gusto".

Ah, si… Reunir en ella a DolphLundgren, Sylvester Stallone, Bruce Willis, Arnold Schwarzenegger, MickeyRourke, Jean Claude Van Damme, Nicolas Cage… y, ¡SI! Chuck Norris. Si es así,valdrá la pena esperar. Si no, pues tendremos que seguir soñando.

SPOTS SITGES 2011

2011-09-16T21:37:00.000+02:00

CACA DE LUXE

2011-09-12T14:12:00.003+02:00

A veces, después de veruna película, uno tiene sentimientos encontrados. Bajo mi modestaopinión, cuando una película te descoloca, te deja patidifuso ytienes la sospecha que te han tomado el pelo, es que esa películamerece la pena ser vista. Lo malo viene después, cuando meditabundocomienzas a darle a la cabeza y te das cuenta que esas vueltas detuerca tan conseguidas (o rebuscadas) que has visto y que, como ya hedicho, te dejan fuera de lugar, están adornadas con una halo depretenciosidad que convierte un film personal y lleno de valor, en unabrumadora estupidez con todas las de la ley. Porque no se puederecargar de momentos preciosistas (vacuos y caprichosos) una historiallena de perversión, venganza y transexualidad. Un realizadortambién tiene el deber moral de inquietar al espectador y estascosas se le daban muy bien a Almodóvar. Ahora ya no sé lo quequiere. ¿Otro Oscar, quizás?

Ya os digo, sigocavilando. Sé que lo que he visto este fin de semana merecía lapena… pero en el transfondo, no en el contenido… En las cloacasde la película. Ahí, ahí está lo bueno. Allí es donde huele maly eso me gusta. Me gusta ese toque enfermizo que va adquiriendo esemad doctor encarnado por un Banderas regulón, me gusta ElenaAnaya (¿a quién no?) y el polvo que pega con un tipo disfrazado detigre (Roberto Álamo), me gusta que, ¡por fin! alguien le hayasacado las tetas a Blanca Suárez, me gustan las orgías en losjardines de una adinerada mansión, me gusta que la película vaya unpaso más allá, me gusta que no intente parecerse al clásico deFranju (y bueno, al de Franco)… Me gusta la banda sonora compuestapor Alberto Iglesias... Pero por otro lado me sobran los momentosmusicales con Buika (aunque Buika me guste), los cameos del hermano y las clases de yoga… Me sobranlos dibujos en la pared, los bailes de la jet set, los brindis y losmomentos muertos (que los hay y muchos).

Quiero mierda con todaslas letras, M-I-E-R-D-A, y no una caca de luxe.

Quiero leer Tarántula deThierry Jonquet, puede que allí encuentre la clave a todo.

Seguiré dándolevueltas al asunto.

Quizás mañana cambie deopinión.

LOS MEJORES PARES DE TETAS DEL CELULOIDE: Hoy... Vanity

2011-09-10T23:46:00.000+02:00

Denise Katrina Matthews aka. Vanity

(04-01-1959)

Hoy, por fin, vamos a darle una nota de color a esta sección con unas cuantas instantáneas de esta belleza procedente de las Cataratas del Niagara (Ontario, Canadá): Denise Katrina Matthews más conocida por todos como Vanity. Después de tener una infancia no demasiado bonita, pues según dicen en wikipedia, su progenitor abusaba de ella y sus hermanas, Denise decidió seguir el ejemplo de Diana Ross, su ídolo, y marchó a Nueva York para forjarse una carrera como actriz y modelo. Esta Miss Cataratas del Niagara de 1977 y Miss Canadá de 1978, pronto comenzó a lucir palmito en películas como El tren del terror (Terror train, Roger Spottiswoode, 1980), bajo el pseudónimo de D. D. Smith, o un softcore de dudosa transcendencia llamado La isla virgen (Tanya's Island, Alfred Sole, 1980), donde matenía unas torridas cópulas con un gorila mitad mandril o algo así. No sería hasta que conoció a Prince, - con quien mantuvo una relación sentimental -, cuando por indicación del cantante inició una carrera musical con el grupo Vanity 6, compuesto por Brenda Bennett y Susan Moonsie, y que en un principio iba a llamarse, ATENCIÓN, The Hookers y Vagina ("Las putas" y "Vagina", que ocurrencias tenía Prince). Con dicho grupo publicó un LP llamado Nasty Girl (1983) y seguidamente se disolvió debido a que Vanity quería seguir con su carrera musical en solitario publicando dos LPs más, Wild Animals (1984) y Skin on skin (1986). En lo que respecta al cine, siguió luciendo palmito en El último dragón (The last dragon, Michael Schultz, 1985), film en el que además pondría voz a uno de los temas principales de la banda sonora (nominado aquel año al Razzie a la peor canción original), y la muy reivindicable Acción Jackson (Action Jackson, Craig R. Baxley, 1989), film en el que hacía de cantante yonqui (nominación al Razzie de aquel año, a la peor actriz), junto Sharon Stone y Carl Weathers como el black action heroe de turno (pueden leer una excelente reseña de la película, como siempre, aquí), que lamentablemente no tuvo demasiada repercusión.
Como vemos, pese a su belleza, la buena de Denise no ha tenido demasiada suerte en su carrera... Sus coqueteos con las drogas (propiciadas por su relación con un miembro de los Mötley Crue, Nikki Sixx) y demás desfases la llevaron, como a tantas otras actrices, a encontrarse finalmente con nuestro Señor Jesucristo. Así pues la otrora actriz deshinibida y cantante "picantona", se ha convertido a día de hoy en una predicadora evangelista de los pies a la cabeza, y sus letras actuales distan mucho de las de su primer single "Nasty Girl"... En el video que cuelgo a continuación pueden comprobar como ha quedado la señora... ay, pobre...

JASON X: X MOMENTOS PARA NO DESTRIPARLA

2011-09-04T22:54:00.001+02:00

El slasher es un género muy poco valorado incluso por los amantes del cine de terror. El hecho de que se sucedan infinidad de secuelas con el mismo leit motiv, - matar a adolescentes irresponsables y con las hormonas a flor de piel -, ha desembocado a que muy pocos se tomen en serio lo que se les explica en este tipo de films. La saga Viernes 13 es bastante extraña, pues a pesar de seguir estos patrones, como bien sabrán, el supervillano protagonista en cuestión, Jason Vorhees, no se llega a formar del todo (es decir, no llega a tener algo con lo que identificarle expresamente: su máscara de hockey), hasta la tercera parte. Pero por si fuera poco, Jason Vorhees no alcanzaría su máxima expresión (un monstruo inmortal) hasta, si no recuerdo mal, la sexta entrega. Aún así, durante dicha saga no han faltado los mismos clichés y una tras otra se han ido repitiendo las mismas tramas con, eso si, algunas débiles novedades. No sería hasta 1993 que la franquicia volviera a Sean S. Cunningham (director de la primera entrega) e intentó darle un aire nuevo, aunque esta vez desde una posición de productor. Viernes 13 IX: Jason se va al infierno (Jason Goes to Hell: The Final Friday, Adam Marcus, 1993), pretendía ser desde sus primeros minutos de metraje un film que rompiera de algún modo con lo establecido anteriormente, otorgando más diversión y fantasía al conjunto. No nos ha de extrañar que nada más empezar la película nos topásemos con la típica chica que llega al campamento de Crystal Lake, y en la soledad de la noche le diera por desnudarse... Jason, brazo ejecutor de la represión contra el libertinaje, no tarda en perseguir a la chica por todo el bosque hasta que un grupo de soldados especializados le tienden una emboscada y lo hacen añicos con munición pesada. Todo formaba parte de un plan: la chica era un señuelo. Como comprenderán, ya habían pasado muchos años (y muchas películas) como para saber que Jason iba a picar. Esta fue una forma de dejar de lado la tan sobada trama del campamento sangriento de las anteriores entregas (*). Jason había muerto, al menos aparentemente pues estaba echo añicos, pero en esta ocasión el mal se propagaría a través de una especie de gusano (que, según parece, habitaba en el corazón de Jason [¿o era esa su forma real?]), y que se transmitiría de boca a boca pasando de un cuerpo a otro durante la película. Pues bien, a pesar que esta novena parte no logra despegar en sus momentos más cañeros (aunque tiene uno brillante dentro de una tienda de campaña en la que una pareja está pegando un polvo sin condón), Viernes 13 IX lograba ser muy divertida y en ella incluso no faltarían los guiños a Posesión Infernal o Terroríficamente muertos de Sam Raimi y Pesadilla en Elm Street (su final fue el que propició Jason contra Freddy).

¿El hombre elefante? No, Jason Vorhees.

Realizar otra vuelca de tuerca o algo que pudiera verse con cierto interés suponía algo realmente difícil. La batalla contra el señor de los sueños y Jason podría ser el camino idóneo, pero todavía faltarían unos cuantos años más para que se lograra un guión que fuera el adecuado y con el que ambos monstruos se sintieran a gusto. Así pues, esta décima parte tiene la valentía de desarrollarse en el espacio. ¡¡En el espacio, señores!! Después de años de reclusión, un grupo gubernamental decide estudiar a Jason, - un ser que, recordemos, es inmortal -, y a pesar de las advertencias de Rowan (Lexa Doig), - desde entonces encargada de custodiar a este peligroso monstruo -, deciden congelarlo para que en última instancia Jason consiguiera herir mortalmente a Rowan y juntos permanecer en hibernación durante siglos. No sería hasta más de 400 años después que un grupo de ¿piratas espaciales? los encuentran entre los destrozos y decidan revivirlos. Pronto, el jefe de la embarcación espacial, al conocer la leyenda que se esconde detrás de Jason, ve en esta horripilante criatura una oportunidad de oro para hacerse rico, pues podrá exhibir al más letal de los asesinos después de 400 años. Iluso...

Pues bien, por una vez y, repito, después de tantas y tantas entregas muy similares (algunas de ellas, calcadas), James Isaac (director que venía de dirigir House III, y que había sido especialista en efectos especiales de películas como los Gremlins, El retorno del Jedi, Profundidad Seis, y existenZ, La mosca y El almuerzo desnudo estas últimas de David Cronenberg) y el guionista y actor Todd Farmer lograrían un nuevo y muy entretenido slasher ambientado, como ya hemos apuntado, en el espacio. Jason X no es de lejos una gran película y en algunos momentos el ritmo baja considerablemente, pero desde luego este TBO no se merecía el vapuleo crítico que recibió, y merecía que al menos se viera el empeño de sus impulsores a la hora de ofrecernos algo que fuera novedoso dentro de una saga en peligro de muerte. Así pues, destacaré 10 de los momentos por los que este film no merece ser destripado:

(UNA ÚLTIMA COSA, A CONTINUACIÓN EXISTEN SPOILERS)

1.- La breve pero suculenta aparición de David Cronenberg al inicio de la película. Recordemos que James Isaac fue un habitual dentro de la filmografía del director canadiense, así que tampoco nos tenemos que extrañar si durante el metraje vemos algunos rostros familiares que también habían aparecido en algunas de las películas más reconocidas de Cronenberg, como Robert A. Silverman o Markus Parilo.

2.- Algunas muertes que se dan son auténticamente absurdas y grotescas. Véase esa en la que un tipo, al intentar sacar a Jason con su machete congelado, se le cae y le corta un brazo sin querer; o esa otra con unos fx brillantes en la que Jason le congela la cara a una tía y luego se la espachurra contra la mesa.

3.- En lo que se refiere al sexo, en Jason X no se escatima en regalarnos una escena sado de lo más cómica en la que una tipa le retuerce los pezones a Jonathan Potts con una enorme pinza.

4.- Lisa Ryder encarna a una androide "enamorada" de un humano. (Incluso se llegará a poner unos pezones de pega para que éste la acepte). Finalmente, esta androide será la que le plantará cara a Jason, y para ello se enfundará un modelito muy sexy.

5.- Jason muere a manos de la androide, pero por "accidente" cae encima de un regenerador y vuelve a la vida... pero esta vez en forma de Uber-Jason, es decir, Jason en su forma suprema y exuberante. Su antigua máscara de hockey es sustituida por una de metal y parte de su cuerpo queda también metalizado.

6.- La realidad virtual es utilizada en un par de ocasiones a lo largo de la película. En una de ellas, un par de zorritas virtuales le enseñarán sus atributos a Jason... Lástima que éste no esté mucho por la labor y utilice sus sacos de dormir para golpearlas contra un árbol.

7.- Finalmente nuestros protagonistas consiguen huir en una pequeña nave y hacen explotar la principal con Jason en su interior. Lamentablemente la explosión hace que Jason ¡¡vaya derechito a ellos!! Ver para creer.

8.- Repentinamente, aparece Peter Mensah enfundado en un traje de astronauta rojo y con autopropulsión en los píes, y consigue atrapar a Jason antes de que éste intercepte la nave en la que se escapan nuestros protagonistas.

9.- Peter Mensah agarra a Jason y lo empuja hacía la Tierra, que no es el planeta Tierra que conocemos sino un planeta de reemplazo llamado Tierra-2 ya que la primera nos la cargamos. Al entrar en contacto con la capa de ozono ambos empiezan a quemarse.

10.- Una pareja de enamorados mira las estrellas frente a un lago. Ven una estrella fugaz... Piensan que todo aquello forma parte de algo romántico pero cuando vemos los restos de la máscara de Uber-Jason sabemos que, efectivamente, aquí no ha acabado todo. Que Jason jamás morirá.

(*) Aunque Viernes 13 VIII: Jason toma Manhattan se desarrolla en un crucero y en la ciudad de Nueva York, se podría decir que, a groso modo, se siguen las mismas pautas que en las anteriores.

SITGES 2011: Von Trier y Soderbergh en OF Panorama

2011-09-04T00:30:00.000+02:00

La Sección Oficial Fantàstic Panorama, que complementa a la Oficial Fantàstic a Competición del festival, tendrá como gran protagonista el fin del mundo, demostrando la paranoia que se vive en la sociedad actual, un efecto derivado de los atentados del 11 de septiembre de 2001 en Estados Unidos y provocado por la obsesión en la fecha del año 2012.

Melancholia, la esperada película del director danés Lars Von Trier, será uno de los grandes títulos del certamen, con su poética visión de un cataclismo global provocado por la colisión de la Tierra con un planeta errante. Melancholia cuenta con un reparto estelar compuesto entre otros por Kirsten Dunst (gran premio de interpretación femenina en Cannes por este film), John Hurt, Kiefer Sutherland, Charlotte Gainsbourg y Charlotte Rampling.

Por otro lado, Steven Soderbergh también aborda una catástrofe global en Contagion, en este caso la propagación de un virus letal por todo el planeta. Contagion (que se presenta estos días en el festival de Venecia), cuenta también con actores de la talla de Matt Damon, Gywneth Paltrow, Marion Cotillard, Laurence Fishburne o Jude Law.

A estos títulos se suma la visión apocalíptica de Béla Tarr en la ya anunciada The Turin Horse (ganadora del Premio Especial del Jurado en el último festival de Berlín). La Sección también presentará otros grandes eventos para el cine fantástico del año como la terrorífica Don’t Be Afraid Of The Dark, producida por Guillermo Del Toro; la epopeya vampírica The Moth Diaries, a cargo de Mary Haron, la directora de American Psycho; la espectacular superproducción coreana en 3D Sector 7 o la tenebrosa versión del clásico Jane Eyre, protagonizada por Michael Fassbender. A todo ello hay que añadir Mientras duermes, el inquietante thriller psicológico de Jaume Balagueró, ya anunciado anteriormente.

Oficial Fantàstic Panorama ofrecerá también excelentes propuestas como Tatsumi, film de animación para adultos de Eric Koo, o la adrenalítica Drive, de Nicolas Winding-Refn, mejor director en el pasado festival de Cannes.

Sitges Film Festival.

SITGES 05

2011-09-03T10:50:00.000+02:00

Volviendo a su mes de costumbre, octubre, el Festival de Sitges quiso homenajear uno de los grandes éxitos de Steven Spielberg, Tiburón, en su 30º aniversario. Para ello, como es lógico, se proyectó la famosa película de Spielberg así como el documental The shark is still working (Eric Hollander, 2005), Courage & Stupidity de Darin Beckstead (2005), un corto que gira entorno a la producción y que trata sobre un director llamado Steven que, a principios de los 70, le es encargado rodar una película sobre un tiburón y a última instancia, el tiburón mecánico que tenía que utilizar se le estropea (¿les suena de algo?), y la sudafricana 12 Days of Terror (Jack Sholder, 2005) que nos cuenta los acontecimientos que inspiraron a Peter Benchley a la hora de escribir Jaws. También se realizó otro homenaje a la figura de Jim Henson, creador de Barrio Sesamo y director de filmes como Cristal Oscuro o Dentro del laberinto, ambos filmes recogidos dentro de dicha retrospectiva. En la sala Brigadoon se cumplimentó el homenaje a Tiburón con las proyecciones de algunos "clásicos" acuáticos surgidos a rebufo de ésta, véase el caso de Orca, la ballena asesina (1977), Tintorera (1977) o Mako, el tiburón de la muerte (1976). Por otro lado, y siguiendo dentro del Brigadoon, hubo un especial sobre el Santo en el que se pudieron ver Santo en el tesoro de Drácula (1969) o Santo en la venganza de la Momia (1971), y por primera vez en el festival se abrió un apartado llamado "Brigadon X" en la que se proyectaron Sixteen tongues o la española Kannibal (me gusta la carne) con la pornstar Anastasia Mayo y la veterana María de Sánchez.

El autógrafo de Q. T.

Aquel año, como muchos sabrán, se presentó un poco por sorpresa Quentin Tarantino, que se pasó casi toda su estancia viendo películas y comiendo... ¡No se pueden ustedes imaginar lo que puede llegar a comer este hombre! Ahora entiendo que en Jackie Brown se dijera eso de "en España se come hasta la medianoche"... Les aseguro que el tipo se sentaba a cenar en la terraza de un restaurante (por ejemplo en un asador argentino que vale un pico) y no se levantaba hasta bien entrada la madrugada. Sé que a muchos Tarantino no les cae muy bien, pero a mi si. Debo confesar que a mi me encanta, así que cuando lo vi en el bar del hotel Melies tomándose una cerveza me acerqué con lo primero que encontré (en este caso una de las postales de publicidad que se puede encontrar por el Festival) y le dije "excuseme, could you..." y le hice un gesto con un boli encima de la postal. Tarantino me miró con cara de mala hostia y me dijo "I have a drink in a bar" y me dio la espalda. Para los que no entiendan inglés lo que me vino a decir fue: "vete a freír espárragos, desgraciado". Tengo que aclarar que soy anti-autógrafos. Allí va gente muy preparada con pósters, películas, camisetas, libros... Con un montón de mierda lista para que su estrella favorita se la firme. Así que en parte entiendo que este hombre quisiera que le dejara tranquilo ya que, en el caso de que me hubiera firmado un autógrafo, allí habían cuarenta fanáticos más con ganas de Tarantino. Un poco más tarde, mientras paseábamos por Sitges, y después de una de esas largas cenas que se pegaba este director, vimos como un montón de entusiastas seguidores de éste se agolpaban frente a él para que le firmara un autógrafo. Mi mujer me animó para que aprovechara la ocasión pero ya había tenido bastante con la anterior vez y me negué. Así que, ni corta ni perezosa, mi señora cogió una de esas postales y le dijo a Tarantino "oye tú, ¡más vale que me firmes esto!". No sé hasta que punto Tarantino sabe español pero en ese momento pude ver el terror en su mirada y rápidamente hizo un par de garabatos en aquel trozo de cartulina. Y esta es la historia de como conseguí el autógrafo de este gordo... digo de este genio.

The Great Yokai War
En lo que respecta a las películas que vi, una vez más volví al siempre interesante Takashi Miike con la aventura para casi todos los públicos, The Great Yokai War. Una película muy divertida que nos cuenta el hipotético ataque de un grupo de monstruos recién salidos del folklore japonés y como un niño tendrá que luchar contra ellos. Además tiene una bonita moraleja sobre las mentiras y la madurez que los más mayores sabrán apreciar más que los niños. Aprovechando la ocasión, y como seguramente ya habrá prescrito el delito, os confesaré una cosa que me pasó a la hora de ir a ver esta película. En realidad no tenía entrada para ver The Great Yokai War sino para Repulsión de Roman Polanski. El caso es que la película de Miike tenía todas las localidades agotadas y por ese motivo decidimos ver el clásico de Polanski, pero a la hora de entrar en el cine nos equivocamos de sala y... Bueno, ya me dirán ustedes la cara que se nos quedó cuando vimos los primeros títulos de crédito en japonés. Una vez puestos y como era un film que queríamos ver, ¿qué le íbamos a hacer?

Election + The barefooted kid
De Johnnie To, - a quién se le entregó el premio honorífico "La màquina del temps" de la mano de Tarantino (con reverencias incluidas) - , se exhibió la magistral película sobre las triadas chinas: Election, que pude disfrutar en el auditorio. Pero además se le hizo un homenaje en el que se recogieron las excelentes PTU (2003) y Running out of time (1999), The Mission (1999), Throw down (2004), The heroic trio (1993) (con Michelle Yeoh, Maggie Cheung y Anita Mui; editada en DVD en España junto a su segunda parte Executioners) y por último, la película que fui a ver, The barefooted kid (1993), una cinta de artes marciales con unas excelentes coreografías de la que, lamentablemente, no os puedo decir gran cosa por culpa de mi mala memoria.

Sympathy for Lady Vengeance + The Girl from Monday
También vi la tercera y última entrega de la trilogía de la venganza de Park Chan-wook, Sympathy for Lady Vengeance. Una gran película que, sin embargo, dista mucho de su predecesora. Por otro lado, Hal Hartley presentó su última película, una extraña película de ci-fi ambientada en un entorno cotidiano. Se trata de The girl from Monday, una cinta de una extraterrestre que nada tiene que ver con los aliens que vimos en el clásico de Ridley Scott o Steven Spielberg. Aquí nos encontramos con una preciosidad con la cara y las curvas de Tatiana Abracos.

Lady Snowblood + The spirits
De madrugada asistí a una doble sesión de la sección "Mondo Macabro" con la película Lady Snowblood protagonizada por la hermosa Meiko Kaji, que es una de las principales influencias de los Kill Bills de Tarantino que, por otro lado, asistió a la proyección. Tendría que apuntar que ver una película con Q. T. en la misma sala es una auténtica tortura, pues el muy cabrón no para de reírse como un retrasado... Ya he dicho que a mi me encanta Tarantino pero ahí cosas que no soporto. Además, cuando se reía él, TODO el mundo se reía en muestra de aprobación y a mi eso... Joder, a mi eso me daba mucha rabia. Por si no fuera suficiente, después de aquello hubo un tipo anónimo al que se le pegó "la risa tarantiniana" y tuvimos que padecer esta tontería durante dos o tres ediciones más. Argggh...! Después de la película de Toshiya Fujita proyectaron el film vietnamita Spirits (Victor Vu, 2004), una película bastante modosita que poco tiene que ver con el espíritu "mondo macabro". Aún así, cosas del destino, se llegó a editar en DVD aquí en España.

Zee Oiu. The man-eater
También asistimos a la proyección de Zee Oui. The Man-eater (Buranee Rachjaibun y Nida Sudasna, 2004), una producción tailandesa basada en hechos reales que indaga en la vida de un psycho-killer canibal que hizo de las suyas por aquellos lares a mediados de los años 40. La película es más bien simplona pero eso no bastó para que, una vez más, encontrase distribución en España con el nombre de Zee Oiu, el canibal.

The piano tuner of earthquakes
The piano tuner of earthquakes (Quay Brothers, 2005), producida por don Terry Guilliam, fue un fiasco en toda regla. A mi particularmente no me gustó mucho todo el rollo fantasioso con autómatas de por medio, aunque no dejo que reconocer que visualmente estaba bastante bien y me hizo especial gracia encontrar de protagonista al español César Sarachu (Camera Cafe).

Zulo
La cosa cambiaría con la recomendable Zulo de Carlos Martín Ferrera, film español sobre un hombre que sin motivo aparente es secuestrado y metido en un zulo. La película, sin llegar a los extremos de Buried (Rodrigo Cortés, 2010), no le tiene nada que envidiar a ésta en lo que se refiere a claustrofobia y ejercicio de estilo.

Room + Haze
Otro experimento, en este caso indie, lo encontramos en la producción estadounidense Room (Kyle Henry, 2005). Una pequeña joya sobre una mujer que no para de ver en sus sueños una habitación y que un buen día decide abandonar a su familia para ponerse en su busca. Una película pequeña, como he dicho, pero muy compleja que cuenta además con la soberbia interpretación protagonista de la desconocida Cyndi Williams. Después de ésta proyectaron Haze (Shinya Tsukamoto, 2005), otra pequeño experimento, - aunque en este caso mucho más concentrado (dura apenas 40 minutos) -, que sin embargo es capaz de dejarnos exhaustos y con los dientes chirriando. Tanto una como otra, a pesar de ser dos sendas obras maestras, no han conocido distribución en nuestro país.

***

Por otro lado cabría destacar la aparición por primera vez en el Festival de la "Nit + Zombie" que consistía en una maratón de dicho género en la que se pudo ver House of the dead 2: Dead Aim (Michael Hurst, 2005), Zombie Honeymoon (David Gebroe, 2004) y la muy divertida, Dead Meat (Conor McMahon, 2004). Siguiendo con estas nuevas secciones, Midnight X-treme se erigió como la elección más extrema e interesante de las sesiones de madrugada y aquel año Demond Pond de Takashi Miike se pudo ver pasadas las doce de la noche. The Roost de Ti West y Wild Country de Craig Strachan, fueron algunas de las películas que se recogieron dentro de dicho apartado nocturno. Por otro lado, con "Europa Imaginària" se pudieron volver a ver algunos títulos clásicos del cine "fantástico europeo", como Ana y los lobos de Carlos Saura, El video de Benny de Michael Haneke, Danza Macabra de Antonio Margheritti o la ya nombrada Repulsión de Roman Polanski.

Del resto de películas que se presentaron aquel año destacaremos la excelente El sabor de la sandia de Tsai Ming-Liang, la muy digna película de terror oriental, - en este caso tailandés -, Shutter de Banjong Pisanthanakum y Parkpoom Wongpoom; la algo sobrevalorada pero entretenida Hard Candy de David Slade; la segunda y superior parte de La casa de los 1.000 cadáveres de Rob Zombie, Los renegados del diablo; y Una historia de violencia de David Cronenberg, cojonuda película basada en la novela gráfica de John Wagner y Vince Locke.

Los principales premios de aquel año fueron:

MEJOR PELÍCULA: Hard Candy de David Slade.
MEJOR DIRECTOR: Johnnie To por Election.
MEJOR ACTOR: Lee Kang-sheng por El sabor de la sandia.
MEJOR ACTRIZ: Lee Yeong-ae por Sympathy for Lady Vengeance.
MEJOR GUIÓN: Brian Nelson por Hard Candy.
PREMIO ORIENT EXPRESS: Antartic Journal de Yim Phil-sung.
PREMIO HONORÍFICO MÀQUINA DEL TEMPS: Joe Alves, Alex de la Iglesia, Carl Gottlieb, Jim Henson, Greg Nicotero, Bill Plympton y Johnnie To.
GRAN PREMIO HONORÍFICO SITGES-FESTIVAL INTERNACIONAL DE CATALUÑA: Jodie Foster.
PREMIO MARÍA HONORÍFICA: Julio Fernández y Square Enix.

SITGES 04

2011-09-02T11:16:00.002+02:00

Esta es una edición especial por diferentes razones. La primera porque sin explicación aparente decidieron cambiar el mes de octubre, mes habitual en el que se realizaba el festival, al frío diciembre. La cosa, según leí por ahí, causó que la afluencia de espectadores disminuyera, y eso que del 2 al 11 de diciembre habían diversas fiestas y puentes. La segunda razón es porque, ¡por fín! vi las películas que yo quería (que no todas, para eso deberían pasar unos cuantos años más) y no me limite a ver lo que quedaba libre... Y por último, porque en esta edición conocí a Paul Naschy que, por otro lado, parecía hacer las paces de una vez con un Festival que le debía mucho y no porque, hipotéticamente, Naschy fuera el impulsor del Festival de Sitges (algo de lo que no existen pruebas), que va, si no por su aportación al fantástico de este país y en general. Pese a quien le pese, Naschy, uno de los grandes tótems del fantaterror patrio, no podía seguir enemistado con un festival de cine fantástico celebrado en este país y Angel Sala consiguió que las aguas volvieran a su cauce. De ese modo se le brindó un suculento homenaje en el que se proyectaron la exquisita El retorno del hombre lobo, la fallida Rojo Sangre de Christian Molina y la absolutamente indispensable El huerto del francés. Al margen y con entrada gratuita, la siempre generosa sección Brigadoon continuó con este homenaje al proyectar 5 de las películas más emblemáticas del actor: Latidos de pánico, El caminante, La bestia y la espada mágica, El jorobado de la morgue e Inquisición.

Previamente a la proyección, que fue el lunes 6 de diciembre, Paul Naschy nos dedicó una breve charla en la que dibujaría lo que serían las tres películas que íbamos a ver, y sobretodo, lo que había costado conseguir que las pudiéramos disfrutar (hablo de El retorno del hombre lobo y El huerto del francés, claro. Rojo Sangre era una producción de aquel mismo año). Yo ya era conocedor del cine de Naschy gracias a la magistral La Noche de Wallpurgis y sabía lo que iba a ver, así que logré disfrutar de El retorno del hombre lobo mientras que mis acompañantes no paraban de mofarse. "Vamonos tío", me decían. Cuando acabó la película, y a pesar de que Naschy nos había dicho que El huerto del francés era su mejor película, mis compañeros decidieron y me quedé con la única compañía de mi mujer. Los dos solitos... Al principio temía por ella, ya que a mi señora tampoco le había entusiasmado El retorno..., pero pronto me quedé más tranquilo al descubrir que la que actualmente es madre de mi hijo la disfrutó tanto como yo. El huerto del francés es desde luego la mejor película de Naschy, pero además es una excelente cinta que merece una edición en DVD, Blu-Ray o lo que sea, ya. Una obra maestra de cabo a rabo que, cosas del destino, ha terminado siendo propiedad de un banco... Me pasé años y años buscando esta película de aquí para allá hasta que finalmente, un buen hombre me dijo que me la grabaría en un DVD. Sé que sonará algo extraño pero volver a ver esa película era lo que más deseaba en el mundo, así que, desde que me dijeron que me la grabarían hasta que la tuve entre mis manos, noche tras noche, soñaba con volverla a ver (¡y eso significa un mes entero dándole vueltas a la cabeza!). Parece algo obsesivo y puede que lo sea, pero es verdad, y ahí están mis colegas y mi mujer para corroborarlo. El huerto del francés es una de las pocas películas que, no sé porque motivo, me llegó al corazón. El huerto del francés, al igual que las películas de hombres lobo que protagonizaba Naschy, indagaba en la maldad del hombre aparentemente bueno, pero lo hacía como ninguna otra había hecho anteriormente y además estaba contada con un ritmo y una tensión que te enganchaban desde el primer al último minuto. Finalmente he podido volver a disfrutar de esta película, - ese buen hombre que decía cumplió su promesa - , pero lamentablemente no del mismo modo que lo hice en aquella vieja sala de cine situada en el Casino Prado. La calidad de visión y sonido deja mucho que desear, así que sólo me queda seguir anhelando una edición digna de esta obra maestra patria.

Otra de las películas que vi por allí y que me entusiasmó enseguida fue Izô del incansable Takashi Miike. Ver Izô en el Auditorio fue una experiencia inolvidable aún no siendo este filme de lo mejor de su director. Las primeras imágenes con ese contundente montaje, y después con esas violentas batallas que se libran, no hacían más que confirmar que Miike es un director, si, algo polémico, pero totalmente aprovechable. Takashi Miike es un director tan iconoclasta que, a día de hoy (aún no siendo plato de mi gusto todo lo que hace), sigue consiguiendo que cada película que realiza, para bien o para mal, nos resulte llamativa y original.

La siguiente película que vi no fue tan arriesgada pero no por ello resultó menos notable. Se trata de la, hasta ahora, última entrega del muñeco diabólico: La semilla de Chucky. Una irreverente comedia terrorífica que no duda en autoparodiar la, ya de por si, bastante autoparodiada saga, regalándonos algunos guiños y homenajes que van de John Waters (que realiza un pequeño papel en el film) a Ed Wood. Para mi, la mejor de las cinco películas de Chucky que en este caso viene dirigida por su creador, Don Mancini. Se habló de una sexta entrega llamada Revenge of Chucky para el año 2008, luego se pasó al 2011 y todavía seguimos esperando. ¿Soy yo o la saga del muñeco diabólico es la única que ha sabido mantenerse adecuadamente durante los años? ¡Queremos Chucky para rato, hostias!

Por lo que respecta a las demás películas, destacaremos las siguientes: el film cuyo plano secuencia inicial haría palidecer (un poco) a Orson Welles, Breaking News de Johnnie To; la muy, muy interesante Reencarnación de Jonathan Glazer con una todavía reconocible Nicole Kidman de protagonista (¿qué diablos se ha echo esta mujer en la cara?); el interesante debut de Eugenio Mira, The Birthday con el que rescató a Corey Feldman; la sobresaliente segunda entrega de la trilogía de la venganza de Park Chan-wook, Old Boy; Three.. Extremes, tríptico de horror realizado por tres de los directores más importantes del continente asiático, el hongkonés Fruit Chan, el japonés Takashi Miike y el ya nombrado Park Chan-wook, de origen surcoreano; la interesante Marebito de Takashi Shimizu protagonizada por Shinya Tsukamoto (editada en DVD aquí en España como Seres Extraños); Vital esta vez dirigida por Shinya Tsukamoto; se exhibió la trilogía hongkonesa de Infernal Affaris (Wai Keung Lau & Siu Fai Mak, primera [editada en DVD en España como Juego Sucio] y segunda parte; Andrew Lau & Alan Mak, tercera parte), película que por otro lado inspiró a la oscarizada Infiltrados de Martin Scorsese; aparte de las ya comentadas Izô y Three... Extremes, también se proyectó Zebraman del director Takashi Miike; el excelente film de animación Hair High (editada en DVD en España como Tupé), de Bill Plimpton; Team America de los creadores de South Park, Trey Parker y Matt Stone; el fallido segundo intento de Karra Elejalde en la dirección con Torapia, una comedia que seguía los cánones de la exitosa Airbag de Juanma Bajo Ulloa; el último trabajo de éste, Frágil; la excelente Samaritan Girl del genial (aunque incomprendido en su páis) Kim Ki-duk; o la primera entrega de la saga Saw de James Wan.

En lo que respecta a retrospectivas, cabría señalar una sección que se llamó "Europa Imaginaria" en la que se pudo ver la obra cumbre del cine de hombres lobo, La maldición del hombre lobo de Terence Fisher (1960), o la excelente El hombre de mimbre de Robin Hardy (1973). En el apartado "Mondo Macabro" se pudo ver la producción de Indonesia Lady Terminator de H. Tjut Djalil (1988) y una vez más, una película mexicana de temática satánica, la nunsploitation Satanico Pandemonium de Gilberto Martínez Solares (1975). También se celebró el 50º aniversario de Godzilla con los films, Destroy all monsters y Godzilla de Ishirô Honda, así como Godzilla vs. Biollante de Kazuki Omura o Godzilla Final Stars de Ryuhei Kitamura.

Por último, tal y como habrán deducido por la imagen del casco de Darth Vader que se utilizó para esta edición, se realizó algo a lo que llamaron "Star Wars Conference" que consistía en la "tortura" de ver toda la saga de Star Wars (menos el episodio III), y en gastarse los cuartos para que un actor "fracasado" pero con mucha suerte, David Prowse, te firmara un autógrafo.

Los principales premios de aquel año fueron a parar a:

MEJOR PELÍCULA: Old Boy de Park Chan-wook.
MEJOR DIRECTOR: Johnnie To por Breaking News.
MEJOR ACTOR: Christian Bale por The Machinist.
MEJOR ACTRIZ: Mónica López por El habitante incierto.
MEJOR GUIÓN: Frank Cottrell Boyce por Code 46.
PREMIO ORIENT EXPRESS-CASA ÁSIA: Innocence: Ghost in the Shell de Mamoru Oshii.
PREMIO HONORÍFICO MÁQUINA DEL TEMPS: John Landis, Joel Schumacher y Paul Naschy (que recibió el premio del mismo Landis, director de la que, según el actor y realizador madrileño, es la mejor película de hombres lobo: Un hombre lobo americano en Londres).
PREMIO HONORÍFICO LA GENERAL: Andrew Lloyd Webber.

SITGES 03

2011-09-01T19:33:00.002+02:00

En el año 2003 el Festival de Sitges amplió un poco más su propuesta y apostó más por las maratones a altas horas de la madrugada. En esta edición nació la indispensable sección "Mondo Macabro", en la que se exhibirían de ahí en adelante infinidad de obras maestras psicotrónicas casi siempre desconocidas por el ciudadano medio, provenientes de países tan lejanos y exóticos como Filipinas, Pakistán o Turkía... Aquel año, sin ir más lejos, se pudo ver la satánica Alucarda del director mexicano Juan López Moctezuma, la japonesa The Sinners from Hell de Nobuo Nakagawa o Zinda Laash del pakistaní Khwaja Sarfaraz. También se realizó una retrospectiva de Curtis Harrington en la que se proyectaron Games (1967), Night Tide (1961), The Killing Kind (1973), What's the matter with Helen? (1971), Whoever slew aunti Roo? (1971) o su último trabajo, un corto llamado Usher (2000) que adaptaba el relato "El hundimiento de la casa Usher" de Poe. Otra retrospectiva, esta vez centrada en el cine japonés más contemporáneo llamada "Novíssim Cinema Japonès", acogió Black Angel de Takashi Ishii, Bullet Ballet de Shinya Tsukamoto, Cure de Kiyoshi Kurosawa, Pistol Opera del maestro Seijun Suzuki o la aburridísima Suicide Club del por otro lado muy reivindicable Sion Sono (sus dos últimas películas, Love Expossure y Cold Fish, son unas obras maestras de cabo a rabo).

En lo que respecta a las películas a concurso cabría destacar Dos Hermanas de Kim Jee-woon; Ju-on: The grudge 2 de Takashi Shimizu; Fear X de Nicolas Winding Refn; Le tems du loup de Michael Haneke; el gran éxito de Alexandre Aja, Alta tensión; Takashi Miike realizó un triplete con su incursión en el cine terror convencional con Llamada perdida, el reamake/revisión de una película de Kinji Fukasaku basada a su vez en una novela de Goro Fujita, Graveyard of honour (editada en DVD en España como Cementerio Yakuza), y, como no, la excelente Gozu, mi favorita del director; Los no muertos de los Spierig Brothers; la divertida y sobresaliente Zatoichi de Takeshi Kitano; la muy recomendable Save the green planet de Jang Jun-hwan; Memories of murder la obra maestra con la que comenzó a despuntar el coreano Bong Joon-ho; la original, - aunque bajo mi punto de vista desaprovechada -, Tempus Fugit de Enric Folch, en la que se relataba el hipotético fin del mundo durante un partido entre el Barça y el Madrid; La casa de los 1000 cadáveres, el debut del músico y cantante Rob Zombie; y Kim Ki-duk volvió por el festival con The Coast Guard.

Y, como no, no podía olvidarme de la presentación por sopresa de Kill Bill Vol. 1 de Quentin Tarantino, que literalmente causó estragos en el festival. Todo Dios quería su entrada y como es lógico se agotaron en un santiamén.

En lo que a mi respecta, la tailandesa Ong-Bak. Muay Thai Warrior de Prachya Pinkaew, filme que supuso el lanzamiento definitivo del acrobático Tony Jaa, fue mi elección. La película está bien y es entretenida, y de hecho se puede disfrutar bastante. Pero lamentablemente, lejos de las piruetas del protagonista, se podría decir que Ong-Bak no destaca por nada más. No me ha de extrañar pues que a mitad de la película el crítico Jaume Figueras se levantase y se largara de la sala. Ya había visto lo que le ofrecía y no necesitaba ver más. Un hombre que sabe lo que se hace.

El año que viene cambiarían las cosas de una vez por todas...

Los principales premios de aquel año fueron:

MEJOR PELÍCULA: Zatoichi de Takeshi Kitano.

MEJOR DIRECTOR: Alexandre Aja por Alta Tensión.

MEJOR ACTOR: Robert Downey Jr. por The Singing Detective.

MEJOR ACTRIZ: Cécile de France por Alta Tensión.

MEJOR GUIÓN: Michael Haneke por Le Temps du Loup.

PREMIO DEL PÚBLICO ex-aequo: Zatoicihi de Takeshi Kitano y Kill Bill Vol. I de Quentin Tarantino.

PREMIO HONORÍFICO MÁQUINA DEL TIEMPO: Stan Winston, Brian Yuzna, Tobe Hooper, Takashi Miike y Stuart Gordon.

MARÍA HONORÍFICA: Narciso Ibáñez Serrador.

Autógrafo del gran Chicho I. Serrador.

SITGES 02

2011-08-31T11:04:00.000+02:00

Allá por el año 2002 el Festival de Sitges realizó un digno homenaje al spaguetti-western (o más bien dicho, al Eurowestern) con motivo del estreno de la genial película de Alex de la Iglesia, 800 Balas. Filme que el director vasco prefirió presentar en Sitges y pasar del Festival de San Sebastian ya que, según él, en esta localidad catalana se le trataba mucho mejor. La verdad es que aunque no pude ver la película en aquella edición, me hizo especial gracia ver al realizador de El día de la bestia junto a su mujer y sus hijas (ahora no recuerdo si tenía dos o era una solamente), campando por la ciudad. En dicha retrospectiva se pudo ver la obra maestra de Joaquin Romero Marchent, Antes llega la muerte, así como la conocida Django de Corbucci, Cara a cara de Sergio Sollima, la canónica Por un puñado de dolares de Sergio Leone o un rarísimo western txecoslovaco llamado Limonádovy Joe aneb Konská Opera (Lemonade Joe) de un tal Oldrich Lipsky, que no es otro que el gran director de la deslumbrante comedia Happy End (1967).

Entre las películas que se pudieron ver aquel año cabría destacar Cabin Fever de Eli Roth; The Eye de los hermanos Pang; la licántropa Dog Soldiers de Neil Marshall; la última obra maestra de Brian de Palma, Femme Fatale; las psicopáticas May de Lucky McKee y Ted Bundy de Matthew Bright; Snake of June del siempre interesante Shinya Tsukamoto; Spider del maestro David Cronenberg; la aburrida Dolls del por otro lado excelente Kitano; Happy Now de Philippa Collie-Cousins con una primeriza Emmy Rossum (¡que mala suerte que ha tenido esta chica en su carrera!); la tercera parte de Dead or Alive, Agitator e Ichi the killer del incansable Takashi Miike; la primera entrega de la trilogía de la venganza perpetrada por Park Chan-wook, Sympathy for Mr. Vengeance; Irreversible del polémico Gaspar Noe; la descacharrante Mucha Sangre de Pepe de las Heras, en la que Paul Naschy hacía las veces de gángster-alienígena jodeculos; la excelente Las reglas del juego de Roger Avary; y por último cabría destacar un amplio recorrido por diferentes películas rodadas por la lejana Australia y Nueva Zelanda con películas como La última ola y Picnic en Hanging Rock de Peter Weir, Harlequin de Simon Wincer; la película del jabalí asesino, Razorback de Russell Mulcahy, y Mal gusto y Criaturas Celestiales del otrora grande Peter Jackson.

Mi elección a la hora de elegir película fue la más razonable pero no la mejor. Es decir, si año tras año venía viendo una película y, la verdad, no eran muy memorables, ¿qué mejor que ver una maratón de tres películas? Alguna de las tres sería buena, ¿no? Pues no, no mucho... La verdad es que no recuerdo que fueran gran cosa y mi desentreno a la hora de ver películas a altas horas de la madrugada y una seguida de la otra, jugó en mi contra. Así pues, la primera película que vimos fue la francesa (aunque con participación catalana de la mano del actor Adrià Collado) Bloody Mallory, un engendro de la que apenas recuerdo nada y que jamás volveré a ver. Aún así, aquí les dejo la sinopsis que exponía el folleto del festival: "la joven Mallory, una telépata y una dragqueen tienen 24 horas para liberar al Papa de su secuestro. Petardeo y terror infernal". De la siguiente, también francesa, si que no me acuerdo nada de nada ya que supongo que aquí uno ya no podía más y se echó una siestecita. Se trata de Samoraïs de Giordano Gederlini y la sinopsis rezaba lo siguiente: "un demonio nacido en el Japón feudal sobrevive hasta nuestros días y tiene mucho que ver con una secta que comercializa un videojuego de lucha". La tercera si que pintaba algo mejor, se trata de la alemana The Antman, un film con un estilo visual bastante potente... Lamentablemente me es muy difícil decir hasta que punto estaba de bien porque una vez más el sueño hizo mella en mi... "En el desierto mexicano, Loco Satano tiene un plan perverso: crear un híbrido entre un hombre y una hormiga. Trama desvergonzada con espíritu de serie B".

Los principales premios de aquel año fueron:

MEJOR PELÍCULA: Dracula, pages from a Virgin's Diary de Guy Maddin.

MEJOR DIRECTOR: David Cronenberg por Spider.

MEJOR ACTOR: Jeremy Northam por Cypher.

MEJOR ACTRIZ: Angela Bettis por May.

MEJOR GUIÓN: Lucky McKee por May.

PREMIO ORIENT EXPRESS ex-aquo: Agitator de Takashi Miike y Bad Guy de Kim Ki-duk.

PREMIO HONORÍFICO MÁQUINA DEL TIEMPO: David Cronenberg y Guillermo del Toro.

PREMIO HONORÍFICO LA GENERAL: Dino de Laurentiis.

Por último destacar que Guillermo del Toro andaba por el Festival presentando "Asesino en serio" junto a Santiago Segura, ambos productores del film. Guillermo del Toro se mostró muy simpático y hasta me hizo un dibujito, el tío.

NOVES VISIONS: SELECCIÓN EXQUISITA

2011-08-30T09:18:00.001+02:00

Siguiendo su consolidación e influencia dentro del line-up del Festival, la sección Noves Visions se presenta este año como un espacio dedicado a las propuestas más innovadoras y transgresoras. En esta edición apuesta por la presencia de grandes autores ya consagrados así como por nuevos valores, siendo destacable la presencia de trabajos realizados por mujeres.

La selección de títulos se reparte en cuatro divisiones, de las que ofrecemos un avance a continuación:

Ficció

Una selección que combina grandes nombres del cine contemporáneo y autores jóvenes con trayectoria en el circuito de festivales.

-The Day He Arrives (Sang-soo Hong): Un juego de metalenguaje en la película más accesible del maestro coreano.
- Vampire (Shunji Iwai): El director de All About Lily Chou-Chou viaja a Norteamérica para explorar la angustia juvenil en clave genérica y homenajeando al Martin de George A. Romero.
- 22 mei (Koen Mortier): El realizador de Ex Drummer vuelve para explorar la paranoia actual post 11-S.
- 4:44: The Last Day on Earth (Abel Ferrara): Un ejercicio reflexivo e íntimo del realizador de The Addiction en torno al miedo al fin del mundo.
- Kotoko (Shinya Tsukamoto): El retorno del director de Tetsuo al cine de horror más reflexivo y transgresor.
- Hanezu no tsuki (Naomi Kawase): Una meditación en clave mitológica de la pérdida de valores trascendentes en la sociedad actual.
- La belle endormie (Catherine Breillat): Una versión muy personal y atípica del cuento de Perrault.
- The Tempest (Julie Taymor): Adaptación espectacular y fantástica de una de las más extrañas obras de Shakesperare por la realizadora de Titus y Frida.
- Le petit poucet (Marina de Van): Otra versión femenina y atípica de un famoso cuento infantil por parte de la directora de Don’t Look Back.
- Beyond the Black Rainbow (Panos Cosmatos): Inquietante ejercicio de ciencia-ficción que hunde sus raíces en la tradición del género en los años 70 y que fue una de las sensaciones del festival de Tribeca de este año.

No Ficció

Confirmación del auge del documental de creación que viene proyectándose en las pasadas ediciones del festival.

- Arirang (Kim Ki-duk): Ejercicio autoreflexivo del director de La isla, ganador de la sección Un Certain Regard en Cannes 2011.

- Magic Trip: Ken Kelsey's Search for a Kool Place (Alison Ellwood y Alex Gibney): Reconstrucción del viaje psicodélico de Ken Kelsey y un apasionante estudio de la cultura del LSD.

- Project Nim (James Marsh): El oscarizado director de Man on Wire se sumerge en un fascinante experimento sobre la inteligencia animal.

- The Bengali Detective (Philip Cox): Una mezcla de documental social y comedia que explora de manera sorprendente la compleja sociedad de la India actual.

- Knuckle (Ian Palmer): Impresionante documental sobre boxeo callejero.

- Resurrect Dead: The Mystery of the Toynbee Tiles (Jon Foy): Ganador en Sundance como mejor director de documental y un auténtico experimento de ciencia-ficción con dosis de paranoia milenarista.

Discovery

Una selección de títulos realizados desde postulados independientes, experimentales e indagando nuevas posibilidades del lenguaje cinematográfico y el género fantástico.

- Vlogger (Ricard Gras): Experimento audiovisual de producción catalana que traduce en trama de ficción la mezcla de material de la red y ficción genérica. Tendrá su estreno mundial en Sitges.

- Hellacious Acres: The Case of John Glass (Pat Tremblay): El apocalipsis como temática, esta vez jugando con texturas e imágenes y prescindiendo del diálogo.

- Invasion of the Alien Bikini (Young-doo Oh): Película de superhéroes, con grandes dosis de cultura pop y comedia enloquecida. Una sorpresa que va más allá de su título.

Dark Ficció

Una selección de propuestas de autor con vocación de culto:

- Onna no kappa (Underwater Love) (Shinji Imaoka): Indescriptible mezcla de pink eiga y musical protagonizado por una criatura mítica nipona. Con fotografía de Christopher Doyle.
- Meat (Victor Nieuwenhuijs y Maartje Seyferth): Las fantasías eróticas de un carnicero en un filme que experimenta texturas que recuerdan a Lynch o Greenaway.
- Kaidan Horror Classics (Shinya Tsukamoto, Msayuki Ochiai, Sang il-lee, Hirokazu Koreeda): Un filme ómnibus entorno a leyendas tradicionales de terror dirigidas por maestros como Tsukamoto o Koreeda.

Sitges Film Festival

YONGARY, MONSTRUOSA ALEGORÍA

2011-08-27T19:36:00.005+02:00

La productora Kuk Dong Studios decidió meterse en el género de los Kaiju aprovechando el gran éxito que habían cosechado en los 60 diferentes producciones niponas que tenían como protagonistas a bestias que causaban el caos haya por donde fueran y que, como todo el mundo sabrá, tenía su máximo exponente en Godzilla. Pues bien, para tal propósito la Kuk Dong se asoció con la Toei Company y con una buena tunda de técnicos japoneses crearon este monstruo coreano: el Yongary.

La película está dirigida por Kim Ki-duk pero lógicamente este Ki-duk no tiene nada que ver con el poético-truculento director de Samaritan Girl o La isla. Aún así, me hacía bastante gracia pensar que lo que iba a ver era una especie de metáfora abstracta llena de poesía y violencia (soft, claro), en la que se utilizaba al Yongary que decíamos para contarnos una historia bastante alejada de los monstruos. Pues bien, la película nos cuenta lo siguiente:

1.- Yongary arranca con el matrimonio compuesto por un astronauta (o algo así) y la hija del ministro de defensa (o algo así). Los dos parecen contentos con su nueva vida y su familia les desea todo lo mejor. Viendo sus caras, ¿quién podía pensar lo contrario?

2.- Pero mientras van en su coche, el hermano pequeño de la recién casada les gastará una broma pesada que consiste en dispararles con unos rayos láser que causan mucho picor. Al principio todos se parten el ojete, la broma ha estado realmente bien, pero finalmente el astronauta no duda en llamar a Icho (el joven hermano de su esposa), "monstruo" (seguramente por no llamarle otra cosa peor).

3.- Así pues, los recién casados se disponen a pasar su primera noche de bodas... La chica se ha puesto un salto de cama muy "sensual" pero el hombre no parece estar mucho por la labor (como ven en la fotografía, está más sobado que el chocho de una prostituta). Como es de esperar, pronto llegará su primera crisis matrimonial...

4.- ...Y es que al pobre astronauta lo llaman de... ¿? Eh... Lo llaman de un sitio. Un sitio con científicos, astronautas, gente tocando botones y mirando pantallas llenas de información... Una NASA coreana, ¿me entienden? Lo necesitan con urgencia. Se trata de algo muy importante y no hay tiempo que perder. La mujer lo mira decepcionada, su marido se va... Una vez más tendrá que contentarse con un simple dedillo... "Snif, snif...".

5.- Ciertamente no comprendo que diantres tenía que hacer este hombre por ahí en el espacio, sobretodo al comprobar que después de tanto despegue y tanta historia, la nave que pilotaba volvía a la Tierra y tiraba una bomba o algo así. ¿? Dejémoslo en que se trata de una prueba nuclear, ¿de acuerdo? En este momento fantaseé pensando que lo que estaba viendo era simplemente simbólico. Ese cohete era la representación del falo y esa bomba que tiraba hacía las funciones de "semillita"... ¿A qué desembocará todo esto?

6.- Pues a un enorme saurio que escupe fuego y que se alimenta de aceite y petróleo, que pondrá Corea del Sud patas arriba. ¡E aquí a Yongary! Un "monstruo"...

7.- No lo había dicho antes, pero Icho, - el granujilla del apartado 2, el "monstruo" que decía el astronauta -, tiene otra hermana... Una chica algo frígida que se resiste a comprometerse con el Dr. Ilo, un tío muy listo a quién Icho tiene mucha estima. Así pues Icho y Ilo irán a estudiar a Yongary, y juntos buscarán un punto flaco con el que atacarle.

8.- Pero mientras que Ilo cae malherido, el renacuajo de Icho consigue esconderse y estudiar a conciencia a la bestia. De ese modo sabe que Yongary es sensible al frío y que el amoniaco lo puede matar...

9.- Cuando el niño se lo cuenta al presidente, nadie le cree... Le dicen que se vaya a tocarle los huevos a su padre... ¡Qué se deje de historias! "¡Niño, pa'fuera, baish, baish!". Menos mal que ahí está su amigo Ilo, que le escuchará atentamente. De hecho, logran noquear a Yongary gracias a las indicaciones del chaval...

10.- Pero entonces, aprovechando un despiste de los mayores, Icho se escapa y vuelve a la guarida de Yongary. No contento con haber conseguido encontrar su punto débil, Icho decide despertarlo y... ¡Oh, Dios! Cuando la bestia despierta... ¡AMBOS SE PONEN A BAILAR! Los dos "monstruos" bailan como unos auténticos hijosdeperra. ¡DANZAD, DANZAD, MALDITOS!

DESENLACE: Después de la muerte de Yongary, Icho se convierte en un auténtico héroe... Los periodistas no dejan de hacerle fotografías, las viejecitas le paran por la ciudad y las niñas le piden que le firmen autógrafos en las posaderas. Icho dice que quiere ser biólogo. Un tipo importante. Sabe que era necesario matar a Yongary, pero en realidad ese "monstruo" era bueno. Cuando le preguntan cual es lo que más desea en este mundo, Icho dice que quiere que su hermana, la frígida, se case con su amigo el Dr. Ilo, un hombre de bien, y juntos tengan un niño como él. Pero acto seguido mira a cámara y dice que la siguiente cosa que más desea es que Yongary vuelva junto a él... JUA, JUA, JUA... (Risa maligna).

"Je, je, je... Mira mami, mira como le toco los huevos a Yongary con esta linterna".

MORALEJA: Dejen de lado sus temores y tengan ustedes muchos hijos. Son unos cabroncetes de pequeños pero el día de mañana serán los que levantarán el país y se convertirán en hombres de provecho.

¿Son monstruos o los que nos salvarán el culo el día de mañana?
He aquí otra cuestión muy interesante: ¿acaso nosotros hemos hecho algo por nuestros padres?

MI OBRA MAESTRA

2011-08-21T16:43:00.000+02:00

"Martí"

Queridísimos amigos, aprovecho un breve espacio de tiempo para comunicaos que el pasado jueves viví uno de los momentos más bonitos de mi vida (por no decir el más). Mi hijo Martí decidió venir al mundo y llenar de alegría la vida de mi mujer y la mía. Parece mentira como se puede llegar a querer a una persona tanto incluso antes de conocerla... Desde el momento en el que lo sostuve entre mis brazos por primera vez, supe que había venido a este mundo para esto y que mi hijo iba a sacar lo mejor de mi e iba a ser mi mayor obra aquí en la Tierra. Sentí algo muy especial y supe que entre esta personita y yo había nacido (y nunca mejor dicho) una relación única y que no se podía comparar a ninguna otra. Una relación entre padre e hijo. Normalmente, antes de que naciera, solía fantasear con él y pensaba en como sería mi hijo y si tendría los mismos gustos que yo, es decir, si le iba a gustar el cine, por ejemplo, para así ayudarlo a conseguir todos sus propósitos y metas, pero ahora que lo tengo junto a mi, lo único que me preocupa es darle a Martí la mayor felicidad del mundo y poder convertirlo en un hombre de los píes a la cabeza. Una tarea dura, lo sé. Y más viniendo de un energúmeno como yo, je, je, je, pero aquí esta lo bonito de todo esto...

Nos seguimos leyendo en cuanto logre poner un poco de orden a todos estos cambios agigantados por los que estoy pasando.

MEME(Z) VERANIEGA

2011-08-16T13:12:00.001+02:00

Bueno, como tampoco tengo mucho que anotar en esta bitácora, vamos a seguir el ejemplo de Mr. Cahiers y Mr. Borgo, y pasemos a realizar un meme o, más bien dicho, una meme(z) que es como a mi me gusta llamar a estos listados de películas y que en este caso toca el tema veraniego. Vamos allá:

PASAR EL VERANO EN UN CAMPAMENTO:

Campamento de verano (Sleepaway Camp, Robert Hiltzik, 1983): Pese a que la película está cargada de los clichés más baratos del slasher post-Viernes 13, se podría decir que esta película de R. Hiltzik marcó un antes y un después en este subgénero reventándolo todo con ese SOBRESALIENTE final que tiene y que a buen seguro Neil Jordan tuvo muy presente a la hora de realizar otra película que hizo más adelante (je, je, je...). Un final metido un poco con calzador e incluso forzado, vale, pero que es capaz de dejar a uno anonadado y con el "fistro" alicaído.

DE VERANO EN UNA GRAN URBE:

SOS, Summer of Sam (Nadie está a salvo de Sam) (Summer of Sam, Spike Lee, 1999): Prodigiosa película alejada (sólo aparentemente) de la temática racial que tantas veces abordó Spike Lee, en ella se relatan las andanzas de un asesino en serie apodado "El hijo de Sam", - cuyo nombre real era David Berkowitz -, que durante el verano de 1977 se cepilló a unas cuantas personas en la ciudad de Nueva York. Como es lógico en esta película se le echarán las culpas al que peor pintas tenga y ¿quien mejor que Adrien Brody haciendo de punk? Que feo es el hijoputa... Y pensar que estuvo con la Pataky.

¿Y QUE TAL SI NOS VAMOS A LA PLAYA?:

Tiburón 3 (L'ultimo squalo, Enzo G. Castellari, 1981): Mega ultra exploit del Tiburón de Steven Spielberg, en el que un temible tiburón torpedo causará el caos por la costa de un pueblo norteamericano, ¡y encima en temporada alta! Fabulosa película, - estoy harto de decirlo: el mejor exploit del gran éxito de Spielberg -, en el que uno no tiene más remedio que aplaudir con las orejas ante la cantidad de secuencias para el recuerdo que contiene: esos "muñecos" surfistas saltando por los aires, esa barca que explota cuando el tiburón la intercepta, ese escualo de juguete... ¡IMPRESIONANTE!

VERANEANDO EN EL DESIERTO:

Stryker a.k.a. Mad Max 3 (Cirio H. Santiago, 1983): Exploit filipino de Mad Max (se estrenó como la tercera parte en "Espein") dirigido por el maestro Cirio H. Santiago. En este film un vaquero post-apocalíptico llamado Stryker (Steve Sandor) ayudará a una chica con un par de cantimploras llenas de valiosa agua, a llegar a un recóndito lugar donde, según cuentan, corre el agua como los chorros del oro.

¡VÁMONOS A HACER BUCEO, JODER (que soy muy pijo)!:

Inmersión Letal (Into the blue, John Stockwell, 2005): Muy digno producto de entretenimiento en el que es muy fácil "despistarse" viendo a Jessica Alba metida en un minúsculo bikini... La película va de unos pijos que se ponen a hacer buceo en alta mar. Total, que como quien no quiere la cosa se encuentran en las profundidades un avión repleto de coca y deciden sacar el botín para esnifárselo todo. Ideal para pajilleros con mucha maña.

CONOCE AL AMOR DE TU VIDA DURANTE EL VERANO:

Sé lo que hicisteis el último verano (I know what you did last summer, Jim Gillespie, 1997): Después del mega éxito propiciado por Wes Craven y sobretodo Kevin Williamson, no nos ha de extrañar que el slasher volviera con más fuerza y que el propio Williamson se encargase de estar detrás de muchos de ellos (ya sea escribiendo o produciendo). En este caso unos niñatos atropellan a un puto pescador y se marchan sin socorrerlo. Aquel verano Jennifer Love Hewitt conoció el amor (¡e incluso las "guarreridas españolas"!) y también conoció la muerte, así que al verano siguiente ya nada volverá a ser igual.

UN VERANO EN LA CÁRCEL DE MUJERES:

Black Mama, White Mama (Eddie Romero, 1973): Que mejor sitio que una cárcel de mujeres para pasar el veranito. Rodeado de mujeres de muy buen ver y carceleras lesbianas, mmmm... La atracción fuerte de este lugar es pasar una agradable velada en el pequeño habitáculo de ácero a pleno sol. Bueno, si es en compañía de Margaret Markov y Pam Grier por mi encantado.

EN EL LAGO DE LUNA DE MIEL:

Los asesinos de la luna de miel (The honeymoon killers, Loeonard Kastle, 1970): Excelente película basada en hechos reales, en ella Martha y Ray, una singular pareja de asesinos, se dedican a hacerse pasar por hermanos, mientras timan y asesinan a un puñado de solteronas con las que Ray se casaba. Impagable esa escena en la que Ray (Tony Lo Bianco) coquetea con una de sus víctimas y Martha (Shirley Stoler) se lanza al lago e intenta ahogarse por culpa de los celos. Ni corto ni perezoso Ray se lanza en busca de su amada y se delatan ante la víctima.

¡VACACIONES EN EL OESTE!:

Deadlock (Roland Klicks, 1970): rodado en Israel, este singular western alemán nos adentra en las aventuras de dos pistoleros que se separan después de un atraco a un banco. Uno de ellos, malherido, se larga con el maletín lleno de dinero y su metralleta, y planea encontrarse con su compañero en un pequeño pueblo abandonado. A su llegada se encuentra con una preciosa chica que no puede hablar (Mascha Elm Raben) y con su pareja. Olvidado western contemporáneo que contiene como una de sus grandes bazas la prodigiosa banda sonora compuesta por la banda de rock psicodélico Can!

Y POR SUPUESTO EN LA GRANJA (y si puede ser acompañado de una voluptuosa sueca mejor):

Supervixens (Russ Meyer, 1975): Como es lógico en este tipo de listados no puede faltar la figura del gran Russ Meyer. Normal en él era recrear sus películas en los desiertos de Arizona y rodeado de bellas damiselas (con muchas tetas...). Impagable la escena en la que la joven sueca interpretada por Uschi Digard filtrea con Charles Pitts en el granero mientras el cornudo del granjero anda por ahí fuera.